Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Почему фильм «Мистер Тёрнер» стоит посмотреть каждому художнику Если вы знаете Уильяма Тёрнера только по красивым морским пейзажам из учебников, фильм «Мистер Тёрнер» (2014) может сильно изменить представление о нем. Режиссер Майк Ли показывает последние 25 лет жизни художника — не как историю «великого гения», а как довольно тяжелую, местами неприятную и очень человеческую биографию. Сам фильм идет 2 часа 30 минут, а Тимоти Сполл за роль Тёрнера получил приз Каннского фестиваля за лучшую мужскую роль. Картина также получила 4 номинации на «Оскар». И масштаб самого Тёрнера действительно сложно переоценить. Он родился в 1775 году, а уже в 14 лет поступил в школу при Королевской академии художеств. За свою жизнь он создал огромное количество произведений. В собрании, связанном с его наследием, сохранились сотни картин и десятки тысяч рисунков и акварелей. Сегодня его поздние картины иногда выглядят почти как абстракция, хотя они написаны примерно за полвека до появления импрессионизма. Свет, туман, дождь, пожар, море — иногда сюжет у Тёрнера буквально растворяется в цвете. А теперь немного денег. В 2014 году его картина «Рим с Авентинского холма» была продана на Sotheby's за £30,3 млн — примерно $47,5 млн по тогдашнему курсу. Это остается одним из самых громких результатов художника на аукционе. А в 2025 году произошла совершенно безумная история. Раннюю работу Тёрнера сначала продали примерно за £500, потому что ее считали произведением другого автора. После исследования специалисты признали в ней работу молодого Тёрнера — и уже на следующем аукционе она ушла почти за £2 млн. И, конечно, есть Премия Тёрнера. Ее учредили в Великобритании в 1984 году и назвали в честь художника. Но небольшое уточнение к рилсу: это не премия специально для живописцев. Она посвящена современному британскому искусству в целом, поэтому среди номинантов и победителей могут быть авторы совершенно разных направлений. По уровню известности внутри британского искусства это действительно одна из тех наград, которые способны серьезно изменить карьеру художника. Мне в фильме особенно нравится другое: он показывает, что за красивыми музейными картинами может стоять совершенно некрасивая жизнь. «Мистер Тёрнер» — медленный, довольно мрачный, но очень красивый фильм. И после него картины Тёрнера начинаешь воспринимать немного иначе. Если занимаетесь искусством — точно добавляйте в список. Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — на моем бусти есть курс: 13 Секретов для карьеры художника ! — программа, которая направлена на развитие художников, их практики и их карьеры! Подробности 👉 https://boosty.to/iffa.art

Почему талантливый художник может зарабатывать меньше, чем художник со значительно более слабыми работами? Потому что рынок искусства не умеет автоматически находить талант. Можно годами делать прекрасные работы в мастерской, но если их никто не видит, не обсуждает и не показывает коллекционерам, рынок практически не знает об их существовании. И сегодня это особенно хорошо видно по цифрам. В исследовании Art Basel и UBS за 2025 год участвовали 3 100 состоятельных коллекционеров из 10 стран. И оказалось, что 66% из них покупали работы художников, которых открыли для себя совсем недавно. То есть коллекционеры действительно готовы покупать новые имена — вопрос в том, как эти имена вообще попадают в их поле зрения. Причем путей стало гораздо больше. 83% коллекционеров покупали через галереи и дилеров. 58% совершали покупки, связанные с художественными ярмарками. А среди покупателей галерей уже 51% хотя бы раз приобретали работу через Instagram, даже не увидев ее вживую. Еще интереснее прямые продажи: 43% опрошенных покупали произведения непосредственно в мастерских художников, 37% заказывали работы у авторов, а 35% приобретали их напрямую через Instagram. На прямые покупки у художников пришлось уже 20% всех расходов опрошенных коллекционеров — более чем вдвое больше, чем в предыдущем исследовании. То есть сегодня художнику недостаточно просто хорошо рисовать, делать скульптуру или видео. Нужно еще каким-то образом оказаться перед глазами нужного человека. И здесь начинается то, что многим художникам очень не нравится. Нужно рассказывать о своих работах. Нужно знакомиться с людьми. Нужно ходить на открытия. Нужно отправлять портфолио. Нужно разговаривать с кураторами. Нужно показывать процесс работы. Иногда нужно вести социальные сети. Причем это совершенно не означает, что художник должен превратиться в блогера. Если представить публичность по шкале от 1 до 10, вам совершенно не обязательно становиться десяткой. Но если вы находитесь на единице — работаете в мастерской и надеетесь, что однажды великий галерист случайно постучится в дверь, — вероятность успеха