Southeast Asia Underground

Пришло время рассказать о моем любимом тайском артисте и дорогом друге по имени Tanat Teeradakorn. Этот человек является междисциплинарным художником: музыкантом с уникальным стилем, диджеем, у которого всегда интересные сеты, графическим дизайнером, дизайнером одежды (иногда) и исследователем. Можно сказать, что мое погружение в тайский андерграунд началось с мероприятия, на котором я увидела выставку и перформанс Tanat’a (также там выступала няша Teya Logos). Это было потрясающе, как будто все, что я люблю в плане визуала, звучания и, так сказать, мрачного тайского вайба, попало мне прямо в сердечко. При этом, темы его творчества довольно глубокие. В основе практики артиста лежит исследование того, как звук, медиа и культурные нарративы формируют коллективную память и политическое сознание. Его звуковой мир чаще всего представляет собой бодрую, слегка безумную экспериментальщину: это плотный коллаж, соединяющий gabber, hardcore, trance, chiptune и industrial с традиционной тайской музыкой, протестными песнями, саундтреками тайских мыльных опер и интернет-приколами. Tanat активно работает с семплированием, ремиксами и свободным переосмыслением уже существующих музыкальных и культурных материалов, рассматривая звук как инструмент сопротивления, способный одновременно вызывать физическую реакцию, объединять людей и переосмыслять историческую память. Родившийся в 1991 году в Бангкоке, Tanat получил образование в области графического дизайна в Bangkok University, а затем окончил магистратуру Werkplaats Typografie в Арнеме в Нидерландах. До прихода в современное искусство он играл на басу в панк-группе и был тесно связан с андеграундной музыкальной сценой Бангкока, что во многом определило его художественный язык. У него также был ранний музыкально-художественный проект KONGJAK, где он экспериментировал с ремиксами, звуковыми коллажами и идеями, которые позже развил в других работах. Однако Tanat всегда интересовался не только музыкой, его талант проявляется и в художественных проектах. Его работы выставлялись не только в Таиланде, но и в Великобритании, Германии, Португалии, Китае, Нидерландах и других странах. Среди наиболее значимых проектов — CHAOS MANDALA: NATIONAL COLORATION COMPLEX, CAPITAL COMPLEX, The Rise and Decline of Absolutism и персональная выставка National Opera Complex в лондонском Gasworks. Он также выступал в рамках CTM Festival, сотрудничал с нашей любимой платформой Chinabot, участвовал в Transmediale, Art Basel Hong Kong и художественных резиденциях в Лондоне и Шанхае. Просто невероятно, как этот человек всё это успевает, учитывая, что его проекты вырастают из масштабных исследований и сразу соединяют и музыку, и видео, и перформансы, и инсталляции, и графический дизайн. Всё это складывается в единый художественный нарратив, и в результате погружаешься в плотное поле аудиовизуальных стимулов (что может вызвать сенсорную перегрузку или, наоборот, способствовать гиперфокусу, как происходит у меня). Всё его творчество глубоко укоренено в тайской культуре, однако благодаря самобытному художественному языку он показывает её одновременно узнаваемой и совершенно новой. Одновременно мрачной и яркой, наполненной символами и отсылками. А ещё у него, на мой взгляд, безупречное чувство альтушного стиля, ибо выглядит он определенно эффектно. Центральными мотивами его творчества остаются политика, память, государственная пропаганда, туризм как инструмент формирования национальной идентичности, история протестных движений и механизмы распространения культурных образов. В прошлом году часть его проекта CAPITAL COMPLEX, посвящённого коллективной памяти и замалчиваемым страницам современной истории Таиланда, была закрыта мусорами во время показа в Bangkok Art and Culture Centre, что лишь подчеркнуло актуальность поднимаемых им тем. Ситуация очень показательная и кое-что напоминает... Выпущенный в 2025 году EP National Opera Complex стал музыкальным продолжением одноимённой выставки и представляет собой пятиактную оперу, основанную на пяти ключевых песнях из истории тайского протестного движения — от периода перехода к капитализму до студенческого восстания 1973 года. Tanat переосмысляет эти композиции, превращая их в мощнейшие reconstructed club-треки (как назвал их сам Tanat), где традиционные тайские инструменты соседствуют с хардкорными битами и трансовыми синтезаторами: добро пожаловать в образцовый тайский рейвовый андерграунд! Альбом исследует способность музыки формировать коллективную память, солидарность и политическое сопротивление. Центральным элементом проекта стало MV ACT-3: ST★RLIGHT OF FAITH, входящее в фильм The Rise and Decline of Absolutism. В нём традиционный тайский танец рамвонг соединяется с TikTok-инспайред хореографией, а революционные песни — с эстетикой видеоигр, интернет-приколов и современной электронщины. Через столкновение традиции и цифровой культуры Tanat показывает, как звук, движение и визуальные символы становятся средствами борьбы за память, историческую справедливость и новые формы коллективной идентичности. Ответственно заявляю, что политическое искусство в Таиланде живо! Но из-за цензуры оно долгое время развивалось в завуалированной форме, прибегая к метафорам и визуальным кодам. Зато погружаться в него крайне интересно! Слушаем National Opera Complex! Bandcamp | Spotify | Apple Music | Soundcloud | Deezer | YT Music | Youtube #thailand

Fahmi Mursyid — невероятно продуктивный экспериментальный электронный музыкант, композитор, саунд-дизайнер и продюсер из Бандунга. Его дискография включает больше аж шестидесяти релизов, жанрово там найдется ambient, glitch, industrial, post-rock, vaporwave, breakbeat, electroacoustic, абстрактная электроника, всякие перкуссионные формы и элементы индонезийской традиционной музыки, жанры часто не разделены, а как бы растворены друг в друге. Он использует полевые записи, сэмплирование, гранулярный синтез и его музыка часто строится так, что звук отделяется от источника и слушатель не всегда понимает, что именно он слышит. В общем, в его творчестве умело соединяется физическое и виртуальное. К сожалению, я не нашла никаких деталей его биографии, могу лишь сказать, что активен он с 2011 года и релизы выпускает под разными вариантами написания своего имени: Fahmi M, F.M, ɟɐɥɯᴉ ɯnɹsʎᴉp, ᖷ⍲ℌ⋔⋮ ᙏ⌰ℜ≾Ɣ≀▷, а в сети его можно найти как Idiologikal. То есть как будто ломает не только звук, но и визуальную форму. Работает Fahmi с рядом лейблов и полноформатным альбомам предпочитает ипишки, а также совершенно разнообразные коллаборации, которые лично меня особенно восхитили, он сотрудничает с кучей артистов из разных частей света (среди них я даже внезапно обнаружила одну свою ру-знакомую). Таким образом, можно сказать, что его творчество представляет собой поток экспериментов и взаимодействий, как он сам формулирует: «просто позволить этому течь». Предлагаю послушать Dunia Maya (переводится как «виртуальный мир»), подборку треков артиста, записанных в промежуток между 2019 и 2025 годом. Используются микротональный синтезатор, гамелан (degung), индонезийские перкуссии, сунданская флейта, таромпет и алгоритмические системы. Звучание его медленно разворачивающееся, мягкое на поверхности, но сложное и детализированное внутри. Плавно меняющиеся звуки одновременно и абстрактны, и укоренены в Индонезии, оторваны от источника, но не от культурного контекста. Это медитативный виртуальный мир, который живет по своим законам. Клипов у Fahmi Mursyid, конечно, нет, поэтому в качестве видеосопровождения прикрепляю видео Soundtrack for Java landscape (1890-1920), это аудио-интерпретация работ гравёра Carl Wilhelm Mieling, изображающих ландшафты Явы: вулканы Геде и Гунтур, гору Сумбинг, озеро Патенгганг, а также северное и южное побережья острова. Dunia Maya на Bandcamp (можно скачать бесплатно) Чутка другого материала на Spotify / Soundcloud | Личный Bandcamp с большинством релизов #indonesia

