Color timer

Месяц в Mistika Boutique В апреле я около месяца активно работал в Mistika Boutique над фильмом Foster. Теперь, когда прошло немного времени, я наконец могу собрать свои впечатления в полноценный текст. Начало было тяжёлым. Первый рил — часть фильма длиной примерно 20 минут — я делал очень долго. Мне приходилось перестраиваться между двумя разными логиками работы. Ты понимаешь, какой результат хочешь получить. Знаешь, каким инструментом это можно сделать. Но каждое движение приходится отдельно продумывать, потому что автоматизма пока нет совсем. Дополнительного стресса добавляла необходимость встроиться в пайплайн студии LightBender: соблюдать принятую организацию слоёв и последовательность коррекций. Но почти сразу я почувствовал ещё одну вещь: сами инструменты в Mistika ощущаются иначе. Мне сложно описать это через какие-то объективные или измеримые параметры. Я не могу сказать, что в одной программе математика работает правильно, а в другой — неправильно. Скорее это ощущение на уровне связки глаз, рук и мозга. Ты двигаешь изображение примерно в ту же сторону, используешь похожие базовые инструменты, но картинка отвечает немного иначе. После возвращения в Mistika инструменты Resolve стали казаться мне более цифровыми, что ли. Я пока не могу подобрать более точное слово. Вроде всё работает, хороший результат получить можно, но внутри возникает небольшой диссонанс. Как будто не то пальто. Для меня как для колориста это, наверное, один из главных параметров любой системы. Можно долго сравнивать количество функций, интерфейс, удобство конформа, ноды и слои. Но большую часть дня я просто взаимодействую с цветом. Поэтому то, как программа отвечает на мои действия и насколько естественно для меня ведёт себя изображение, в итоге оказывается важнее общего списка возможностей. Видимо, мне нужно было почти год проработать только в Resolve, чтобы действительно почувствовать эту разницу. Раньше Mistika была для меня просто привычной системой. Теперь возвращение в неё вызвало неожиданно яркие эмоции. При этом у Resolve объективно больше инструментов и плагинов. Та же карта глубины иногда очень помогает и позволяет быстро решить задачу, для которой иначе пришлось бы строить несколько масок. Но здесь есть важный момент. При всём многообразии современных инструментов 80, а иногда и 90% времени в реальной работе мы используем самые базовые: оффсет, контраст, кривые, ключи и геометрические маски. Поэтому для меня вопрос не только в том, сколько инструментов есть в программе, но и в том, насколько хорошо работают те несколько, которыми я пользуюсь весь день. Из инструментов Resolve сильнее всего мне будет не хватать X-Grade. Пожалуй, это одно из самых интересных и действительно полезных нововведений последних лет. Придётся привыкать работать без него. Параллельно мы наконец решили основные вопросы командной работы и совместного доступа к проектам. Поэтому решение для себя я принял: на крупных проектах мы будем внедрять Mistika Boutique в пайплайн студии. Resolve при этом никуда не исчезает. У него остаётся много сильных сторон и задач, в которых он очень удобен: конформ, рендер прокси, транскодирование исходников, цвет небольших быстрых проектов и многое другое. Но Mistika снова становится для меня полноценным рабочим инструментом. В первую очередь из-за того самого ощущения от работы с цветом, которое сложно измерить, но невозможно не замечать.

Я вернулся с ACES 2.0 на ACES 1.3. Но сначала коротко для тех, кто не работает непосредственно с цветом. ACES — это система управления цветом, разработанная Американской киноакадемией. Она помогает провести изображение через весь процесс производства: от камеры и графики до цветокоррекции и финального мастера. Проще говоря, это общий цветовой язык для оператора, VFX-студии и колориста. У ACES есть разные версии, и они заметно влияют не только на технический процесс, но и на то, как в итоге выглядит изображение. Я начал работать с ACES 2.0 еще в стадии беты и проработал около полу года с момента релиза, но в итоге понял, что 1.3 мне просто ближе. Причин несколько. Первая и главная — кривая контраста. В ACES 2.0 она вялая и совершенно без характера. Я даже не могу сказать, что она плохая. Она именно никакая. В 1.3 уже есть определённый рисунок, от которого можно отталкиваться. И здесь важно уточнить: это исключительно моё личное восприятие и мой подход к работе. Я прекрасно понимаю, что есть специалисты, которым как раз удобнее начинать с максимально нейтральной точки. Это немного похоже на моделей для показов, где часто ценится нейтральная внешность. Она не задаёт образ заранее и позволяет с помощью одежды, грима и причёски собрать практически что угодно. Похожая логика есть и у FilmLight в системе управления цветом Truelight Colour Spaces. Базовая система настолько нейтральная что не предполагает ее применения без Scene Looks. Я прекрасно понимаю такой подход. Просто это не мой путь. Мне ближе стартовая точка, в которой уже есть собственный характер. Достаточно выразительный, чтобы мне было от чего оттолкнуться, и достаточно ненавязчивый, чтобы из него всё ещё можно было собрать совершенно разные изображения. Второй момент — заигрывание с плёночной эстетикой. В ACES 1.3 оно присутствует в самом характере изображения, а в 2.0 практически потерялось. Особенно хорошо это видно на огне. В 2.0 он стал очень цифровым и выглядит совсем не так, как мы привыкли видеть его глазами. Есть и чисто производственная причина. ACES 2.0 пока есть далеко не у всех студий графики. Для большого проекта это лишняя точка, в которой может разойтись пайплайн. С 1.3 весь процесс сейчас синхронизировать гораздо проще. Конечно, у ACES 1.3 есть свои особенности: небольшое отбеливание хайлайтов и довольно высокий контраст в светлых областях. Но всё это легко компенсируется люма-кривой. И в итоге это даже даёт больше свободы. Можно сохранить контрастный характер ACES 1.3, а можно раскрыть светлые области и получить совсем другую, более мягкую реакцию изображения. Два действительно разных подхода внутри одной системы. Так что пока я снова на ACES 1.3. В ней есть характер, с которым мне интереснее работать.