становится значительно ниже. Достаточно попытаться дойти хотя бы до 4–5. И есть второй путь — найти человека, который будет говорить за вас. Исторически именно эту функцию часто выполняли галеристы и дилеры. Например, Лео Кастелли сыграл огромную роль в карьерах Джаспера Джонса, Роберта Раушенберга, Роя Лихтенштейна и других американских художников. Он не создавал их произведения, но создавал вокруг них связи: знакомил с коллекционерами, музеями и критиками. То же самое происходило с Жан-Мишелем Баския. Его талант был очевиден, но стремительный рост карьеры происходил не в вакууме: вокруг него появились галеристы, коллекционеры, художники и Энди Уорхол. Поэтому талант и коммерческий успех — вообще не одно и то же. Талант отвечает на вопрос: насколько сильные работы вы способны создавать. А рынок отвечает на совершенно другой вопрос: кто об этих работах знает, кто готов за них поручиться и кто готов за них заплатить. Можно быть невероятно талантливым и оставаться практически неизвестным. А можно быть очень заметным художником среднего уровня и построить устойчивую карьеру. Лучший вариант, конечно, когда совпадают обе вещи: сильная художественная практика и способность сделать так, чтобы ее увидели. Поэтому если вы годами работаете в мастерской и ничего не происходит, возможно, вам не нужно становиться «лучше» как художнику. Возможно, вам просто нужно стать немного видимее. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Как Баския прошел путь от SAMO до картины за $110 миллионов Если хотите понять, почему Жан-Мишель Баския стал одним из главных художников XX века, посмотрите фильм «Basquiat» (1996). Его снял художник и режиссер Джулиан Шнабель, лично знавший Баския. Главную роль сыграл Джеффри Райт, а Энди Уорхола — Дэвид Боуи. Причем для Райта это была первая главная роль в полнометражном кино. Но реальная история Баския, пожалуй, еще интереснее фильма. Он родился в 1960 году в Бруклине в семье отца-гаитянина и матери пуэрториканского происхождения. В подростковом возрасте вместе с другом Ал Диасом начал оставлять на улицах Манхэттена загадочные фразы под именем SAMO. Уже в 20 лет Баския вошел в нью-йоркскую художественную среду под собственным именем, а к 21 году успел провести пять значимых персональных выставок и попасть на Documenta 7 в Германии. То есть история «бездомного уличного художника, которого случайно обнаружил Уорхол и сделал знаменитым» сильно упрощена. Да, Баския действительно жил очень нестабильно в ранние годы. Да, Энди Уорхол стал его близким другом и соавтором. Но к моменту их активного сотрудничества Баския уже был известным художником со своей карьерой. Еще одна деталь, которой в фильме уделяется много внимания, — расизм. Баския оказался одним из немногих молодых чернокожих художников, сумевших войти в преимущественно белый мир дорогих нью-йоркских галерей начала 1980-х. И тема чернокожей истории постоянно появляется в его картинах: спортсмены, музыканты и писатели часто изображены с его знаменитой трехконечной короной. А теперь немного цифр. Баския умер в 1988 году в возрасте всего 27 лет. Его полноценная карьера продолжалась фактически меньше десяти лет. А в 2017 году его безымянная картина 1982 года была продана на Sotheby's за $110,5 млн. На тот момент это был аукционный рекорд для американского художника и произведения, созданного после 1980 года. Покупателем стал японский коллекционер Юсаку Маэдзава. В тот же вечер пять работ Баския принесли на Sotheby's суммарно $129,3 млн. И еще один интересный факт: Баския действительно встречался с Мадонной до того, как она стала мировой суперзвездой. А одним из важнейших источников его визуального языка была медицинская книга «Анатомия Грея», которую мать подарила ему в детстве после серьезной автомобильной аварии. Позже он даже назвал свою музыкальную группу Gray. Поэтому, когда кто-то смотрит на Баския и говорит: «Мой ребенок тоже так может», интересно помнить, что за кажущейся простотой стояла довольно сложная система символов, анатомических изображений, слов, исторических отсылок, джаза, бокса и размышлений о расе и власти. Фильм «Basquiat» длится 108 минут. Это не документальная картина и не абсолютно точная биография, а художественный взгляд Джулиана Шнабеля на Нью-Йорк 1980-х и очень короткую карьеру своего знакомого. Но как отправная точка для знакомства с Баския — точно стоит просмотра. Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — на моем бусти есть курс: 13 Секретов для карьеры художника ! — программа, которая направлена на развитие художников, их практики и их карьеры! Подробности 👉 https://boosty.to/iffa.art

Отдых в Монако закончен прилетел обратно в Нью-Йорк, нужно готовить работы упаковывать и заниматься бюрократией, через 2 недели уже буду в самолете в Сеуле, показываю работы на ярмарке KiAF.

