Victoria Barazzoni | Коды моды и искусства для стилистов и творцов

Что вообще такое глубина в профессии? Иногда кажется, что глубокий специалист - это тот, кто очень много знает. Чем больше книг прочитал, чем больше курсов прошёл, чем больше художников, эпох, дизайнеров и коллекций может назвать, тем он профессиональнее. И я совершенно не против знаний. Знать много действительно полезно. Но в какой-то момент я поняла одну важную вещь: количество знаний само по себе ещё не создаёт глубины. Глубина начинается с того, как вы умеете этими знаниями пользоваться. И вот здесь для меня проходит очень важная граница между просто стилизацией и концептуальной работой. Возьмём любую эстетику. Например, античность. Можно стилизовать под античность. Мы знаем её самые узнаваемые элементы: хитон, драпировки, сандалии, золото, открытое тело. Берём эти элементы, немного осовремениваем, соединяем между собой и получаем образ, который зритель моментально считывает: ага, Древняя Греция. И это не плохо. Это один из способов работы. Но есть проблема: вы работаете с тем, что уже было придумано до вас. Хитон придумали не мы с вами, и за много десятков лет он успел прогуляться по такому количеству коллекций, съёмок и красных дорожек, что ещё одним платьем с драпировкой удивить кого-то довольно сложно. То же самое происходит с любой эстетикой. Готика превращается в чёрный цвет, кресты и вытянутые формы. Сюрреализм в зеркала, странные позы и предметы не на своих местах. 1970-е в клёш, замшу и платформу. Вы вроде бы всё сделали правильно, зритель всё узнал, но ничего нового не произошло. Потому что вы взяли результат чужого мышления, а не само мышление. И вот здесь начинается второй уровень, который мне гораздо интереснее: не стилизовать под эстетику, а мыслить внутри эстетики. Что это значит? Вместо вопроса «как выглядит сюрреализм?» я задаю другой: а что сюрреализм вообще делает с реальностью? Он нарушает привычную логику вещей, соединяет то, что в рациональном мире не должно соединяться, заставляет знакомый предмет потерять своё очевидное значение. И тогда мне уже необязательно брать зеркало или буквально цитировать Дали или Магритта. Можно взять этот принцип и придумать совершенно современный образ, в котором не будет ни одного очевидного «сюрреалистического» предмета, но будет работать сюрреалистическая логика. То же самое с античностью. Можно взять хитон, а можно пойти глубже и спросить: какая идея тела существовала в Древней Греции? Как через пластику, движение, пропорции строилось представление о красоте? А если мне нужен не греческий, а римский код, меня уже может интересовать совсем другое: монументальность, статус, вес формы, идея матроны, тело не как объект демонстрации, а как носитель социального положения. И тогда я могу вообще не использовать исторический костюм. Но связь с эстетикой будет гораздо глубже. И, наверное, именно здесь я наконец для себя сформулировала, чем работа стилиста отличается от буквального воссоздания исторического или театрального костюма. Наша задача не обязательно в том, чтобы зритель посмотрел и сказал: «О, это Древняя Греция». Гораздо интереснее взять логику, которая когда-то породила определённые формы, и с её помощью создать новую форму уже для своего времени. Поэтому я бы разделила работу с эстетикой на несколько уровней. Сначала мы видим её коды: цвет, форму, линию, фактуру, силуэт, предметы, композицию. Потом начинаем понимать, почему эти коды появились, какую идею человека, тела, красоты, власти, свободы, женственности или общества они выражали. А дальше происходит самое интересное: мы понимаем принцип мышления эстетики и начинаем пользоваться им сами. И вот здесь знания наконец превращаются в инструмент. Потому что знать двадцать эстетик и уметь воспроизвести их внешние признаки - это насмотренность и эрудиция. А уметь взять одну эстетику, разобрать её до принципа и на его основе придумать решение, которого раньше не существовало, это уже совсем другой уровень профессиональной работы. И именно переход от цитирования к авторству для меня и есть настоящая глубина. На курсе Styling art мы учимся работать со всеми уровнями стилизаций для любого клиента. Старт 24 августа. ➡️ Иду на курс

