Музей

«Диана, застигнутая в купальне» — Жан-Батист-Камиль Коро 🏛Музей | 1836 год

«Телега для сена» — Джон Констебл 💰 Цена: 3 850 000 $ Когда эта картина впервые появилась на выставке Королевской академии в Лондоне, её почти не заметили. Зато спустя три года она произвела сенсацию во Франции, получила золотую медаль от короля Карла X и оказала огромное влияние на молодых французских художников. Парадоксально, но один из символов английской живописи сначала прославился за пределами Англии. На полотне нет исторических событий, героев или драматических сюжетов. Констебл показывает обычный летний день в долине реки Стаур. Телега въезжает в воду возле дома фермера Вилли Лотта — здания, которое существует до сих пор. Художник настолько любил эти места, что позже признавался: лучше всего он умеет писать именно родные пейзажи своего детства. Но главный герой картины — даже не телега. Это небо. Констебл был буквально одержим облаками и вёл почти научные наблюдения за погодой. Он делал десятки этюдов, записывая направление ветра, время суток и состояние атмосферы. Благодаря этому небо на его полотнах выглядит живым, будто погода меняется прямо у нас на глазах. Сегодня «Телегу для сена» называют одной из самых знаменитых картин британского искусства. А сцена, которая современникам казалась слишком простой и обыденной, со временем превратилась в образ идеальной английской сельской жизни, сохранившейся только на холсте. 🏛Музей | 1821 год.

«Свобода, ведущая народ» — Эжен Делакруа Эту картину часто принимают за изображение Великой французской революции 1789 года. На самом деле Делакруа написал другое восстание — Июльскую революцию 1830 года, когда парижане вышли на баррикады против короля Карла X. Свобода здесь одновременно и реальная участница боя, и аллегория. Она шагает босиком по баррикаде, поднимает французский триколор и ведёт за собой людей разных сословий: рабочего, буржуа в цилиндре и мальчика с пистолетами. Делакруа не делает революцию красивой. Перед Свободой лежат тела погибших, вокруг дым, грязь и хаос. Она ведёт народ вперёд буквально через смерть — поэтому картина одновременно вдохновляет и пугает. Особенно запоминается мальчик справа. Считается, что позднее этот образ мог повлиять на Виктора Гюго при создании Гавроша в романе «Отверженные», хотя прямых доказательств этому нет. Сам Делакруа, вероятно, не сражался на баррикадах. Но он писал, что раз не воевал за родину лично, то хотя бы напишет для неё картину. Полотно было создано с сентября по декабрь 1830 года и показано публике на Салоне 1831 года. 🏛Музей | 1830 год

«Олень у лесного озера» - Карл Фредерик Огор 🏛Музей | 1880 год

«Самсон» — Соломон Джозеф Соломон 🏛 Музей | 1887 год

«Мадонна Магнификат» — Сандро Боттичелли 💰 Цена: 240 000 $ На этой картине Мария не просто держит младенца — она пишет книгу. Перед ней открыт текст гимна Magnificat («Величит душа Моя Господа»), и Боттичелли изображает момент, когда Богоматерь словно становится автором собственных слов. Для искусства XV века это необычный образ: Мария здесь не только святая мать, но и мудрая, образованная женщина. Однако самое интересное происходит над её головой. Два ангела возлагают на неё корону, хотя по христианской традиции Коронование Девы Марии происходит уже после её земной жизни. Боттичелли сознательно соединяет разные моменты времени в одной сцене: прошлое, настоящее и будущее существуют одновременно. Младенец Христос ещё ребёнок, но уже помогает матери писать слова, которые предвещают его судьбу. Исследователи также обращают внимание на плод граната в руках младенца. В эпоху Возрождения он символизировал одновременно жизнь, воскресение и грядущие страдания Христа. Поэтому за внешней нежностью сцены скрывается напоминание о жертве, которая ждёт ребёнка в будущем. Картина написана в форме тондо — круглого изображения, особенно популярного во Флоренции XV века. Благодаря этой форме фигуры словно вращаются вокруг Марии, создавая ощущение гармонии и музыки. Не случайно многие искусствоведы называют «Мадонну Магнификат» одной из самых поэтичных работ Боттичелли. 🏛Музей | Около 1481–1483 года.

«Венера и Марс» — Сандро Боттичелли Любовь здесь буквально обезоружила войну. Марс спит так крепко, что сатиры успели утащить его копьё, забраться в доспехи и трубить ему в ухо — без малейшего результата. Венера же остаётся совершенно спокойной и явно контролирует ситуацию. Сюжет часто читают как аллегорию победы любви над воинственной силой. Бог войны оказывается беспомощным после встречи с Венерой, а его оружие превращается в игрушки для маленьких лесных существ. Вероятно, картина была создана по случаю свадьбы. На это намекает мирт за спиной Венеры — традиционный символ брака. Необычная вытянутая форма панели позволяет предположить, что она могла украшать спальню или свадебный сундук. С правой стороны среди листвы видны осы. Их иногда связывают с флорентийским родом Веспуччи, чьё имя созвучно итальянскому слову vespe — «осы». Однако прямых доказательств, что именно эта семья заказала картину, нет. За внешней изящностью скрывается ироничная сцена: Венера бодрствует, а Марс утратил и оружие, и достоинство. Боттичелли показывает любовь не как нежную идиллию, а как силу, способную без боя победить самого грозного бога. 🏛Музей | Около 1485 года