Почему картина за $10 000 — это не значит, что художник зарабатывает $10 000 Со стороны кажется: продал одну картину за $10 000 — и можно спокойно жить. Но если художник работает в Нью-Йорке через галерею, математика выглядит совсем иначе. Возьмем картину примерно метр на метр стоимостью $10 000. Первое — галерея. Классическая схема на рынке — примерно 50/50: половина остается галерее за помещение, сотрудников, продвижение, работу с коллекционерами и организацию выставок. Художнику остается около $5 000. Это распространенная модель, хотя конкретные условия договора могут отличаться. Второе — налоги. Здесь важно уточнить: нельзя просто сказать, что с каждой картины в Нью-Йорке автоматически заберут 30–35%. Налог зависит от общего годового дохода, расходов, формы работы и других обстоятельств. У жителя Нью-Йорка потенциально есть федеральный налог, налог штата и городской налог; только ставки городского подоходного налога находятся примерно в диапазоне 3–4%. А если художник работает на себя, он еще должен учитывать налоги, связанные с самостоятельной занятостью. Третье — производство. Холст и подрамник для большой работы могут обойтись в несколько сотен долларов. Добавьте краски, грунт, кисти, защитные материалы, упаковку. Если используются дорогие пигменты или сложная техника, производство одной картины легко становится отдельной серьезной статьей расходов. И мы еще не посчитали фотографирование работы, перевозку, хранение и страховку. В хорошем договоре часть этих расходов берет на себя галерея, но это нужно обсуждать заранее. И самое болезненное для Нью-Йорка — пространство. Большую живопись сложно постоянно делать дома. Нужна мастерская. Даже если предположить очень скромные $1 000 в месяц за рабочее пространство или его часть, это уже $12 000 в год. И на фоне стоимости самого Нью-Йорка эта цифра уже не кажется удивительной: медианная аренда жилья на Манхэттене в 2026 году превышает $5 000 в месяц. Получается интересная математика. Допустим, за год художник продал одну картину за $10 000 через галерею: $10 000 — цена для покупателя. $5 000 — примерно остается художнику после комиссии галереи. $12 000 — условная годовая аренда мастерской. То есть еще до материалов и налогов одной такой продажи недостаточно даже для покрытия мастерской. Даже 5 картин по $10 000 — это оборот $50 000, но при разделении с галереей художнику остается около $25 000 до расходов и налогов. А теперь из этого нужно оплатить производство пяти работ, мастерскую, профессиональные расходы — и еще как-то жить в Нью-Йорке. Поэтому цена картины и доход художника — совершенно разные вещи. Когда вы видите работу за $10 000, $20 000 или даже $30 000, это вовсе не означает, что перед вами богатый художник. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Если за 5 лет ничего не изменилось — возможно, пора менять стратегию «Просто делай то, что нравится, и однажды всё получится» — один из самых приятных советов для художника. И иногда он действительно работает. Если за последние несколько лет ваши работы стали сильнее, появились выставки, новые знакомства, продажи, резиденции, галереи начали отвечать на письма — прекрасно. Продолжайте. Но что делать, если прошло 5–6 лет, а вы находитесь примерно в той же точке? Работы почти не изменились. Выставок больше не стало. Галереи не отвечают. В резиденции и университеты не принимают. Продаж нет или они остаются на одном уровне. В такой ситуации я бы не ждал еще пять лет. Я бы менял стратегию. Причем это совершенно нормальная история даже для художников, которые впоследствии стали очень известными. Марк Ротко далеко не сразу пришел к тем огромным цветовым полотнам, за которые мы его знаем. В 1930–1940-х он писал городские сцены, фигуративные и сюрреалистические работы. Его знаменитый художественный язык сформировался гораздо позже. Герхард Рихтер после обучения в Восточной Германии в 29 лет переехал в Западную Германию и фактически начал художественное образование заново — поступил в Академию искусств Дюссельдорфа. Сегодня его произведения продаются за десятки миллионов долларов. Луиза Буржуа — еще более показательный пример. Она работала десятилетиями, но мировое признание пришло далеко не в молодости. В 1982 году, когда ей было 70 лет, MoMA организовал ее большую ретроспективу. Это была первая ретроспектива женщины-художницы такого масштаба в музее. Поэтому отсутствие большого результата в 25, 30 или даже 40 лет вообще не означает, что нужно заканчивать. Но оно может означать, что нужно изменить условия, в которых вы работаете. Что конкретно можно сделать? 