Самое главное, что вам важно сделать для рывка в профессии, уверенности в себе как специалисте, развития и выхода на новый уровень – это не выучить что-то новое, а изменить мышление. Научиться мыслить как творец, уйти от шаблонов и копирования. Именно про это курс Styling art: когда стиль встречает искусство. Запись на новый цикл открыта. Старт курса 24 августа. Почему я решила создать данный курс? И о чем он? Я много говорю об эстетиках и чем глубже я в этой теме (которая со мной уже больше 10 лет), тем больше я вижу практическое применение данных знаний. Понимание эстетик – это важный инструмент и для тех, кто работает с визуалом (стилисты, контент-мейкеры, дизайнеры, сет-дизайнеры, художники, графические дизайнеры), и для тех из вас, кто хочет раскрыться при помощи стиля и получать удовольствие не только от невероятной красоты и эстетичности, но и от полного кайфа от собственной аутентичности. Что мы будем изучать? Курс состоит из 5 циклов, мы изучаем все невероятное богатство эстетик до Древнего мира до современности и я рекомендую идти именно поступательно. 24 августа стартует 1 цикл курса. Эстетики, которые определили формирование основных мировых стилей. Древний Египет, Античность, Средневековье. Эпохи, к которым любят обращаться дизайнеры, от Альберта Ферретти до Chanel. В чем особенность подхода? Я дам Вам систему, которая объединяет коды искусства, моды и характеров. Добавляю архетипы. И в результате это будет мощный имиджевый инструмент как для построения личного стиля, так и бренда. Вам не нужно будет отдельно долго изучать искусство, потом отдельно историю моды, образы, а далее это как-то объединять. Это всё Вы найдете в одном курсе. И в результате ·        Вы сможете стилизовать на уровне идеи, линий, образов ·        В обычном свитере увидите эстетику и сможете создать свежий образ ·        Подберете инструменты для своей эстетики ·        Усилите насмотренность, выведете вкус на новый уровень ·        Научитесь действительно грамотно анализировать подиум, понимать ДНК дизайнеров, их коллекций ·        Научитесь свежо и интересно показывать свои работы в соц сетях Структура цикла: ·        25 уроков ·        Уроки в записи на учебной платформе, открываются 2 раза в неделю ·        Вебинар ответы на вопросы ·        Самостоятельный формат или с проверкой домашних заданий До 20 августа действует скидка. Старт 24 августа. ➡️ Иду выходить на новый уровень

Виктория , добрый день. Я уже прошла обучение по Древнему Египту отдельным курсом и это было Вау. 🤩

Синий, черный, золотой? Только ли данные цвета относятся к эстетике Древнего Египта? Нет, их больше. Сняла для студентов видео с оттенками Древнего Египта в нашем египетском музее в Турине, который второй по значимости в мире. Уже в то время различали оттенки и нюансы цвета. Как с работать с данными цветами, рассказываю на курсе Styling art, там же будут рисунки, сочетания и многое другое. Старт записи уже совсем скоро.

Эстетика на подиуме Стиль эпохи / субкультуры / другой эстетики может раскрываться "открыто". Мы её узнаем, видим яркие примеры костюма, цвета, сочетания. А может разговаривать с нами шепотом, то есть смешиваться с другой и даже не быть на первом плане. Быть, как сейчас можно, в коллаборации). Второй вариант узнавать сложнее, потому что, когда явного нет, нужна глубина знаний и натренированный взгляд. И тогда простая вещь может становиться "магической" или говоря простым языком, более интересной в стилизации. Такие загадки и задачки мы сейчас решаем со студентами. Пример второго варианта - недавняя коллекция Courrèges SS 2025. Молодой дизайнер бренда Николя де Феличе "космичность" бренда передает через минималистичные обтекаемые формы, плоскостность, чистую линию, образ "гостьи и будущего", иногда эстетику "верхнего мира" киберпанка. Древнего Египта здесь нет, но он может быть. Он где-то сзади, подкрадывается. Через отсылки к древнему схенти, которые носили мужчины, символику треугольников, плоскостность, тонкую плиссировку, отрешенность и закрытость. Образ модели в черном кожаном пальто как мумия в саркофаге. Чтобы Египет зазвучал и чтобы сказать, да Египет, нужно добавлять другие, явные коды эстетики. Иначе это не Египет. Но, это даёт возможность как раз стилизовать. Есть крутой современный костяк, в котором есть визуальные коды эстетики. И далее уже добавлять те же аксессуары, детали. А ещё интересный момент: полезно для тренд-аналитиков и всех любителей смыслов. Эстетика несет своё настроение и когда мы её узнаем, картина становится глубже. Старт долгожданного цикла Styling art уже совсем скоро. Начнем как раз с Древнего Египта.