Zwel Mun Wint, известный прежде всего по сочному эмбиент-проекту Heft, — музыкант и продюсер из Мьянмы, ныне проживающий в Лондоне. Его можно назвать одной из ключевых фигур новой бирманской экспериментальной сцены, в развитии которой он активно участвовал: сотрудничал с коллективом Noise in Yangon, работал с культурными организациями, такими как Institut Français de Birmanie, и основал собственный лейбл Urban Gut Records, который стал частью сообщества независимых артистов в Янгоне и, можно сказать, их центром притяжения. Также у него есть сайд-проект Sun Sleeps с медитативной фортепианной музыкой, противопоставленной более насыщенной электронике в рамках Heft. В поздний период своей карьеры Zwel Mun Wint выбрался за пределы Мьянмы и стал появляться в европейском контексте — на фестивалях, резиденциях и проектах. На формирование стиля музыканта повлияло несколько факторов. Во-первых, внезапно, китайские сериалы: в детстве он много смотрел их и вдохновлялся персонажами, мифами и саундтреками оттуда. Не сказала бы, что в музыке Heft есть что-то особо восточное (разве что слышно кото в некоторых треках), но некоторая, так сказать, духовная линия, по его словам, пошла оттуда. Также роль сыграл его ранний интерес к техно и трансу, предшествующий его увлечению металом (хотя по нему, имхо, не скажешь), которое позднее сменилось уже любовью к эмбиенту и пост-року. Кстати, ещё до начала своего сольного проекта Zwel Mun Wint вместе с корешем основал группу Pandelic, которая играла как раз атмосферный, такой, я бы сказала, светлый пост-рок. Насколько я поняла, группа официально не распалась, но они давно ничего не выпускали, в Лондон-то Zwel Mun Wint перебрался один. Музыку Heft иногда называют cinematic electronic, вообще она сильно опирается на атмосферу кино. В одной из статей о нем была приколдесная формулировка, мол, Annihilation meets Aphex Twin. Это, соответственно, не чистый эмбиент, там есть и элементы IDM с downtempo, и техно. Его музыка пространственная, она обладает богатой детализацией и сложной структурой и почти всегда строится вокруг внутреннего опыта. Zwel Mun Wint говорит, что его альбомы возникают естественно — как результат жизненных периодов. Ключевой концепт его творчества — это трилогия: альбомы Solicit (2019), Hermitage (2021) и Mensch (2023). Это последовательная линия развития личности: первый релиз посвящен теме саморазрушения, второй — самоосознания, а третий — самопринятия. Подробнее остановимся на альбоме Mensch. Если предыдущие работы были про разрыв и поиск, то Mensch — про восстановление и соединение с внутренним голосом. По замыслу автора эта музыка должна «перерождать» слушателя. Здесь соединяется интимность и масштабное звуковое пространство. В альбоме участвуют как постоянные коллабораторы, так и новые артисты, там аж семь ремиксов. В качестве визуального сопровождения прикрепляю клип на трек Suave (как всегда, было сложно выбрать). Тут нет истории, зато атмосфера тащит, и это соответствует общей логике Heft — музыка и визуал работают как единый опыт, где важнее не сюжет, а переживание. Другие видосы на треки с альбома тоже сняты в таком духе, лично я обожаю подобный вайб, вызывает желание валяться где-нибудь на природе вечерком и растекаться в чилле. Послушать Mensch (в кои-то веке артист заботливо залил его на миллион площадок!): Bandcamp | Spotify | Apple Music | Beatport | Deezer | Tidal | junodownload | Amazon Music | YT Music | Youtube #myanmar

Proto Animalia Project — творческий коллектив из Йогьякарты, работающий на стыке электронной музыки, перформанс-арта и визуальных практик. Их выступления — это какие-то приглитчеванные индастриал-ритуалы с масками и плясками, гротеском и угаром. Хотя они и не используют традиционные инструменты, как многие коллеги с похожим вайбом, их творчество при этом ощущается именно как индонезийское (точнее, яванское). Они делают экспериментальную электронику, но музыка их выстроена в логике местных ритуальных традиций: цикличная, трансовая, пульсирующая, апеллирующая прежде всего к языку тела. Сами они характеризуют её как хардстайл-гамелан. Коллектив состоит из трёх фигур с чётко распределёнными ролями. За музыку отвечает X0-101 (Mahamboro) — саунд-алхимик с DIY-этикой и тягой к шуму. Вообще, изначально я хотела сделать пост о его сольном творчестве, он сам по себе фигура интереснейшая. Mahamboro (у него также был проект BRRR.) владеет множеством инструментов и создаёт собственные, имеет классическое музыкальное образование, выпустил несколько альбомов, а также пишет музыку для театра и кино. Tesla Manaf вообще говорил, что считает Mahamboro самым одарённым человеком, которого ему доводилось встречать, и что он обладает исключительной чувствительностью ко всему, чем занимается. От себя очень рекомендую альбом Mahamboro 7 Jazz Pop Greats (название не отражает звук, если что, ето прикол и отсылыч к Throbbing Gristle), предельно мощный и стильный релиз. COLEXMAN (Otniel Tasman) отвечает за танцевальные колдунства. Он хореограф и перформер, работающий с современным танцем, танцевальным кино и кураторскими форматами, включая фестивали. В своей практике Tasman исследует традицию Lengger — форму яванского танцевального перформанса, связанную с гендерной амбивалентностью и ритуальным переодеванием; на эту тему он даже написал книгу. В основе его художественного метода лежит концепт nyawiji — идея слияния и единства противоположностей, заимствованная из философии Lengger. Третий участник проекта, Nudibranchia (Byakta Babam), отвечает за визуальную сторону: сюрреалистичные костюмы, маски и образы. Byakta Babam — мультидисциплинарный художник, соединяющий в своей практике перформанс, театр, танец, визуальное искусство, моду и кино. Он известен прежде всего как создатель и участник различных авангардных сценических проектов и считается одним из самых заметных представителей экспериментальной перформанс-сцены Индонезии. В общем, фигуры талантливые и крайне колоритные! К сожалению, у Proto Animalia Project пока (я надеюсь) вышел только один мини-альбом — JAWIR (2024). Сам релиз и перформансы вокруг него — это высказывание о стигматизации, маргинальности и ярлыках, особенно знакомых тем, кто переезжает из «периферии» в большой город. Проект переосмысляет термин jawir, которым обычно пренебрежительно называют яванцев из низших социальных слоёв, превращая его из оскорбления в инструмент критики. Разбирая заложенные в этом слове смыслы, Proto Animalia выводят на первый план социальные эффекты подобных ярлыков — их роль в формировании отношения к меньшинствам, механизмах отчуждения, закреплении стереотипов и воспроизводстве дискриминации, а также влияние языка и культурных представлений на все эти процессы. Звучит, пожалуй, пафосно, но при этом релиз не производит ощущения искусственной претенциозности, я бы сказала, что в нём ощущается живая, телесная витальность! На четыре из пяти треков (общей длительностью около получаса) есть клипы (ставлю на то, что и пятый видос не за горами, учитывая, что предыдущий вышел всего три месяца назад). И эти клипы выглядят преимущественно задорно и забавно. Выбрать, какой именно прикрепить, было сложно, но пусть будет Jumawa — там зафиксирован перформанс и лучше всего передаётся общая атмосфера проекта. Bandcamp | Spotify | Apple Music | Soundcloud | YT Music | Youtube #indonesia