1. Снова пойти учиться. Не обязательно получать еще один диплом. Иногда достаточно мастерской, нескольких месяцев занятий или программы, где вашу работу будут регулярно разбирать другие художники. 2. Стать ассистентом художника. Это возможность увидеть изнутри то, чего не показывают в социальных сетях: как создается большая выставка, как художник разговаривает с галереей, сколько людей участвуют в производстве работы, как устроены перевозка, документы и продажи. 3. Сменить художественную среду. Иногда проблема вообще не в работе. Вы просто пять лет показываете ее одним и тем же людям. Резиденция, другая страна или даже новая группа художников вокруг вас может полностью изменить направление практики. 4. Посмотреть на собственные цифры. Очень простой эксперимент: сравните 2021 и 2026 год. Сколько было выставок? Сколько заявок вы отправили? Сколько получили положительных ответов? Сколько новых профессиональных знакомств появилось? Сколько работ продали? Как изменилась их цена? Если прошло пять лет, а ответы практически одинаковые, это уже информация. Главная ошибка — воспринимать смену стратегии как признание поражения. Наоборот. Можно сохранить собственные идеи и при этом полностью поменять способ, которым вы строите карьеру. Иногда художнику действительно нужно продолжать делать свое дело еще десять лет. А иногда нужно признать: этот маршрут не работает — попробую другой. Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — на моем бусти есть курс: 13 Секретов для карьеры художника ! — программа, которая направлена на развитие художников, их практики и их карьеры! Подробности 👉 https://boosty.to/iffa.art

Сеул становится одним из главных центров современного искусства в Азии. И в сентябре там будет особенно интересно. Еще несколько лет назад, когда говорили об азиатском рынке искусства, в первую очередь вспоминали Гонконг. Сейчас все больше внимания получает Южная Корея — и особенно Сеул. Хороший показатель — то, что происходит вокруг Kiaf SEOUL и Frieze Seoul. Kiaf проводится с 2002 года, то есть в этом году ярмарке исполняется 25 лет. А Frieze Seoul гораздо моложе: в сентябре пройдет только пятый выпуск ярмарки. При этом масштаб уже огромный. В прошлом году Frieze Seoul посетили около 70 000 человек из 48 стран. Среди гостей были представители более 160 музеев и других крупных художественных институций. В 2026 году Frieze соберет в Сеуле более 125 галерей из 30 стран, причем свыше 70% участников представляют Азиатско-Тихоокеанский регион. И это не только местные галереи. В Сеул едут Hauser & Wirth, Pace Gallery, White Cube, David Zwirner, Gladstone, Lisson Gallery, Thaddaeus Ropac и другие крупнейшие игроки рынка. То есть четыре дня в Сеуле — это возможность в одном месте увидеть очень хороший срез того, что сегодня происходит на международном рынке современного искусства. Но интереснее другое: ярмаркой все не заканчивается. На эту неделю весь город фактически превращается в большую художественную площадку. Музеи и галереи готовят отдельные выставки, проходят вечерние открытия и специальные программы в разных районах Сеула. Например, в этом году можно будет увидеть Do Ho Suh в MMCA Seoul, Koo Jeong A в Leeum Museum of Art, Sol LeWitt в Amorepacific Museum of Art и другие крупные проекты. Даже билеты хорошо показывают масштаб события: обычный вход на Frieze Seoul сейчас стоит до 90 000 вон, а многодневный билет с расширенным доступом — до 750 000 вон. При этом билет дает доступ и к Kiaf. Со 2 по 5 сентября я тоже буду в Сеуле. Я участвую в ярмарке вместе с галереей Anna Nova и буду показывать там преимущественно скульптуры и несколько живописных работ. И мы решили сделать из этой поездки не просто посещение ярмарки, а полноценное погружение в художественный Сеул. Будем вместе ходить по ярмаркам, музеям и галереям, смотреть параллельную программу и посетим несколько частных художественных пространств и фондов. Поэтому если вы давно хотели съездить в Корею и одновременно посмотреть, как устроен один из самых быстро развивающихся художественных центров Азии, — это хороший момент. Пишите мне или в галерею Nova, если хотите присоединиться. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Экологичные материалы: почему один из главных трендов современного искусства почти исчез? Еще 10–15 лет назад экологичность была одной из самых обсуждаемых тем в мире искусства. Художники отказывались от пластика, натуральной кожи, меха и синтетических материалов, стараясь создавать произведения из того, что меньше вредит окружающей среде. Появились самые необычные эксперименты: работы из грибного мицелия, водорослей, кукурузного и картофельного крахмала, панцирей креветок, переработанных растений и других биоразлагаемых материалов. Казалось, именно за ними будущее. Но довольно быстро выяснилось, что у такого подхода есть серьезная проблема — сохранность произведений. Многие материалы, которые прекрасно выглядели на открытии выставки, через несколько лет начинали менять цвет, трескаться, покрываться плесенью или просто разрушаться. Для художника это могло быть частью идеи, но для музея или коллекционера — настоящая катастрофа. Когда музей приобретает произведение искусства, он рассчитывает хранить его десятилетиями. Во многих институциях создаются специальные отделы реставрации, а условия хранения поддерживаются с точностью до температуры и влажности. Однако если сам материал изначально недолговечен, никакие условия не смогут полностью остановить его разрушение. Еще одна проблема возникла после продажи таких работ. Коллекционеры, заплатившие за произведения тысячи или десятки тысяч долларов, столкнулись с тем, что через несколько лет объекты начали буквально распадаться. Возник вопрос: кто должен их восстанавливать? Художник? Галерея? Реставратор? Во многих случаях ответа просто не оказалось. Это вовсе не означает, что экологичные материалы исчезли. Они по-прежнему используются, но гораздо осторожнее. Сегодня художники чаще комбинируют их с более долговечными материалами или заранее предупреждают, что работа рассчитана на ограниченный срок существования. При этом изменились и сами художественные тенденции. Если несколько лет назад отказ от пластика считался почти обязательным, то сегодня многие авторы снова используют пластик, металл, кожу и даже мех, если этого требует художественная идея. Получается интересный парадокс: забота об экологии остается важной темой, но музеи, галереи и коллекционеры все чаще задают другой вопрос: сможет ли произведение сохраниться хотя бы ближайшие 30–50 лет? Именно поэтому сегодня художнику важно думать не только о концепции работы, но и о том, какой материал сможет пережить время. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

В сентябре Сеул станет одним из главных центров международной арт-сцены 💥 Галерея Anna Nova составила маршрут для тех, кто хочет не просто увидеть искусство, а понять контекст, в котором оно создаётся сегодня. Мы приглашаем вас стать участниками Art Weekend в Сеуле! В качестве VIP-гостей в числе первых увидеть крупнейшие международные ярмарки Kiaf SEOUL и Frieze Seoul. Наша программа, рассчитанная на 4 дня, включает знакомство с ведущими арт-институциями города: посещение галерей, музеев и культурных центров. Ключевым событием программы станет презентация сольного стенда Ильи Федотова‑Фёдорова на ярмарке Kiaf SEOUL 2026. Гости Art Weekend смогут лично пообщаться с художником, пройти с ним по ярмаркам в формате экскурсии, узнать о его практике и особенностях работы в арт‑среде в США. Куратор арт‑уикенда — Мария Колотовкина, независимый куратор и арт‑адвайзер. Специализируется на международных художественных проектах и развитии арт‑сцены Азии. Special-участником программы станет Ксения Чилингарова, главный редактор журнала Badlon, куратор выставки «Вторая кожа» в галерее Anna Nova. Вместе с Ксенией мы посетим модный квартал Cheongdam и поговорим о моде как части современного художественного процесса. Всё увиденное будем обсуждать за ужинами в лучших ресторанах Сеула, знакомясь с современной гастрономией Кореи. Даты: 2–5 сентября 2026 ❗️Количество мест в группе строго ограничено. Если Вы заинтересованы участием в Art Weekend, пожалуйста, заполните форму, чтобы мы смогли прислать предложение!