Буквально на днях я объясняла мужу, почему это поло с данными шортами лучше всё-таки не надевать вместе. И здесь важно слово «лучше не надо», потому что в стилистике очень редко бывает категоричное «нельзя». Всё зависит от задачи, человека и того впечатления, которое мы хотим создать. Но пока я это объясняла, в очередной раз поймала себя на мысли, что вкус, друзья, это не только какое-то внутреннее чувство из серии «мне так нравится». Вкус очень часто строится на знаниях. Чем больше вы понимаете про вещи, тем точнее начинаете видеть, почему одно сочетание работает, а другое, вроде бы вполне логичное, всё-таки не складывается. Я смотрю на любую вещь через три уровня. Первый уровень: визуальный. Это цвет, форма, силуэт, фактура, пропорции. Именно на этом уровне остаётся большинство людей. Подобрали по цвету, посмотрели на длину, оценили посадку, вспомнили тренды - всё. Но это только начало. Второй уровень: происхождение вещи. Для кого она была создана? Зачем? Какую задачу решала? Возьмём поло. Многие думают, что оно пришло из игры в поло. На самом деле современная трикотажная футболка-поло появилась благодаря теннисисту Рене Лакосту, который в 1920-х годах хотел сделать форму удобнее для игры. Он заменил жёсткую рубашку на мягкий трикотаж с короткими рукавами и воротником. Так появилась вещь, которая соединила спортивную функциональность и аккуратный, собранный внешний вид. Есть ещё третий уровень: мифология вещи, опираясь на идеи Ролана Барта. Это уже не про то, откуда вещь появилась, а про то, какое значение она приобрела со временем. Поло давно перестало быть просто одеждой для тенниса. Оно стало частью эстетики преппи, университетской культуры, гольфа, яхтинга, закрытых клубов. Оно стало символом определённого образа жизни. И сегодня, когда мы смотрим на поло, мы считываем уже не только спортивную вещь мы считываем расслабленный статус. Поло находится где-то между двумя мирами. С одной стороны, это спорт, движение, комфорт, трикотаж. С другой, воротник, пуговицы, аккуратность, ощущение дисциплины и принадлежности к определённой культурной среде. Именно поэтому поло - это совсем не просто «футболка с воротником». Когда вы начинаете видеть все три уровня одновременно, многое становится понятнее. Вы уже не говорите: «Мне кажется, эти брюки сюда не подходят». Вы понимаете почему. На первом уровне вы быстро проверяете цвет, форму и пропорции. А дальше начинаете смотреть глубже. Какой характер у поло? Какие смыслы оно несёт? Какая эстетика стоит за этими брюками? Разговаривают ли они друг с другом или каждый говорит на своём языке? Студенты иногда спрашивают меня: «Но ведь сегодня можно смешать всё?» Теоретически можно. Притянуть за уши можно вообще что угодно. Но если мы говорим о действительно тонкой работе, то далеко не всё соединяется одинаково убедительно. Как и в кулинарии: продукты могут лежать на одной тарелке, но это ещё не значит, что вместе они дадут хороший вкус. Именно поэтому я всегда говорю, что стилисту недостаточно знать только цвет и форму. Нужно понимать происхождение вещей, их эстетику и ту культурную историю, которую они несут. Именно тогда исчезает ощущение «мне так кажется» и появляется уверенность, которую чувствует и клиент. И именно поэтому на Styling Art мы разбираем каждую вещь настолько глубоко, не для того, чтобы вы запомнили ещё один исторический факт, а для того, чтобы вы научились видеть вещи совсем на другом уровне. Именно это потом и становится настоящим вкусом. Запись на новый цикл открываем уже совсем скоро.