BAPAK. — коллектив вокруг джакартского музыканта и продюсера Kareem'а Pradipto Soenharjo, более известного как BAP. Проект возник как попытка впитать все музыкальные влияния артиста в один органичный бэнд: здесь соседствуют хардкор-панк, прог-рок, сладж, нойзовые приколы, элементы джаза, блюза и мат-рока. Помимо Kareem'a в постоянный состав BAPAK. вошли его давние соратники и кореша — гитарист Alfath (Flowrpit), барабанщик Bagas Encek (taRRkam/Morgensoll) и мультиинструменталист Kevin (Whoosah) — вместе они превращают студийные наброски Soenharjo в живое импровизационное буйство. Вообще Kareem это один из самых обсуждаемых персонажей на индонезийской андеграунд-хип-хоп-сцене. Он начинал в 2016 году как битмейкер под именем Yosugi, а затем стал заметен как рэпер и продюсер BAP. Для его творчества характерны постоянные экспериментики и скрещение жанров. Его релизы выходили в сотрудничестве с лейблом La Munai Records — одной из самых заметных независимых индонезийских площадок, поддерживающей оригинальные проекты (я многое могу посоветовать оттуда!). Также у Kareem'а есть и собственный лейбл под названием BOSAN Records. В 2022 году BAP. вылез из андера: он получил приз в хип-хоп/рэп-категории аж на Anugerah Musik Indonesia, главной ежегодной музыкальной премии Индонезии, и эта победа упрочила его репутацию как одного из самых заметных молодых артистов на уровне страны. Также Kareem является художником, иллюстратором, играет на гитаре и саксофоне, диджеит и продюсирует других артистов (например, Hindia). Мне понравилось, как было написано о нем в одной из статей: для Kareem'а искусство — способ закрепиться (в бытии). Он находит себя уединённым в творчестве — предпочитая сидеть со своими вопросами в одиночестве. Это медитативная практика, которая требует от него разбирать своё сцепление с материальной реальностью и погружаться в неизвестное. На вопрос о смысле жизни он отвечает просто: смысл всегда создаётся — и он всегда личный. И хотя хапчик от BAP. довольно интересен (например, альбик 2021 года MOMO'S MYSTERIOUS SKIN), мне хочется в первую очередь поделиться творчеством в рамках BAPAK. — всё-таки именно здесь Kareem доводит свою любовь к музыке и экспериментам до предела (+ мне лично оно как-то больше по душе). У них пока вышел только один альбом в 2020 году — Miasma Tahun Asu (Миазм: год собаки, причем asu в индонезийском — довольно пренебрежительное/ругательное слово, я так поняла, получается что-то типа "вонючий сучий год"), и он довольно интересный как в плане жанровой тарабарщины, так и по вайбу: агрессия и меланхолия идут рядом (а изначально альбом вообще задумывался как веселый!). В записи слышна живая игра — много джема и спонтанных решений, абсолютно разнообразные треки, как с жестким рубиловом, так и с чем-то таким эфирным (воздушный женский вокал в наличии), но всё вместе при этом звучит органично. Прикрепленный клип на трек Jon Devoight снят в квадратном формате и ловит урбанистическую тревогу современного джакартского жителя. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | VK #indonesia

goneMUNE — сингапурская дарк/альт-pop музыкантка и мультидисциплинарная артистка. Она активно занимается написанием, продакшном и микшированием собственной музыки, сама режиссирует и монтирует видосы и выстраивает сценические перформансы с элементами буто. Звук goneMUNE сочетает синтипоп с экспериментальными аранжировками и эмбиент-пассажами; её музыка одновременно кинематографичная и интимная. Ключевые темы в её творчестве — проработка травмы, одиночество и утрата, поиск идентичности и гендерного самовыражения, вопросы привязанности и самоценности. Mune выросла в хаотичной, насильственной семье: детство и подростковые переживания оставили устойчивый след — страхи, стыд, ощущение недополученной «нормальной» детской жизни. Она также пережила абъюзивные отношения и сексуализированное насилие, испытывала глубокие депрессивные состояния и эмоциональную отстранённость. Вишенкой на торте стал опыт работы в похоронной индустрии — ежедневное наблюдение за горем и смертью сильно повлияло на её мировосприятие. Заниматься музыкой Mune начала в 2020 году; музыкального образования у неё не было — всё выросло из отчаянного желания проработать внутреннюю боль через творчество. Вскоре она также пошла в терапию, и это стало началом пути к исцелению. Через интернет-коллаборации и отклики слушателей артистка наконец обрела ощущение принадлежности — то, чего ей так не хватало в детстве. Конечно, это не решило все психические проблемы по щелчку пальцев, но стало мощным способом прожить травматичные воспоминания и сказать другим: «ты не один(а)». Mune подчёркивает, что окончательное исцеление — долгий процесс; в её песнях и перформансах это отображается честно: от глубокой скорби к постепенно приходящему ощущению собственной ценности и опоре на себя. AVERDONIA — это не просто название (прекраснейшего) последнего альбома goneMUNE, вышедшего на прошлой неделе; это имя киборга — альтер-эга музыкантки, вокруг которого разворачивается нарратив. Киборг был смоделирован шизоучёным по образу его умершей дочери; вскоре после завершения творения он совершил самоубийство. AVERDONIA была запрограммирована иметь способность испытывать эмоции, но у неё отсутствовал триггер для их пробуждения. Путешествие (или, скорее, скитания) лирической героини на протяжении альбома — поиск человечности: по ходу сюжета у неё всплывают воспоминания о жестоком создателе, что приводит к осознанию того, что разрушительные шаблоны передаются поколениями и что AVERDONIA «родилась» в обстоятельствах вне своего контроля. На своём пути она встречает таинственную фигуру в бинтах по имени V, и между ними возникает связь, которая символически вызывает эмоциональное пробуждение — это запечатлено в прикреплённом MV на трек AMNESIA. Bandcamp | Spotify | Apple Music | Deezer | YT Music | Youtube #singapore