Эпоксидная смола: красиво сегодня, но что будет через 20 лет? Эпоксидная смола уже несколько лет остается одним из самых популярных материалов в современном искусстве. Из нее делают картины, мебель, ювелирные изделия и сложные скульптуры. Но есть одна проблема, о которой начинающие художники часто не задумываются. Главный вопрос — долговечность произведения. Качественная художественная смола существует, но она значительно дороже строительной или бытовой. Именно поэтому многие экономят и используют материалы, которые не рассчитаны на десятилетия хранения. Какие проблемы возникают чаще всего? — смола постепенно желтеет под воздействием света; — прозрачные участки становятся мутными; — поверхность легко покрывается мелкими царапинами; — появляется эффект «затертости», который практически невозможно убрать на сложных объектах. Если речь идет о ровной поверхности, например столешнице, ее еще можно отполировать. Но если это скульптура с множеством мелких деталей, качественная реставрация может оказаться невозможной. Именно поэтому крупные музеи и серьезные коллекционеры всегда обращают внимание на материалы, из которых выполнена работа. Во многих галереях при продаже произведения обсуждается его предполагаемый срок сохранности. Для традиционных материалов — бронзы, камня, качественной масляной живописи — речь может идти о сотнях лет при правильном хранении. Для современных синтетических материалов специалисты часто говорят о гораздо более скромных сроках — 25–50 лет, если использованы архивные составы и соблюдены условия хранения. Еще одна проблема — доверие коллекционеров. Когда человек покупает произведение за 5, 10 или 50 тысяч долларов, он рассчитывает, что через 15 лет оно будет выглядеть почти так же, как в день покупки. Если материал быстро теряет свои свойства, это неизбежно влияет и на репутацию художника. Это не значит, что эпоксидную смолу вообще нельзя использовать. Многие известные современные авторы продолжают с ней работать. Но важно выбирать профессиональные архивные материалы, понимать их ограничения и заранее думать о том, как произведение будет выглядеть через десятилетия. Хорошее произведение искусства должно впечатлять не только сегодня, но и спустя годы. Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — на моем бусти есть курс: 13 Секретов для карьеры художника ! — программа, которая направлена на развитие художников, их практики и их карьеры! Подробности 👉 https://boosty.to/iffa.art

Почему художникам стоит осторожно работать с силиконом? В современном искусстве художники постоянно ищут новые материалы. Силикон долгое время казался идеальным решением: он гибкий, позволяет создавать сложные формы, выглядит необычно и дает возможность делать прозрачные или мягкие скульптуры. Но спустя годы появились проблемы, которые стали очевидны для художников, галерей и коллекционеров. Главный вопрос — сохранность работы во времени. Силикон относится к материалам, которые могут значительно меняться под воздействием окружающей среды: — он собирает пыль и загрязнения; — некоторые виды силикона желтеют или теряют прозрачность; — со временем могут появляться трещины; — реставрация таких объектов часто оказывается очень сложной или невозможной. Для коллекционеров это серьезная проблема. Когда произведение искусства покупается за тысячи или десятки тысяч долларов, человек ожидает, что оно сохранится на десятилетия. Именно поэтому в крупных музеях существует специальная практика оценки материалов перед приобретением работ. Например, музейные специалисты учитывают не только визуальный эффект произведения, но и то, насколько материал способен пережить хранение, транспортировку и изменение условий. При этом важно понимать: сам силикон не является «запрещенным» материалом. Многие известные художники успешно использовали его в своих работах. Проблема чаще всего возникает, когда выбирается дешевый промышленный силикон без учета будущей сохранности. Если вы работаете с этим материалом, стоит выбирать специальные составы, предназначенные для долговременного хранения, и заранее думать о том, как работа будет выглядеть через 20–30 лет. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Акрил: настоящая краска или просто промышленный материал? Сегодня акрил считается одним из самых популярных материалов в живописи, но его история началась совсем не в мастерской художника. Акриловые полимеры появились в начале XX века благодаря химической промышленности. Изначально этот материал использовали не для искусства, а для производства: в строительстве, машиностроении, создании покрытий и защиты различных поверхностей. Только позже художники заметили его преимущества: — акрил разбавляется водой; — быстро высыхает; — позволяет наносить множество слоев за короткое время; — хорошо соединяется с разными пигментами; — подходит для экспериментов с фактурой. В середине XX века художники начали активно использовать