Сильный образ начинается не с красивого референса, он начинается с идеи. И новая кампания Chloé fw2026 очень хорошо это показывает. На поверхности здесь всё, что мы уже много раз видели в модной съёмке: цветочные поля, ветер, длинные волосы, летящие платья, море, романтическая женственность. Можно сказать: красиво. Можно вспомнить boho. Можно вспомнить прерафаэлитов. И эта ассоциация действительно возникает почти сразу. Но если остановиться только на уровне “похоже на прерафаэлитов”, мы увидим лишь верхний слой. Гораздо интереснее другое: почему эта съёмка кажется такой цельной? Почему цветы, волосы, платья, ветер и пейзаж не выглядят набором красивых деталей? Потому что у кампании есть ясная идея. Женщина здесь не просто находится на природе, она сама становится природой. И именно из этой идеи рождается весь визуальный язык съёмки. Волосы здесь не просто распущены. Они не выглядят как аккуратно сделанная укладка для рекламного кадра. Они живут, спутываются, разлетаются от ветра, продолжают линии травы, фактуру сухих стеблей, полевых растений. Они работают не как beauty-деталь, а как часть ландшафта. Как будто между волосами и травой нет жёсткой границы, и то, и другое движется, колышется, подчиняется воздуху. Платья тоже перестают быть просто одеждой. Они ведут себя как природные формы. Белая ткань раскрывается как облако или огромный цветок. Голубое платье вступает в диалог с небом и морем. Красное становится вспышкой мака среди зелени. Рюши и воланы повторяют избыточность цветочного поля, где всё растёт, наслаивается, распускается, движется не по строгой геометрии, а по живому природному ритму. Ткань летит, распластывается, собирается в волны, выходит за пределы тела, подхватывается ветром. Одежда перестаёт быть вещью и становится движением. Именно поэтому природа в этой кампании не выглядит фоном. Она не просто “красивая локация”, куда привезли моделей и платья. Она участвует в образе. Трава, цветы, ветер, волосы, ткань, тело и свет существуют как один живой организм. Вот здесь и появляется связь с прерафаэлитами. Не потому что Chloé буквально копирует Россетти, Милле или Ханта. Нет. Здесь нет прямой реконструкции XIX века, нет исторического костюма, нет попытки снять современную “Офелию”. Связь глубже. У прерафаэлитов природа тоже не была декорацией. Она была языком внутреннего состояния. Цветы, вода, волосы, ткань, свет, лицо, всё работало вместе, создавая не просто красивую сцену, а эмоциональный мир. Женщина у них часто существовала не отдельно от природы, а внутри неё, как часть большого поэтического пространства. Но у Chloé есть важное отличие. У прерафаэлитов больше статики. Их женские образы часто кажутся остановленными во времени. Женщина не столько движется, сколько пребывает в состоянии: сна, тоски, ожидания, любви, утраты, внутреннего напряжения. Даже когда вокруг неё вода, цветы, волосы, складки ткани, всё будто замедлено, чтобы мы могли рассматривать и расшифровывать каждый знак. У Chloé всё иначе. Здесь красота не остановлена. Она запущена в движение, ветер, ткань, волосы. Женщина не превращается в икону состояния, она существует как стихия. Chloé берёт не трагическую тяжесть прерафаэлитов, не их викторианскую драму, не образ женщины-жертвы или роковой музы. Камали (дизайнер бренда) берёт другое, их способ чувствовать связь женщины, природы, ткани, цвета и внутреннего состояния. А дальше переводит это на современный язык. Это женщина, которая принадлежит не зрителю, а самой себе. И природе, с которой она находится в одном ритме. И в этом смысле кампания очень точно попадает в ДНК Chloé, которая всегда была не про жёсткую конструкцию, не про холодную власть, не про женщину в броне. Это бренд про свободную женственность, движение, лёгкость, естественность, романтичность без чрезмерной сладости. И безусловно, есть связь с глобальными трендами: ремесло, женское коммьюнити, свобода, эмоция, тактильность. Сильная стилизация начинается не с Pinterest. Не с фразы “хочу что-то в стиле Chloé” или “давайте сделаем прерафаэлитов”. Сильная стилизация начинается с идеи.