За всё время существования Southeast Asia Underground я ни разу не отклонялась от заявленной тематики, но сегодня хочу поделиться с вами подборочкой каналов. Формат у них разный, но авторский стиль и завораживающая элегантность характерны для всех. Если вы, как и я, в постоянном поиске чего-то свежего и любопытного, скорее всего, найдёте для себя что-то по душе.

Сегодня я поделюсь с вами очень редкой по меркам ЮВА жабкой: представляю 3 рекомендованных blackgaze релиза. Lament — Morris (2022) Начну с Lament — самого запавшего мне в душу проекта мультиинструменталиста Ryo (Januaryo Hardy) из Бекаси, Индонезия. В принципе Ryo довольно заметная фигура на местной сцене, он участвует в куче сольных и совместных проектов: Pure Wraith (годный atmospheric black metal, советую чекнуть), Perverted Dexterity (brutal death metal — с ним он даже в Москву катался), Cadavoracity (brutal DM), Insolence (BM), Bloodriven (brutal DM), Urged (brutal DM), Excruciation (goregrind), Wept (harsh noise/drone) — в общем, всякий жестяк. Не удивлюсь, если что-то пропустила, но не суть. Вернёмся к Lament — определённо самому мягкому из творений Ryo. Morris, состоящий из четырех треков, назван по имени умершего пёса музыканта, милушная фотография которого служит обложкой. Ryo описывает релиз так: [он] о верности и истинной любви, о том, чтобы лелеять нашу радость жизни. Настоящий друг никогда не подведёт, а ангел-хранитель будет рядом до конца времён. Очень красивый, грустный и трогательный EP, и — ВНИМАНИЕ — четвертый трек там — кавер на Coil (тысяча респектов от меня лично, обожаю!). Bandcamp | Spotify | YT Music | Youtube | VK The Sisyphean Condition — Sink In a Delusional Enlightenment (2023) Я была, прямо скажем, изумлена, когда наткнулась на The Sisyphean Condition — проект из Мьянмы; не ожидала, что там вообще такое есть! Группа состоит из KYAWPAUK и Kent из Янгона и была образована во время протестов 2021 года. По описанию проект задуман как музыкальная адаптация галлюцинаций K и ориентирован на атмосферный/экспериментальный подход — путешествие слушателя по звуковым мирам. Про них очень-очень мало информации, вообще как будто вообще никто о группе не знает. Тексты песен на бирманском, и сами The Sisyphean Condition себя тэгают как poetry gaze — звучит довольно необычно. В целом здесь гораздо меньше блэка, чем гейза. Bandcamp | Apple Music | Soundcloud | YT Music | Youtube My Dark Secret Transcendence — TEARNOUMENON (2024) MDST — one-man проект тайца Narusha Dithabenjakul из Бангкока, участника brutal DM-группы Reflection of Impurities. Вообще Narusha давно в игре: в death-metal группе Deathguy он играл начиная с 1998 года, а также был участником Breathless (doom), She’s Gore (brutal DM) и Lerman (melodic death/black). MDST — выражение личной меланхолии музыканта, тут местами присутствует слегка карикатурный готский вайб + влияние DSBM; TEARNOUMENON — пока что единственный альбом проекта. Работа приятная, но из трёх релизов, представленных в этом посте, как по мне он наименее интересен. Однако, как и в прошлый раз, тайцы впечатлили меня своим моднейшим и аутентичнейшим мерчом (фото прикреплю в комментарии). Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | VK #indonesia #myanmar #thailand

Morgan Sully — американско-индонезийский экспериментальный электронный музыкант, исследователь, диджей и организатор из Берлина, известный под сценическим именем Memeshift. Он работает на пересечении клубной сцены и исследовательской оптики, обращаясь к культурным практикам диаспор Юго-Восточной Азии. Звучание Memeshift одновременно шаловливое и меланхоличное, абразивное, пожалуй, наиболее близкое к IDM с элементами всякой всячины в числе которой и наши любимые фольклорные отсылочки. Morgan вырос между Борнео, Гавайями и Южной Калифорнией. Его отец — американец (который, прикол, является потомком портретиста Thomas'а Sully), а матушка - индонезийка (из даякских народов). В 1986 году, когда Morgan'у было 6 лет, его семья вынужденно покинула регион, а затем долго перемещалась между странами и городами. Этот опыт «жизни между мирами» сформировал его художественный язык: меломанский бэкграунд (его сам Morgan описывает как сунданский гамелан, Beach Boys, pop melayu, затем панк, индастриал и нойз, после чего я полностью ушёл в музыку подпольных рейвов Южной Калифорнии конца 90-х), переплетается с берлинским контекстом, в котором он действует сегодня. Помимо Memeshift у Morgan'а есть и другие проекты: медитативный дроуновый .obat.; вдохновлённый, опять же, гамеланом, ритмически сложный messyfingers; а также Madrigal — по описанию более песенный, что-то типа микса Americana с борнейским наследием (похоже, правда, что пока под ним ничего полноценно не релизилось). Morgan активен и в других сферах: он управляет лейблом L-KW, ведёт радиопрограммы на Refuge Worldwide, был куратором серии Soy&Synth. Ну и особенно крутецкий из его коллективных проектов — это Latent Sonorities: вместе с другими музыкантами он создал открытый набор сэмплов и файлов строя яванского гамелана — пример этичной работы с культурным наследием и восстановления агентности сообществ и художников (и компиляшка балдежная выходила, послушайте обязательно!). В сотрудничестве с Soydivision Morgan участвовал в масштабных инициативах вокруг альбома Alkisah дуэта Senyawa (писала о них тут), включая театральную постановку KIAMAT и 48-часовой онлайн-фестиваль Pasar Alkisah с сотнями участников из разных стран. А еще он преподавал и продюсировал музыку и звуковое оформление для разнообразных общественных документальных проектов, независимых фильмов и медиа-центров. Echoes — последний альбом Memeshift, вышедший в прошлом году на Chinabot, в котором личная биография превращается в звуковую карту между Борнео и Берлином. У пластинки тёплый тропический вайб: она относительно танцевальная, с шероховатыми шумовыми слоями, переработанными полевыми записями и миленькими мелодическими проблесками. Контекст тут неотделим от звука: в центре — поиски дома, бережное обращения с памятью и уважительное взаимодействие с традиционным; эстетика собирания из фрагментов работает и как художественный метод, и как этическая позиция. Клипов у артиста не выходило, зато он угорает по плейлистам на YouTube — их там какое-то гигантское количество. В качестве визуального сопровождения прикреплю один из прошлогодних сетов Memeshift, не совсем то, что можно услышать на Echoes, но тем больше мотивации послушать альбик тоже. Bandcamp | Spotify | Apple Music | Soundcloud | YT Music | Youtube | VK #indonesia