акрил. Одним из первых известных авторов, работавших с этим материалом, был Дэвид Хокни. Также акрил использовали Энди Уорхол, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и многие другие художники, которые искали новые способы работы с цветом и поверхностью. Интересный факт: когда акрил только появился на рынке для художников, он часто стоил дороже масляных красок. Многие выбирали его не из-за цены, а именно из-за скорости работы и новых возможностей. Со временем производство стало дешевле, и акрил стал доступнее. Сегодня стоимость хороших акриловых красок и масляных красок может отличаться не так сильно, как раньше. Еще 20–30 лет назад многие коллекционеры считали масло более «серьезным» материалом. В некоторых галереях даже существовало мнение, что покупатели в первую очередь хотят именно масляную живопись. Но сегодня ситуация изменилась. Для большинства зрителей и многих коллекционеров гораздо важнее сама работа: идея, качество исполнения, история художника и место автора в профессиональном мире. Материал сам по себе не делает произведение великим. Масло не гарантирует ценность, а акрил не делает работу менее значимой. Например, работы Дэвида Хокни, выполненные акрилом, сегодня продаются за десятки миллионов долларов. Его картина «Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)» была продана на аукционе Christie's в 2018 году за 90,3 млн долларов — один из самых высоких результатов для живого художника. Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — на моем бусти есть курс: 13 Секретов для карьеры художника ! — программа, которая направлена на развитие художников, их практики и их карьеры! Подробности 👉 https://boosty.to/iffa.art

Может ли искусственный интеллект определить великих художников? Сегодня многие люди начинают искать информацию об искусстве через искусственный интеллект. Достаточно написать вопрос вроде: «Назови самых великих современных художников», и алгоритм за несколько секунд выдаст список имен. Но возникает важный вопрос: по каким критериям искусственный интеллект определяет, кто является великим художником? Алгоритмы анализируют огромные массивы данных: — количество упоминаний в интернете; — количество публикаций; — наличие информации о выставках; — частоту появления имени в различных источниках. Однако искусство невозможно полностью измерить цифрами. В истории искусства важны не только количество статей или поисковых запросов, но и влияние художника, мнение кураторов, репутация среди специалистов, контекст эпохи и способность менять представление людей о том, что такое искусство. Например, художники вроде Дэвида Хокни, Герхарда Рихтера, Марины Абрамович или Аи Вэйвэя появляются практически во всех подобных списках, потому что они имеют огромное количество музейных выставок, публикаций и упоминаний. Но проблема в том, что алгоритмы могут ошибаться. Иногда искусственный интеллект включает в списки малоизвестных авторов только потому, что о них много информации в интернете. Например, художник может активно обсуждаться в одной стране или иметь большое количество публикаций в определенном регионе, но это не всегда означает международное признание. Также AI может использовать устаревшие данные. Например, если информация о художнике давно не обновлялась, алгоритм может повторять старые сведения и не учитывать важные изменения. Это особенно интересно в мире искусства, где репутация часто формируется десятилетиями. Многие великие художники при жизни долго оставались неизвестными, а некоторые получили признание только спустя годы. Для сравнения: работы таких художников, как Жан-Мишель Баския, Энди Уорхол или Герхард Рихтер, сегодня продаются за десятки миллионов долларов, но их значение определяется не только ценой. Важнее то, как они изменили язык искусства и повлияли на последующие поколения. В будущем искусственный интеллект, скорее всего, станет одним из главных инструментов поиска информации об искусстве. Но пока он может показать только статистику и связи между данными. Понять настоящее значение художника — это задача, которая требует знаний истории искусства, опыта, критического мышления и человеческого взгляда. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Какие художники действительно меняют мир? Когда мы говорим о великих художниках, кажется, что каждый из них оказал огромное влияние на историю. Но на самом деле влияние в искусстве бывает очень разным. Условно всех художников можно разделить на три категории. 1. Художники, которые меняют жизнь нескольких людей Это самая многочисленная группа. Их работы могут не попасть в крупнейшие музеи мира, но они способны вдохновить друзей, семью, учеников или небольшое сообщество вокруг себя. Такое влияние не стоит недооценивать. Многие будущие художники впервые приходят в искусство именно благодаря встрече с одним человеком или одной выставкой. 