В Музее архитектуры сейчас открыта выставка «Фёдор Шехтель. Грёзы русского модерна». Это отличный повод поближе познакомиться с творчеством мастера, чьи работы стали неотъемлемой частью архитектурного облика Москвы. Прогуляться по шехтелевской Москве на этапах её создания можно на лекции ВТБ и Level One «Москва Шехтеля: жизнь и архитектура мастера русского модерна».  Москвовед Андрей Клюев расскажет об изящных особняках старой Москвы, эклектичных вокзалах и храмах и о том, какой могла бы стать советская Москва, если бы некоторые смелые проекты Шехтеля воплотились в жизнь. Подключайтесь к трансляции в сообществе ВТБ ВКонтакте 18 августа (вторник) в 19:00.

«Уна и лев» - Брайтон Ривьер 🏛Музей | XIX век

«Пастушка» — Эдвард Фредерик Брютнолл 🏛 Музей | 1900 год

«Козёл отпущения» — Уильям Холман Хант 💰 Цена: 145 000 $ Чтобы написать эту картину, Хант отправился к Мёртвому морю — в одно из самых безжизненных мест на планете. Он хотел увидеть тот самый пейзаж, который мог окружать библейского козла отпущения. Художник работал в невыносимой жаре, а холсты и краски портились из-за солёного воздуха и ветра. Но для прерафаэлитов достоверность была важнее удобства. Они считали, что истину нельзя придумать в мастерской — её нужно увидеть своими глазами. На картине нет людей, только одинокое животное среди соляной пустыни и останков погибших существ. Это не случайность. Согласно древнееврейскому обряду Йом-Кипура, на козла символически переносили грехи всего народа, после чего изгоняли его в пустыню. Хант превращает этот ритуал в образ абсолютного одиночества: животное несёт на себе чужую вину и оказывается изгнанным из мира живых. Современники были озадачены работой. Многие ожидали привычную библейскую сцену с героями и драматическим действием, а получили почти пустынный пейзаж с козлом посреди соляных берегов. Однако именно эта необычная идея позже сделала картину одной из самых известных работ художника и одним из символов прерафаэлитского движения. 🏛Музей | 1854–1856 годы.

«Сдача Бреды», или «Копья» — Диего Веласкес Перед нами победа, но Веласкес почти не показывает торжества победителей. Испанский полководец Амброзио Спинола принимает ключ от города у голландского командующего Юстина Нассау — и не позволяет ему униженно встать на колени. Главный жест картины — рука Спинолы на плече побеждённого. Вместо холодной церемонии капитуляции художник изображает встречу двух достойных противников, где уважение оказывается важнее военного триумфа. Событие произошло в 1625 году после длительной осады нидерландского города Бреда. Однако картину Веласкес написал примерно десятилетие спустя для Зала королевств мадридского дворца Буэн-Ретиро, где прославлялись победы испанской монархии. Своё второе название — «Копья» — полотно получило благодаря плотному лесу оружия над испанскими солдатами. Их копья стоят почти идеально ровно, тогда как на стороне побеждённых оружие выглядит редким и беспорядочным. Веласкес не присутствовал при сдаче города и не создавал точную хронику события. Он превратил военный эпизод в размышление о благородстве: настоящая сила проявляется не в унижении проигравшего, а в способности сохранить его достоинство. 🏛Музей | Около 1635 года

«Вероника Веронезе» - Данте Габриэль Россетти 🏛Музей | 1872 год

«Пандора» — Лоуренс Альма-Тадема 🏛 Музей | 1881 год

«Задвижка» — Жан-Оноре Фрагонар 💰 Цена: 160 000 $ На этой картине всё решает одно маленькое движение руки. Пока девушка отклоняется назад, мужчина тянется не к ней, а к задвижке на двери. Именно этот жест дал название работе и превратил обычную любовную сцену в одну из самых обсуждаемых картин XVIII века. Фрагонар написал полотно в эпоху рококо — времени, когда французская аристократия обожала намёки, игру чувств и скрытые смыслы. Но здесь художник пошёл дальше. Красный балдахин над кроватью напоминает театральный занавес, словно зритель случайно стал свидетелем сцены, которую не должен был увидеть. А упавшее на пол яблоко многие исследователи связывают с библейским символом искушения. Самое удивительное, что эта откровенно чувственная картина была создана как своеобразная пара к религиозному полотну Фрагонара «Поклонение пастухов». Один и тот же заказчик захотел получить два противоположных мира: земную страсть и духовную любовь. Художник ответил на этот вызов работами, которые до сих пор считаются одними из самых необычных диалогов в истории искусства. 🏛Музей | 1777 год.