И снова шугейз в рамках рубрики 3 рекомендованных релиза. По одному из Сингапура, Таиланда и Филиппин; объединяет их тинейдж-вайб и англоязычная лирика. motifs – remember a stranger (2022) Первый альбом молодой и перспективной сингапурской команды из пяти человек (основана в 2019 году), посвящённый темам угасающих воспоминаний и умения справляться с потерями. Абсолютно волшебная работа: хоть в ней и нет ничего новаторского, все элементы проработаны и сбалансированы, такой прям идеальный, базированный шугейз/дрим-поп. Вокалистка Elspeth Ong своим тёплым и воздушным голосом исполняет собственные тексты: интимные, искренне трогательные, с богатым повествованием. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube Death of Heather – Forever (2023) Тайские ребятки, изначально игравшие поп-панк в рамках проекта Anti Pants, в 2017 году пересобрались уже как shoegaze-команда. Forever — их второй альбом, самый гранжово-шумный в этой подборке. Звук здесь гипнотический и ну максимально атмосферный, вокал звучит мечтательно-отстранённо. Последние два трека — ремиксы от британской группы bdrmm. Прикреплённый клип на песню Pretty Things, в котором рассказывается о скитаниях симпатичного тайского любителя веселых таблеток, на все 100% отражает дух типичных любителей подобной музыки потерянной ЮВАшной молодёжи (а цвета какие кайфовые!). Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | Soundcloud | Yandex Music Jeekah Rew – You Can't Die From Insomnia (2024) Сольный проект мастера на все руки, филиппинца Jikaru Mendoza, запиленный им от скуки во время пандемии. В данном релизе всего четыре трека — зато каждый из них бэнгер! Музыка дико цеплючая, тексты эмоциональные и наивные. Первое, на что я обратила внимание во время прослушивания — бас-лайны; и да, оказалось, что Jikaru также является басистом в группе Soundcheckers, куда он пришёл на место своего бати (!). Причем бэнд когда-то буквально был собран из дорожных техников по настройке звука популярной филиппинской группы Parokya ni Edgar. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube P.S. Дорогие подписчики, если вы сейчас слушаете музыку где-либо помимо тех стримингов, ссылками на которые я обычно делюсь, напишите, пожалуйста, на каких именно — я буду прикреплять и их тоже. Поделитесь, что сейчас в почёте. #singapore #thailand #philippines

Xin Lie — сценическое имя продюсера и диджея Diannov Pamungkas, или Ody, из Бандунга, Индонезия. Отличительные черты его музыки — собственный стиль перкуссии, выросший из ритуальной сунданской традиции, и панковый DIY-подход. Псевдоним — и игра слов, и локальная отсылка: Xin («сердце» по-китайски), Lie (англ. «ложь») плюс оммаж Sindanglaya (Sindang Laya), району, где Ody рос. Свой путь Ody начинал в панк-среде, где крутился с сосничества. С 2008 года он — вокалист и гитарист d-beat-группы Disabled, диджеить он начинал тоже в той угорелой тусовке. Кликуху Xin Lie он впервые стал использовать на радиоэфирах с бандунгским коллективом C*SSS (Club Sick Sick Sick), где и поныне фигурирует как один из ключевых участников. Когда Ody только начал клепать электронную музыку, результаты ему не заходили. Всё изменило обращение музыканта к детским воспоминаниям: в те времена он участвовал в процессиях Reak, это такой бангдунгский вариант сунданских уличных трансовых действ Kuda Renggong. Основой музыкального сопровождения там являются ритмические рисунки длинных трубчатых барабанов dogdog. Будучи мелким Ody кайфовал от этих звуков, поэтому он решил засемплировать их. Для этого Ody поехал к reak-коллективу Putra Buhun, записал партии dogdog, а затем на основе записанного разработал свой drum rack в Ableton. В итоге такой deconstructed dogdog и стал его главным инструментом во всех последующих работах. Дебютный лонгплей, названный так же, как и сам артист — Xin Lie, вышел этой зимой, это такой управляемый хаос: ломаный бит, мерцающие вне сетки частоты, глитчики и индустриальные шумы. В подтексте — мифическая фигура Prabu Siliwangi, правителя королевства Сунда, который по легенде способен превращаться в тигра; Ody очень вдохновляет этот образ. А прикрепленный клип на трек Pangabisa (Nutup) (со времён первой ипишки Karangpawitan) это какой-то сюрный трип в инопланетный Египет глазами индонезийцев, прикол приколыч — такого вы ещё не видели. А еще Ody фотограф и графический дизайнер, у него крутецкий инстик. Слушаем: Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music #indonesia