2. Художники, которые меняют само искусство Эти авторы становятся ориентиром для других художников. Их идеи начинают копировать, обсуждать, развивать или критиковать. Например, Джексон Поллок изменил представление о живописи своими абстрактными композициями. Марсель Дюшан показал, что произведением искусства может стать обычный предмет. Герхард Рихтер доказал, что художник может одинаково успешно работать и с реализмом, и с абстракцией. Именно таких авторов чаще всего изучают в художественных школах и университетах. 3. Художники, которые меняют культуру Таких людей совсем немного. Их влияние выходит далеко за пределы искусства. Энди Уорхол изменил отношение к массовой культуре, рекламе и знаменитостям. Его работы сегодня оцениваются в десятки и даже сотни миллионов долларов, а образ банки супа Campbell's знают даже люди, далекие от искусства. Дэвид Хокни стал одним из первых всемирно известных художников, кто начал активно использовать планшет и цифровую графику, доказав, что новые технологии могут стать полноценным художественным инструментом. Маурицио Каттелан регулярно заставляет общество спорить о том, что вообще можно считать искусством. Его произведения становятся мировыми новостями, а работы вроде золотого унитаза «Америка» или банана «Комедиант» обсуждают далеко за пределами музейной среды. Почему таких художников так мало? По оценкам международных аналитиков, ежегодно в мире работают миллионы художников, однако лишь небольшая часть получает международное признание. Еще меньше авторов оказывают влияние не только на художественную среду, но и на массовую культуру, образование, технологии или общественные дискуссии. Именно поэтому настоящие изменения редко происходят мгновенно. Большинство художников, которых сегодня называют великими, шли к признанию десятилетиями. Важно помнить, что не каждый автор обязан менять весь мир. Для кого-то главная цель — создать сильную работу, для кого-то — повлиять на следующее поколение художников, а для кого-то — оставить заметный след в истории культуры. Каждый из этих путей имеет свою ценность. Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — на моем бусти есть курс: 13 Секретов для карьеры художника ! — программа, которая направлена на развитие художников, их практики и их карьеры! Подробности 👉 https://boosty.to/iffa.art

Фильм, который должен посмотреть каждый художник: «Марина Абрамович: В присутствии художника» Если вы хотите понять, что такое современное искусство и почему некоторые произведения становятся мировыми событиями, обязательно посмотрите документальный фильм «Марина Абрамович: В присутствии художника» (2012). Фильм рассказывает о подготовке и проведении одного из самых известных перформансов в истории современного искусства — «The Artist Is Present» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В течение 736 часов работы выставки Марина Абрамович каждый день сидела за столом напротив посетителей музея. Любой желающий мог занять место напротив художницы и провести с ней несколько минут в полной тишине. За время перформанса она встретилась более чем с 1 500 людьми, а очередь к ней иногда растягивалась на несколько часов. Самое сложное в этой работе было не просто сидеть неподвижно, а сохранять полную концентрацию на протяжении всего времени. Перформанс продолжался около 3 месяцев, без привычного общения, жестов или каких-либо действий. Одним из самых эмоциональных моментов фильма стала встреча Марины с ее бывшим партнером по творчеству Улаем (Франком Уве Лайзипеном). Они много лет работали вместе и создали множество известных перформансов, включая знаменитую работу «The Lovers: The Great Wall Walk» 1988 года, когда они прошли навстречу друг другу по Великой Китайской стене, чтобы завершить свои отношения. После расставания их карьеры пошли разными путями. Марина Абрамович стала одной из самых известных художниц мира, а Улай получил меньше международного внимания, хотя его вклад в историю перформанса остается значительным. Сегодня работы Марины Абрамович продаются за сотни тысяч долларов, а некоторые ее проекты стали частью коллекций крупнейших музеев мира. Ее архив и произведения представлены в таких институциях, как MoMA, Guggenheim Museum, Tate Modern и других. Интересно, что сама идея перформанса долгое время казалась многим людям слишком радикальной. В отличие от живописи или скульптуры, здесь невозможно купить физический объект — главным произведением становится сам опыт и момент взаимодействия между художником и зрителем. Этот фильм показывает не только творчество Марины Абрамович, но и обратную сторону художественной карьеры: огромную дисциплину, сложные отношения, борьбу за признание и цену мировой известности. Даже если вам не близок перформанс как направление искусства, этот фильм стоит посмотреть хотя бы для того, чтобы понять, почему современное искусство может вызывать такие сильные эмоции и споры. @Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA