О музыке просто (канал о музыке и музыкантах)

Текст письма А. Скрябина к А. Лядову от 14/26 мая 1897 года из Москвы отражает глубокую обиду молодого композитора на резкую критику со стороны Н. Римского-Корсакова: «Вчера я получил письмо от Николая Андреевича, которое меня немного опечалило. [...] неужели он потратил столько времени на просмотр Концерта только для того, чтобы после сказать, что оркестровка его слабая? Неужели, будучи так любезен, он не хотел мне принести и маленькой пользы, отметив хотя бы те места, которые ему кажутся наиболее слабыми — и почему? [...] Ведь легко сказать — учитесь инструментовке, а способ только один — это слышать свои сочинения в исполниении, потому что одни рассуждения это десятая доля того,, что требуется. Теперь, если я не слышу, да мне никто ничего не скажет, так каким же образом я научусь? [...] Фантазировать и комбинировать я могу сколько угодно; такой узор выведу, что и самому Николаю Андреевичу не снилось, но без опыта — это все ничто. Прости, что я столько наболтал. Но мне немножко неприятно: я считал Николая Андреевича добрым-добрым, а теперь вижу, что он только любезен. Мне во всяком случае стыдно, что я осмелился затруднить его, и вперед я, конечно, делать этого не буду. Буду, как и до сих пор, сам до всего доходить [...] #римскийкорсаков #скрябин #лядов

Римский-Корсаков был разочарован крайней небрежностью Н. Скрябина при оркестровке фортепианного Концерта ор. 20. Свое истинное раздражение Николай Андреевич выразил в записке к А. К. Лядову, оставленной прямо на обложке автографа партитуры: «Милый Анатолий. Просмотрите эту пакость; я просмотрел. Многого не понимаю, и вообще это свыше моих сил. Я не в состоянии возиться с этим слабоумным гением. Пусть лучше автор издаст этот Концерт в 2 фортепиано, а потом кто-нибудь ему наоркеструет. [...] у меня есть дело почище. Некогда скрести Скрябина. Ваш Н. Р.-К. Этот лист оторвите. Скрябину я написал» #римскийкорсаков #скрябин #лядов

О музыке просто (канал о музыке и музыкантах) pinned a photo

Обычно Морис Равель (1875-1937) писал достаточно споро, но его знаменитый "Вальс" - это самый настоящий долгострой: задуман и начат в 1906, а публике явлен лишь в 1920. Причина этому - сменившаяся концепция. Изначально "Вальс" был задуман как дань Иоганну Штраусу-сыну, которого Равель очень почитал. Этот оммаж в структуре венского штраусовского вальса даже должен был называться "Вена", но все поменяла Великая война: Австро-Венгии не стало, а название "Вена" стало бы достаточно спорным. "Вальс" был первым крупным произведением Равеля, написанным после войны - заказ Сергея Дягилева для "русских сезонов" в Париже подстегнул вернувшегося с фронта композитора поскорее вернуться к работе. Равель обратился к старым наброскам, и переработал концепцию, превратив ее во что-то фантасмагорическое, на грани с истерическим. В этой музыке отчетливо ощущается разрыв между пышностью венской придворной традиции середины XIX века и жестоким вихрем современности. Это звучит так, будто над роскошным венским вальсом пронеслась война. Еще при жизни Равеля слушатели пытались разгадать замысел автора, но он лишь написал короткое пояснение к сценографии: В просветах среди мчащихся вихрем туч мелькают вальсирующие пары. Облака постепенно рассеиваются: виден огромный зал, заполненный танцующими. Сцена освещается все сильнее. Блеск люстр заливает зал. Перед нами императорский двор в 1855 году и позже добавил лаконичное: Я задумал этот Вальс как апофеоз венского вальса, который смешивается в моем представлении с ощущением фантастического и фатального вихря И вот эту версию "Вальса" Равель уже сделал в привычном для себя темпе: партитура была готова буквально за считанные месяцы и сейчас остается одним из наиболее часто исполняемых произведением композитора, а виртуозная версия для фортепиано, которую играет практически любой концертирующий пианист, только усилила эту популярность. Ну, и, как всегда, можно только восхищаться мастерством оркестрового письма Равеля - в этом ему практически нет равных. Послушайте сами. У меня всегда мурашки в начале от того, как из гула рождается изящный вальсовый ритм. #равель #дягилев