Aspidistrafly — это супруги April Lee и Ricks Ang из Сингапура, уже больше двадцати лет сочиняющие музыку на стыке фолка, эмбиента и дрим-попа. April — авторка песен и вокалистка, Ricks — продюсер. Они оба явные перфекционисты и крайне внимательны к мелочам, к текстурам и атмосфере, и, видимо, прекрасно понимают друг друга, ибо искусство у них получается максимально гармоничным и цельным, что ли. Можно назвать группу в своём роде культовой — особенно их эстетика цепляет японскую публику (знак качества, имхо!). А уж эстетика у них — моё почтение: она прослеживается не только в звучании, но и в текстах, визуальном оформлении релизов, в клипах, лайвах. Для представления накину вам образов: туман, мерцание звёзд, пение птичиков, полароиды Тарковского, призрачные нимфы, пастораль, слайс-оф-лайф аниме, японский фольклор... Ну и в целом с японскими артистами Aspidistrafly плотно корешатся и сотрудничают, а на своём KITCHEN. LABEL они в основном как раз японцев и выпускают. Ещё будучи тинейджеркой, April начала записывать на кассетки свои эксперименты с пением и игрой на гитаре. С Ricks'ом они познакомились через общих друзей, когда тот искал вокалистку для своей шугейз-группы. В 2001 году они распались, и Ricks с April решили продолжать музицировать уже вдвоём — так и появились Aspidistrafly. В 2004 году они основали лейбл KITCHEN. LABEL, чтобы выпускать на нём собственные релизы. После первых гастролей по Японии в 2007 году они начали лейбак расширять — там стала выходить музыка близких им по духу артистов. Постепенно KITCHEN. LABEL завоевал устойчивую репутацию качественной площадки для эмбиент-музыки, неоклассики и авангарда. С каждым релизом лейбл объединяет глобальное сообщество, привлечённое его духом: музыка как пространство сознания, искусство как мост между культурами, звук как интимный язык общего опыта (цитата с их сайта, лучше я не скажу). В дальнейшем KITCHEN. LABEL на себя взял один Ricks, а April ушла креативить уже в сферу моды и UX-дизайна. Несмотря на то, что над альбомом Altar of Dreams, третьим по счёту, дуэт начал работать ещё в 2013 году, выпущен он был только в 2022-м. Работу замедлило то, что у Ricks'а диагностировали тиннитус, да и в целом десятилетие у Aspidistrafly выдалось плотное. Зато, как обычно, они продумали и проработали каждую деталь. Лоу-фая тут меньше, нью-эйджа и поп-влияния больше, но музыка по-прежнему эфирная, задумчивая, нежная. Альбом был вдохновлен в первую очередь осознанными сновидениями, в которые, как оказалось, April любит эскапировать. Тут можно услышать всякие прикольные сэмплы, например, из сингапурских хорроров 80-х и ёжика в тумане (так трогательно было его узнать!). Прикреплённый клип на песню Companion to Owls — это маленький арт-кинчик, для которого April лично собрала реквизит и нарисовала раскадровку. Здесь используются приёмы стоп-моушн-анимации, есть танцор в маске, живая статуя, манекены без конечностей и не только. Приглашаю к просмотру MV и прослушиванию Altar of Dreams! Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | VK #singapore

Не так давно я наткнулась на клипы вьетнамской панк-группы Cút Lộn — и осталась в полном восторге. Образ квартета из Ханоя невозможно забыть: в первую очередь они узнаются по балаклавам в виде Пикачу, но на гигах одеваются не только так. Например, они щеголяли в костюмах перчиков чили, в фетишных латексных боди с ластами и очками для плавания, в школьной форме... В общем, угар и фриковство — всё как мы любим. Сами себя они называют «тупой группой в тупых костюмах, играющей тупую музыку», но за этим самоироничным фасадом скрывается немало социальной сатиры и даже своего рода патриотизма. Название Cút Lộn означает оплодотворённое перепелиное яйцо — популярный уличный деликатес во Вьетнаме. Но стоит произнести его с неправильным тоном — и получится что-то вроде «говно п*зды». Ирония во все поля. Группа была основана в 2018 году в Ханое и там, внимание, на барабанах играет русский чел Сергей Боченков. Однако все остальные участники — вьетнамцы, познакомившиеся друг с другом через локальную андеграунд-сцену. Их дебютный альбом “Xào Ke” вышел в 2019 году самиздатом, а доп тираж был выпущен на казахстанском (!) лейбле Careless Records. Название — снова игра слов: вьетнамское блюдо “cút lộn xào me” (перепелиные балут-яйца, обжаренные в тамариндовом соусе) + сленговое “ke” (кетамин). В результате получается нечто вроде «перепелиные яйца, обжаренные в кетамине». Без комментариев. С тех пор Cút Lộn активно выступают, устраивая бешеные лайвы с мош-питом, отрубленными свиными головами и прочим откровенным весельем. В 2024 году группа сменила вокалиста и сделала резкий поворот в звучании. Если ранний материал был весёлым трэшем, то второй (и последний на данный момент) альбом “Bắc Thảo” получился мрачнее, злее и грязнее. Здесь всё гораздо более хаотично и агрессивно, но всё ещё в фирменном стиле группы: с иронией, шумом и тем же угарным вайбом. Тексты обоих альбомов написаны на вьетнамском и посвящены бытовым темам — по словам самих музыкантов, они сочиняют песни, отражающие трагедию и комизм повседневной жизни во Вьетнаме. Причём сделано это как будто от лица семилетнего ребёнка, что только добавляет стилька. Ну и, повторюсь: КЛИПЫ. У ребят они просто шедевральные. Даже если панкуха вам не заходит — очень рекомендую залезть на ютьюбчик Cút Lộn. Прикрепляю свой любимый, его я пересмотрела раз 10. Ссылки на последний альбом: Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube #vietnam

Lý Trang — вьетнамская саунд-артистка, композиторка и продюсерка. Она воспринимает музыку как способ передавать эмпатию и ощущение жизни в настоящем моменте, возможность переносить слушателя в иные пространства — в том числе в «пространство радикального терпения, где можно просто быть». Lý Trang сочетает аналоговое, цифровое и личное, создавая многослойные аудиоландшафты, в которых переплетаются эмбиент, дарк-эмбиент, фолк, индастриал и минимализм. При записи артистка использует множество музыкальных инструментов, в том числе самодельных, а технологии она рассматривает как своего соавтора, равноправного участника творческого процесса. Звук для неё — «густая, шелушащаяся и расплывчатая» материя, воспринимаемая скорее как поток, чем как структура. Lý Trang сотрудничала с художниками и режиссёрами во Вьетнаме и за его пределами, писала музыку к фильмам, снимала собственные короткометражки и выступала на кинофестивалях, выставках и в пространствах экспериментальной музыки. Среди источников своего вдохновения она называет звуки сверчков и лягух у себя на родине, в также наблюдение за другими творческими людьми и их практиками. Со всеми её работами можно ознакомиться на сайте. Родом из Лангшона — горной провинции на северо-востоке Вьетнама — Lý Trang начала свой музыкальный путь с участия в школьных вокальных конкурсах. В 14 лет она самостоятельно освоила гитару, одновременно увлекшись традиционной музыкой своего этнического сообщества. Она стала путешествовать по горным районам Вьетнама, знакомясь с ритуалами и звуками разных народов. А писать собственные песни начала в 17 лет, когда переехала в Ханой, где стала шаг за шагом расширять инструментарий: за гитарой пошли скрипка, синтезаторы, лира, флейта... В 2018 году Lý Trang на короткое время присоединилась к коллективу Rắn Cạp Đuôi (как будто во Вьетнаме все приличные люди обязательно через это проходят). Позже на несколько лет она уехала в Москву — как назло, всего за несколько месяцев до начала войны, — где жила и училась до возвращения во Вьетнам. К слову, её батя тоже в свое время жил в России, но гораздо дольше, более десяти лет — именно привезённые им оттуда диски стали для Lý Trang первым окном в большой музыкальный мир. Music for Movies — третий альбом Lý Trang, вышедший этой весной как «сборник воспоминаний, существующих одновременно на экране и в реальной жизни». В него вошли 12 композиций, созданных в разные годы для короткометражных фильмов, но альбом оказался удивительно цельным — все треки, по словам музыкантки, как будто пришли «с одной невидимой планеты». Первоначально она не планировала выпускать их как единое целое, но впоследствии обнаружила в них скрытую общую тему. В звучании присутствуют хоровое пение, эйфорические колокола, переливчатые синтезаторы, губной орган кхэн. Эти мелодии не просто сопровождают кино — они вплетают в себя личную реальность артистки, пересекающуюся с вымышленными мирами фильмов. Она оформила обложку альбома самостоятельно — вдохновившись именно этим ощущением странного, внепространственного единства. Прикрепленное видео — клип Lý Trang на трек с предыдущего альбома, записанного в России. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | Soundcloud #vietnam