Контраст — это основа. Если подумать, то почти всё, что мы воспринимаем, построено на контрасте. Светлое и тёмное. Тёплое и холодное. Большое и маленькое. Быстрое и медленное. Мы замечаем разницу. Именно она и привлекает внимание. Поэтому базовая задача колориста помимо сведения кадров усилить то, что уже заложили режиссёр и оператор. Помочь зрителю смотреть туда, куда они хотели. Главный герой или важная деталь должны выделяться. Но это не значит, что нужно просто добавить контраста именно в этой области. Очень часто работает противоположный подход. Можно сделать окружающее пространство чуть спокойнее. Чуть менее контрастным. Тогда главный герой начинает выделяться сам, без ощущения, что его специально подсветили. Даже обычная виньетка работает именно так. Затемняя края кадра, она уменьшает контраст этих областей, поэтому взгляд естественным образом уходит в центр. Точно так же могут работать небольшой блюр, лёгкая десатурация или небольшое изменение цветовой температуры фона. Сегодня с помощью карт глубины это делать стало ещё проще. Можно отдельно работать с передним и задним планом, меняя их контраст независимо друг от друга. И как всегда я иду от общего к частному (иногда только в голове), от выбора между классическими инструментами и пространственным контрастом. Так же огромную роль играет в восприятии картинки сведение контрастов между разными крупностями, и здесь тоже нет единого мнения между специалистами, как это делать. Опорой почти всегда выступает собственный вкус. Тема контраста настолько обширная и многогранная, что я решил написать небольшую книгу об этом (совсем маленькую!). Пожелайте мне в этом удачи! Если подытожить мою мысль, то в сухом остатке у нас будет, что на вещи нужно смотреть шире, и не всегда, когда просят усилить контраст, нужно хвататься за ручку контраста. Добавлять акцент можно от противного, а виньетка не всегда нужна затемняющая (не люблю её!) Поэтому, когда хочется сильнее выделить героя, я всегда сначала задаю себе вопрос: Может быть, не нужно делать героя ярче? Может быть, достаточно сделать всё вокруг немного спокойнее?

Последние несколько лет я регулярно размышляю над этой темой, но все никак не мог выбрать время чтобы попытаться структурировать мысли и самому разобраться с тем на сколько стоит слушать и доверять мнению более опытных коллег? Заранее извиняюсь если буду перескакивать и писать безсвязно)) Сначала давайте разберёмся кого считать более опытным?)) Для себя я вижу так, специалист, который больше меня по времени находится в индустрии и который добился в профессии больше меня, работает на более крупных проектах, с более именитыми режиссерами и операторам, был номинантом HPA или filmlight awards, примерно так. С одной стороны, мнение подобного коллеги крайне ценно и думаю не стоит расписывать почему. Просто бери и мотай на ус, но... Все мы люди и можем ошибаться. Опыт не гарантия свежести и актуальности решений, особенно если человек постоянно в потоке он может идти протореной дорогой и не замечать новинок и изменений. Поэтому мой непрошенный совет — всегда подвергайте мнение коллег, даже самых авторитетных, внутренней критике. Не потому что они некомпетентны. А потому что мир меняется. Меняются технологии, инструменты, процессы, распределение ролей. То, что было лучшим решением пять лет назад, сегодня может быть просто одним из вариантов. При этом, конечно, невероятно ценно, когда рядом есть человек опытнее тебя. Особенно в моменты, когда ты вообще не понимаешь, что делать. Он может показать направление, помочь избежать глупых ошибок. И это огромное счастье. Но если речь идёт уже о творческих решениях, если у тебя есть собственное видение, которое расходится с мнением авторитета, — здесь я бы очень внимательно прислушался к себе. Подвергни сомнению оба видения, разбери их. И если после этого твоя интуиция всё равно говорит: «мой вариант лучше!» — значит, нужно пробовать. Потому что это уже будет твой опыт. Мне вообще кажется, что одна из главных опасностей в любой профессии — начать работать на автомате. Протоптал себе дорожку и идёшь по ней годами, не глядя по сторонам. Утешаешь себя что просто очень много работы, чтобы учиться или осваивать новые техники или софт. Профессиональный рост заканчивается ровно в тот момент, когда ты перестаёшь сомневаться и задавать себе вопросы.