В письме к Жану Марно от 7 февраля 1906 года М. Равель сообщает о зарождении замысла хореографической поэмы «Вальс» (первоначально называвшейся «Вена»): «Работа, к которой я сейчас приступаю, это не миниатюра, а большой вальс, как бы дань памяти великого Штрауса... я считаю, что радость жизни, выраженная в танце, куда глубже, чем пуританизм франкистов» #равель

Мне понадобилось сгенерировать изображение для инстаграмного ролика. Я попросил ИИ создать картинку, где будут изображены руки музыкантов, играющих произведение в 4 руки, где внутренние руки будут тесно соприкасаться друг с другом. Я долго разглядывал одну отсутствующую черную клавишу, что даже не сразу обратил внимание на куда более очевидную ошибку. Вы тоже ее видите? 😁

На втором фото Стравинский и Прокофьев в компании дирижера Сергея Кусевицкого, на третьем — в обществе Сергея Дягилева и дирижера Эрнеста Ансерме.

Отношения Стравинского и Прокофьева — это смесь интереса, ревности, уважения, и взаимного раздражения. Стравинский старше Прокофьева на 9 лет. Звезда Игоря Федоровича взошла ярко и быстро и, несомненно, оказала влияние на раннего Прокофьева. Его знаменитая "Скифская сюита" — это переделка балета, написанного для Дягилева, который тот не принял из-за уж совсем очевидного косплея на "Весну Священную" Стравинского. Несмотря на то, что оба принадлежат к модернисткому течению, они были очень разными, и на этой почве между ними часто возникали споры. Стравинский упрекал Прокофьева в консерватизме за опору на чисто романтические тезисы: мелодию, психологический театр, последовательно раскрывающееся действие. Самое бурное и драматичное столкновение произошло в Париже в начале 1920-х годов. Прокофьев играл Сергею Дягилеву клавиры своих опер "Игрок" и "Любовь к трем апельсинам". Дягилев в очередной раз обрушился на Прокофьева с критикой, утверждая, что тот зря тратит время на оперы, а Стравинский активно поддержал Дягилева, заявив, что Прокофьев находится на "ложном пути". Между композиторами вспыхнула, как пишет Прокофьев, "громоносная схватка с ужасными криками". После короткого спора, чтобы окончательно раздразнить Стравинского, Прокофьев крикнул ему в лицо историческую фразу: «Да как же вы можете мне указывать путь во времени, когда я на девять лет моложе вас и, следовательно, на девять лет впереди вас! Мой путь настоящий, а ваш — путь прошлого поколения!». Этот спор дошел до такой степени, что их "едва развели". Однако, это не помешало им уже через пять минут выйти с репетиции под руку, а через два дня, как ни в чем не бывало, встретиться в Берлине. Несмотря на постоянную критику и разногласия, оба отдавали должное гению друг друга: Стравинский восхищался Вторым концертом и другими сочинениями Прокофьева, называя его настоящим русским композитором, а Прокофьев признавался, что был глубоко потрясен "Весной священной" и обнимал Стравинского от всей души после ее парижского исполнения. Однако, не покидает ощущение, что Прокофьев всю жизнь ревновал Стравинского к успеху на западе: несмотря на все усилия и 13 прожитых в Париже лет, Европа толком так и не приняла Прокофьева, где Стравинский оставался суперзвездой. Это и послужило причиной возвращения Прокофьева в СССР: на родине его любили и почитали, а для по-детски тщеславного Сергей Сергеича это было ох как важно.

В июне 1913 года, прослушав в Париже балет «Петрушка» Стравинского, Сергей Прокофьев записал: «Сценическая его часть меня привела в восторг, инструментовка тоже, остроумие тоже — моё внимание ни на минуту не ослабевало, так всё это было занятно; но музыка... Я о ней много думал и решил, что она всё-таки ненастоящая, хотя и есть явно талантливые места» #прокофьев #стравинский