Liew Niyomkarn — тайская звуковая художница, проживающая в Брюсселе. В своём творчестве она исследует взаимодействие звука и памяти, творя многослойные звуковые полотна. Liew использует полевые записи, звуковые коллажи, различные струнные инструменты и язык программирования SuperCollider, чтобы создавать глубокие и личные пространственные путешествия, подобные снам, погружая слушателя в уникальный мир эмоций и переживаний. Liew выросла в большой семье в Бангкоке и с детства была увлечена экспериментами со звуком: она записывала на кассеты любимые радиопередачи, свою игру на гитаре, пение сестры, а на семейных праздниках вместе с кузенами устраивала выступления перед родными, никогда не стесняясь выражать себя. В те времена она не училась музыке специально, просто самостоятельно познавала её через книги, подбирала мелодии на слух, обменивалась записями с друзьями. После школы она переехала в Лос-Анджелес, поступив в Калифорнийский институт искусств, где получила степень магистра, а затем изучала сонологию в Гааге и проходила курс по музыке для кино. Впоследствии она ещё немного путешествовала, выступала на различных европейских музыкальных фестивалях, пожила в Антверпене и, наконец, осела в Брюсселе. С 2012 года артистка регулярно выпускает музыку и выступает вживую, чаще всего импровизирует. Liew также проводит мастер-классы по графическим партитурам и сотрудничает с Inne Eysermans в рамках проекта Velma Spell. Помимо прочего, она еще и создаёт инсталляции и работает над театральными постановками, мутит саунд дизайны для кино (полный список ее работ можно посмотреть на сайте). In All Possible Places at Once — второй альбом Liew, выпущенный в 2024 году на Chinabot и, если считать по Bandcamp, аж четырнадцатый релиз в целом. Альбом был частично вдохновлен традиционной музыкой Юго-Восточной Азии и представляет собой реконструкцию памяти артистки, в котором она с помощью старых полевых записей, сохраненных подобно дневникам, воссоздает различные места и пространства, куда слушатель может отправиться вместе с ней. Звуки дома, в котором выросла Liew, колокольчики, гавайская гитара, цитра, лира, голоса людей и птиц — всё это перетекает друг в друга и растворяется в звуковых волнах. Музыкантка описывает процесс создания альбома как «нахождение в пограничном пространстве, ощущение между двумя мирами и поиск связи между местами и множеством домов, ощущение принадлежности или физического обмена временем». Это и быт, и волшебство, альбом, отображающий многогранность прожитой жизни. В качестве видеосопровождения я прикрепила одно из живых выступлений Liew. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | Soundcloud #thailand

Noise from Under — псевдоним индонезийского музыканта Bindra Abimanyu, или просто Abim. Живущий в Джакарте, Abim начал заниматься музыкой в 2015 году. Изначально он был участником хип-хоп коллектива ONAR, который стал популярным в Индонезии благодаря поднятию острых социальных тем и агрессивному звучанию. Noise from Under появился, когда Abim решил заняться сольным творчеством, более экспериментальным и разноплановым. Abim стремится исследовать тёмные стороны человеческой души. Его творчество затрагивает темы самопознания, кризиса идентичности, разочарования в обществе и борьбы с тенью — концепцией, заимствованной из психоанализа Юнга. Его подход к музыке можно охарактеризовать как глубоко личный и экзистенциальный. Это годный экспериментальный хип-хоп с элементами электронной музыки, индастриала, гранжа и психоделии. Дебютный альбом Noise from Under 2021 года под названием Aliquem Alium Internum (в переводе с латинского — «определённый другой внутри») зацепил меня с первого прослушивания. Релиз стал результатом трёх лет работы и включает девять треков, каждый из которых имеет своё уникальное звучание. Часть из них написана в коллаборации с другими артистами, среди которых Rally Jackmoon, Laze, Lotus from Jakarta, Satan's Heir, Kezia Alaia, Kuzco и Ayub John. А ещё это визуальный альбом, к посту прикрепляю, собственно, визуализатор — нечто театральное, с балдежными световыми эффектами, как-то к хапчику в сопровождении обычно не ожидаешь такое увидеть. Прямо арт-объект! Spotify | Apple Music | YT Music #indonesia

Сегодня речь пойдёт об индонезийской группе Misanthropy Club. Ребята из города Падангпанджанг объединились в 2019 году и прославились своим уникальным звучанием — экспериментальным, жёстким и дерзким. Это какая-то безумная солянка из трэп-метала, металкора, хардкор-техно и всякого разного. Согласитесь, звучит несовместимо? Результат, как мне кажется, можно либо обожать, либо ненавидеть. Однако индонезийские музыкальные критики (и я!) бэнд оценили. Изначально группа состояла из трёх участников: ведущего вокалиста и сонграйтера Aditya Pratama Sony (Lisp), гитариста, продюсера и доп. вокалиста Avin Prasetya Utama (Prxset) и барабанщика и ещё одного доп. вокалиста Raka Aditya (Okra). В прошлом году к ним присоединился Sutan Endah Kayo, который отвечает за электронные элементы, звуковые эффекты и "странные инструменты" (кек). Помимо Misanthropy Club, ребята играют в множестве других проектов: • Все четверо вместе участвуют в SOUFFRANCE (крутецкое скримо, советую) • Prxset, Okra и Sutan участвуют в Recluse (краст) • Lisp и Prxset — в Kukertank (дэт метал) • Lisp отдельно является мембером Digital Parasite и Dystopia (обе дэткор) • Prxset имеет сольный проект Pleuvoir (атмосферный БМ/пост-рок, советую) • Okra в соло пишет разнообразную кайфовую электронную музыку (советую) • Sutan отдельно играет в: • HÏTTEN (краст) • Diafora (традиционная музыка минангкабау + современные инструменты) • Prokontra (минангкабау + эксперименты, советую) • AG3D3NOP'5 (фанкот) • Avant Garde Dewa Kayo / AGDG, его сольный (минангкабау + эксперименты + электронная музыка и не только, советую) В 2023 году вышел второй полноформатный альбом Misanthropy Club под названием Death Trip, ставший, можно сказать, ключевым в их карьере. С ним они были номинированы на премию AMI Awards в категории "Лучший метал-альбом", но, к сожалению, не выиграли :( Приглашаю любителей тяжелека к прослушиванию Death Trip. Прикреплённое видео — клип на один из одиннадцати треков. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | Soundcloud #indonesia

Сегодня в рамках рубрики 3 рекомендованных релиза я снова подвезла вам компиляшки. Первая из них, Common Tonalities, появилась благодаря одноименному проекту, в рамках которого музыканты из Юго-Восточной Азии изучали традиционные музыкальные настройки региона и переплетали их с современными музыкальными технологиями. Проект стал частью инициативы Nusasonic — культурного эксперимента, посвящённого исследованию новых подпольных музыкальных и звуковых культур ЮВА. Его главная цель — создание диалога между ЮВА, Европой и остальным миром через музыку. Nusasonic, в свою очередь, был инициирован азиатскими филиалами института Гёте. Воркшопы Common Tonalities проходили с ноября 2021 по март 2022 года и в результате 20 артистов (среди которых есть продюсер даже из Брунея!) представили данную компиляцию . Каждый трек здесь вдохновлен локальными тональностями и ритмами, но выходит за рамки привычного, они все абсолютно разные и абсолютно прекрасные. Я прослушала тонны различных азиатских релизов и могу вас заверить в том, что этот звучит ну максимально свежо и эстетично! Soundcloud (там же есть ссылки на скачивание) Вторая компиляция, Redline Legends, посвящена эклектичным танцевальным жанрам Восточной и Юго-Восточной Азии. Вдохновленный такими стилями как мой любимый индонезийский funkot, вьетнамский vinahouse, филиппинский budots и китайско-малайзийско-сингапурский manyao, альбом исследует уникальные локальные музыкальные формы, рождённые на стыке традиций и современности. Эти жанры, будем честны, зачастую сложно воспринимать всерьез, однако невозможно поспорить с тем, что энергии и искренности в них в избытке! Сборник выпущен в августе 2021 года лондонским лейблом Eastern Margins, про который подробнее писала моя коллега, ведущая wazzup beijing, на канале Tokyo Eater. На всякий случай добавлю, что первые несколько треков мне не заходят (слишком гиперпопно), но вот к середине компиляшка нормально так разгоняется. Ну и как я писала выше, помимо артистов из ЮВА, тут есть и музыканты из ВА: Китая, Тайваня и Японии. Причем один из японцев, Tomoyu, наваливает как раз funkot. А ZHAAN, внезапно, из Казахстана. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube | Soundcloud | Yandex Music И, наконец, Moda Ekuator — компиляция, собранная джакартским коллективом Dead Pepaya, совместной инициативой лейблов Pepaya Records и Dead Records, которые бодро развивают андеграундную музыкальную культуру Индонезии. Релиз объединяет ритмы пост-клубной сцены, сочетая треки от альтернативных и экспериментальных музыкантов. Moda Ekuator родился в условиях пандемии, когда закрытие клубов вдохновило артистов на смелые опыты, которые вышли за рамки привычных музыкальных форматов. Альбом оценили не только в регионе, но и за его пределами: он попал в ротации таких платформ, как NTS Radio, Seoul Community Radio и других. К тексту прикреплено видео на 6-й трек альбома, BUDAKKICK от дуэта Random Brothers. Bandcamp | Spotify | Apple Music | YT Music | Youtube #malaysia #thailand #laos #myanmar #indonesia #vietnam #philippines #singapore #brunei

Lynn Nandar Htoo или LnHD — музыкантка, продюсерка и DJ из Мьянмы. В своей музыке она сочетает традиционные бирманские мотивы с современными электронными ритмами, создавая уникальные звуковые полотна. Lynn родилась и выросла в Янгоне, где погрузилась в местную инди-сцену, которая и вдохновила её на собственное творчество. Впоследствии она как квир-женщина стала политическим изгнанником и переехала в столицу Камбоджи Пномпень. Будучи самоучкой, Lynn освоила создание музыки через онлайн-курсы и с помощью друзей. Со временем она зарекомендовала себя как талантливый саунд-дизайнер, работая над фильмами юго-восточноазиатских режиссёров. Её музыка звучала на множестве региональных мероприятий, а также в, можно сказать, культовом клубе Red Room, где она является резидентом и исполняет экспериментальные диджей-сеты. Lynn выступала на различных площадках Юго-Восточной Азии и в Берлине, а также участвовала в международных исследовательских проектах, организованных Nusasonic и Goethe Institute. Lynn черпает вдохновение из музыки своей родины, в частности, из Hsaing Waing. «Я хочу разрушить барьер между традицией Hsaing Waing и современными музыкальными практиками. Этот церемониальный инструмент, который использовался в придворной музыке, стал недоступен для широкой публики из-за ортодоксальных взглядов бирманских музыкальных пуристов», — говорит она. Lynn объединяет полевые записи, аналоговые инструменты и цифровые технологии, создавая насыщенные композиции. Её треки наполнены энергией клубной электронной музыки, колоритом региональной сцены и экспериментальными элементами. Slave Instincts — мини-альбом, выпущенный в рамках LnHD (до этого она записывалась под своим полным именем, Lynn Nandar Htoo, соответственно) летом этого года в сотрудничестве с визуальными художниками Gabriel Htoo и Alco Htoo. Релиз состоит из семи треков, это такое необычное техно с бирманским духом. Уж если вы такое и слышали, то разве что на сборнике того же Red Room, который я постила ранее, ну или я даже не знаю... На Slave Instincts поднимаются острые социальные и политические темы, что включает сложную ситуацию в Мьянме, утрату свободы и лицемерие онлайн-активизма. Напомню, что на родине музыкантки вечеринки стали настоящим убежищем для угнетённой молодёжи — это отчётливо ощущается в атмосфере мини-альбома. В общем, эта музыка позволяет не только пуститься в пляс, но и задуматься о глобальной несправедливости (всё как мы любим!). К посту прикреплен сет LnHD на Acceleration Radio, где вы можно услышать и треки со Slave Instincts. Bandcamp | Spotify | Apple Music | Soundcloud #myanmar #cambodia