Мой график наконец подтвердился и я готов пригласить всех желающих в гости к себе на студию завтра с 14.00 до 18.00. Свободные слоты еще есть. Пишите в личку ФИО для пропуска. Адрес: Москва, Павелецкая наб. 2с1

Появилась мысль устроить небольшую встречу у меня на студии, пока у меня ещё активна лицензия Mistika. Хочу собрать человек 5–7, подготовить материал и вместе посидеть покрутить цвет, обсудить пайплайны, организацию работы студии, совместную работу и в целом сравнить ощущения от Mistika и Resolve в реальной работе. Моя основная мотивация тут это дополнительно проговорить многие вещи чтобы лучше уложить у себя в голове все плюсы, минусы и вопросы перед возможным переходом на Mistika в будущем. Возможно кому-то будет интересно посмотреть систему вживую, позадавать вопросы и просто пообщаться. Пока это просто идея, поэтому интересно понять — кому вообще был бы интересен такой формат?

Не прошло и 9 лет как я созрел обновить клаву с мышью на рабочей станции))) Сея мысль мне начала приходить в голову после ее обновления, когда на основной машине больше нет USB 2.0 и в связи с появлением еще одной станции рядом, для которой тоже необходимы мышь и клавиатура. Я давний поклонник продукции Logitech, но в современных линейках я не разбираюсь, поэтому я просто бегло погуглил какие устройства поддерживают несколько подключение и интернет мне предложил клаву MX keys и мышь mx master 3. Надеюсь у меня все заработает)) Сразу вопрос к владельцам таких мышей, зачем нужно второе колесо?

Вышел первый официальный трейлер фильма "Дедмобиль", над которым мы работаем. Здесь мы отвечаем за цвет и финишинг, а графику делать прекрасная студия Trehmer. Одна из главных особенностей этого проекта это съёмки на лед экранах и следовательно большое количество локальной работы. Геометрические маски тут правят бал. Вообще я очень кайфую от этого проекта и всем желаю приятного просмотра трейлера!

Хотел написать, но потом как-то забыл. HDR Tool так и не стал "моим" инструментом. Хотя он создан для гибкой первичной обработки, на каком-то интуитивном уровне мне не нравится, как он ведёт себя с картинкой. Как будто я пытаюсь им работать, а результат — не то, что я представлял. Однако иногда он выручает в сценах с недосветом — поднять экспозицию выходит неплохо. Также его можно применить для компрессии хайлайтов или быстрого поджатия точки чёрного, но это редкие случаи. В целом же, когда я «трогаю» HDR Tool, у меня возникает ощущение, будто я ощетинившийся кот— результат не мой. Проще ноду перевести в линейную гамму чем его трогать.

Последние две недели я работал в Мистике над фильмом Foster. Это был интересный опыт, и я задумался, что главное в работе? какие инструменты я использую постоянно и почему? Поэтому сегодня мой пост посвящён инструментам цветокоррекции, которые я использую каждый день. Основная часть работы — это сведéние материала, чтобы видео смотрелось гладко, без потрясений для глаз)). Я иду от общего к частному и всегда начинаю с общего баланса, контраста и яркости. Сначала это линейные инструменты — Printer Lights и Offset, чтобы не нарушать отношения яркостей. Потом, при необходимости, подключаются Lift/Gamma/Gain и Hue-кривые. RGB-кривые — мощный инструмент, ими можно задать любые отношения яркостей внутри кадра но в DaVinci им есть, куда улучшаться. В локальной работе я предпочитаю геометрические маски: они менее диструктивные чем квалифаер. Он — только в конце. Чаще всего это круглая форма и градиент. Небольшой типс: если нужно сильно менять яркость оттенка, лучше сделать мягкий выбор цвета квалифаером и корректировать уже оффсетом или LGG — Hue-кривые могут дать шум и артефакты (в Lightbender есть даже запрет на значительное изменение яркости кривыми). И напоследок: каждый день у меня в работе два OFX — Texture Pop и Contrast Pop. Texture Pop позволяет работать с деталями разного размера внутри кадра индивидуально, Contrast Pop меняет контраст, не трогая яркость. Contrast Pop — это мой помощник, когда мне нужно смягчить изображение, но при этом сохранить общий контраст неизменным. Базово я использую Texture Pop для шарпинга, потому что он позволяет отдельно работать с лумой и хромой. Также я использую его, когда нужно подчёркивать мелкие детали, не затрагивая крупные, либо наоборот — смягчать крупные формы, оставляя текстуру.

Сегодня вышла моя статья для портала Фильм Про о роли колориста на проекте. https://www.filmpro.ru/materials/78495 Я постарался достаточно тезисно описать как вижу свою профессию и какие этапы, по-моему мнению, она включает. Немножко попробовал посмотреть в будущее. Самое главное, спасибо большое команде Фильм Про за терпение, потому что эти 3500 знаков от меня они ждали с октября прошлого года)) Очень рад, что она вышла и всем приятного чтения!