Друзья, привет! Уже несколько лет у меня есть телеграм-канал "Музыка и письма". Это очень интересный, удобный, короткий формат, где о музыке и ее авторах можно говорить без аналитики и кропотливых исследований, а лишь словами самих авторов. Тут и переживания, и детали работы над произведениями, и отношения с коллегами — в общем, все то, что скрыто от глаз слушателей. Мне будет приятна ваша подписка! Долгое время канал был заброшен, но с этого дня посты там будут выходить каждый день. Фотография моя для привлечения внимания — оно мне сейчас необходимо. Спасибо! 🫶 https://t.me/lettetsmusic

Рахманинов, каватина Алеко из оперы "Алеко". Дмитрий Гриних (баритон) Мария Лазука (скрипка) Ваш покорный слуга (фортепиано) Запись 29.05.2026 с концерта в Которе, Черногория. Первая опера Рахманинова «Алеко» была написана в 1892 году, когда композитору было всего 19 лет. Она стала его дипломной работой по окончании Московской консерватории. По условиям экзамена на сочинение оперы отводился ровно месяц, однако Рахманинов уложился всего в 14 дней. К слову, ни один из его однокашников так и не смог завершить свою работу в срок. Он работал, не поднимая головы, непрерывно передавая черновики своему другу Михаилу Слонову, который переписывал их набело. Рахманинов поразил не только своего педагога по композиции Антона Аренского, но и всю экзаменационную комиссию. За работу он получил оценку 5+, однако Чайковский, занимавший в комиссии почётное место, добавил к ней ещё три плюса — сверху, снизу и слева. Пятёрка с четырьмя плюсами стала уникальным случаем в истории Московской консерватории, и слава о молодом композиторе уже тогда начала бежать впереди него. Опера была поставлена в Большом театре в Москве, а затем и в Киеве, где также имела большой успех. Такая интенсивность работы очень характерна для раннего периода творчества Рахманинова. Этот этап завершится провалом Первой симфонии, трёхлетней паузой в композиторской деятельности и тяжёлой депрессией. С тех пор Рахманинов будет постоянно сомневаться в своих творческих силах, приобретёт болезненную мнительность и неуверенность в себе, а процесс сочинения музыки, за редким исключением, превратится для него в тяжёлый труд. От юношеского творческого огня почти не останется следа.

Сегодня в Баре мы играем концерт, посвященный приближающемуся дню рождения "нашего всего" Александра Сергеевича Пушкина. Расскажем о том, как творчество поэта заняло огромное место в русской музыке и сыграем произведения Глинки, Даргомыжского, Алябьева, Верстовского, Римского-Корсакова, Чайковского, Рахманинова и других. 🗣 Дмитрий Гриних (баритон) 🎻 Мария Лазука (скрипка) 🎹 Алексей Янкойть (фортепиано) ⏰ 5 июня, 19:00 📍 Adriatic Open School, Bijela Dvorana. г. Бар, ул. Маршала Тита, 10, 4 этаж 💶 Вход - пожертвование 🎥 На видео: П. И. Чайковский, ария Онегина из оперы "Евгений Онегин".

Сирень — очень важный образ творчества Рахманинова. Все началось с романса на стихи Е. Бекетовой op.21 №5: Поутру, на заре, По росистой траве Я пойду свежим утром дышать; И в душистую тень, Где теснится сирень, Я пойду своё счастье искать. Рахманинов написал романс в апреле 1902 года — сразу после выхода из тяжёлой депрессии, вызванной душевным потрясением после провала 1-й симфонии. Весна, новая жизнь, надежда: успех от премьеры 2-го концерта, новые творческие планы, женитьба на Наталье Сатиной. Сирень у Рахманинова — не просто цветы, это символ мимолётного счастья. Сирень отцветает очень быстро, и это делает ее идеальным образом для Серебряного века и символизма: красота как ощущение чего-то несбыточного, хрупкого, зыбкого. Уже в эмиграции поклонники, зная любовь композитора к этим цветам, после концертов часто дарили ему букеты сирени. Известно также об анонимной поклоннице, которая на протяжении долгого времени передавала в гримерку букет сирени безо всякой записки. На своей усадьбе в Швейцарии Рахманинов сажал сирени, которые напоминали ему о родной Ивановке (этот романс, как и большинство произведений доэмигрантского периода, написан именно в Ивановке). До сих пор каждую весну на его могиле лежат букеты сирени, которая превратилась из образа неуловимого счастья в один из главных символов памяти о композиторе.

На лекции, посвященной Могучей Кучке, на зрителей в зале особое впечатление произвела информация о том, какие мнения о других композиторах ходили в кружке. (В первую очередь исходили они, полагаю, от Балакирева). Публикую эту выдержку здесь, но всегда нужно иметь ввиду, что это собрано из более поздних воспоминаний композиторов, а время творит с нашей памятью странные вещи. Также надо помнить, что эти мнения исходили от композиторов-любителей, дилетантов, коими в ту пору и были Балакирев, Кюи, Мусоргский, Римский-Корсаков, и Бородин. Зарубежные композиторы: Гайдн и Моцарт: Считались в кружке «устаревшими и наивными». Моцарта также называли «сухим» и «детским». И. С. Бах: Его считали «окаменелым, даже просто музыкально-математической, бесчувственной и мертвенной натурой, сочинявшей как какая-то машина». При этом темы баховских фуг кружком «несомненно уважались». Ф. Мендельсон: Был крайне мало уважаем, а М. П. Мусоргский пренебрежительно называл его «Менделем». Его мелодии кружковцы считали «кислыми и мещанскими». Ф. Шопен: М. А. Балакирев приравнивал его к «нервной светской даме», а его мелодии называли «сладкими и дамскими». Большинство сочинений Шопена считали «какими-то красивыми кружевами и только», хотя начало его похоронного марша (b-moll) приводило товарищей в восхищение, а некоторые мазурки им нравились. Л. ван Бетховен: Вкусы кружка тяготели лишь к его последним квартетам, тогда как первые восемь симфоний Бетховена «пользовались сравнительно незначительным расположением кружка». Почти все основные мысли его симфоний считались слабыми. Ф. Лист: Был в то время сравнительно мало известен кружку и признавался «изломанным и извращенным в музыкальном отношении, а подчас и карикатурным». Р. Вагнер: В те годы о нем говорили мало, но в полемических беседах и статьях его называли «бездарным». Г. Гендель: О нем упоминали мало, но, впрочем, считали «сильной натурой». Г. Берлиоз: С его музыкой композиторы только начинали знакомиться, но он уже «весьма уважался». Р. Шуман: Кружок сильно тяготел к его музыке. Русские композиторы: М. И. Глинка: Был непререкаемым кумиром, вкусы кружка безусловно тяготели к нему. В виде редчайшего исключения из правила о «слабости» мелодического творчества признавалась мелодия первой песни Баяна из «Руслана и Людмилы». А. С. Даргомыжский: Его уважали за речитативную часть «Русалки» и некоторые романсы (например, «Паладин» и «Восточная ария»), но три его оркестровые фантазии считали «за курьез и только». В общем же ему «отказывали в значительном таланте и относились к нему с оттенком насмешки» (на тот момент он еще не написал новаторского «Каменного гостя»). А. Г. Рубинштейн: Пользовался репутацией исключительно как пианист, а как композитор считался «бездарным и безвкусным». А. Ф. Львов (автор гимна «Боже, Царя храни!»): Считался в кружке «ничтожеством».

Дорогие обитатели Черногории! Сегодня встречаемся с вами в Auditoria Budva на очередной лекции моего цикла "Музыка изнутри". Я расскажу о том, как функционировала "Могучая кучка", почему распалась, и что стало с ее участниками.

Как афоризмы.

Кстати, о "Могучей кучке". Приглашаю всех, кто живет в Черногории, на очередную, уже четвертую (как быстро летит время!) лекцию моего цикла "Музыка изнутри". Создание музыки — процесс индивидуальный, но история знает исключения. 10 апреля на очередной лекции цикла "Музыка изнутри" мы будем говорить об уникальном уникальном явлении, когда Балакирев, Мусорский, Бородин, Римский-Корсаков и Кюи писали музыку, компенсируя недостаток знаний коллективным подходом к творчеству. На лекции я расскажу, как на практике работало это сообщество: как рождались произведения, как обсуждения и взаимная критика влияли на творческий процесс, где проходила граница между влиянием и индивидуальностью. Мы поговорим о том, сколько существовало это сотрудничество, почему оно распалось, что стало с каждым из участников "пятёрки", а также выясним, каким образом деятельность музыкантов-любителей повлияла на развитие русской музыкальной школы и европейской музыки конца XIX — начала XX века.