Российская галерея искусств 🖼

Сегодня — 150 лет со дня рождения Ивана Яковлевича Билибина. Ровно полтора века назад, 16 августа 1876 года, родился человек, подаривший нам тот самый сказочный мир — узнаваемый с детства, с первого взгляда. Тонкая чёрная линия, словно выведенная пером Жар-птицы, оживает на страницах, и мы снова видим палаты царя Салтана, царевну-лягушку и тридцать трёх богатырей. Это не просто иллюстрации — это «билибинский стиль», сплав модерна, древнерусской узорчатости и народного лубка. За ним стоит колоссальный труд: художник не выдумывал Русь из головы, а отправлялся в экспедиции на Север — в Вологодскую и Архангельскую губернии, чтобы изучить резьбу, вышивку и крестьянский быт, а потом переплавить это в свои неповторимые орнаменты. Первый успех пришёл к нему в 1899 году с «Иваном-царевичем и Серым волком». А дальше были одна за другой — «Василиса Прекрасная», «Марья Моревна», «Белая уточка». Но вершиной стали иллюстрации к пушкинским сказкам: «Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок», «Руслан и Людмила» стали настоящей энциклопедией русского стиля. И не только в книге: эскизы Билибина к операм «Садко», «Князь Игорь» и «Борис Годунов» определяли облик русской сцены в театре. Однако «билибинский стиль» значил для мастера куда больше, чем просто иллюстрирование. Это был синтез искусств: он разрабатывал всё до мельчайших деталей — от обложек, буквиц и шрифтов на страницах до эскизов театральных костюмов, архитектурных деталей декораций и даже майоликовых панно. Для Билибина не существовало «второстепенных» элементов: рамка, узор на поясе героя или орнамент наличника были такими же полноправными рассказчиками сказки, как и сама центральная сцена. 🎨 Техника Билибина — тоже новаторство. Сначала художник с помощью скошенной кисти наносил тушью рисунок, а затем заполнял его акварелью. Некоторые места не заполнял – там оставался просто белый ватман. В этом крылся гениальный практический расчет: именно за счёт такого разделения на жесткий графичный контур и локальную заливку при типографской печати рисунок передавался без потерь. Акварельные переходы не «съедались» и не смазывались в типографской машине, а белый фон придавал линиям кристальную чистоту. А линии он вел с первого раза, безошибочно, за что получил прозвище Железная рука. Но за этой внешней строгостью скрывалась душа сказочника, влюблённого в Русь до самозабвения. 🏛 Крым. Скалы. Сахарные головки. 1917 г. Ивангородский музей, Ивангород, Ленинградская область. 🏛 Микула Селянинович. 1936 год, акварель. Московский педагогический государственный университет 🏛 Иллюстрация к сказке «Сестрица Аленушка и братец Иванушка». 1901 🏛 Иллюстрация к сказке «Василиса Прекрасная», 1900 г. Василиса Прекрасная и белый всадник. 🏛 Иллюстрация к сказке «Марья Моревна», 1900 год 🏛 Палаты Дадона. Эскиз декорации к первому действию оперы Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок», 1909 г. Собрание архивов по искусству и истории, Берлин

Вчера играли с вами в арт-игру.💡 Время делиться с вами нашими рассуждениями. Во-первых, хочется сказать спасибо вам за то, что делитесь своими мыслями в наших арт-играх. За неожиданные трактовки картин, за смешные ассоциации и глубокие рассуждения. 💡Итак! Две видны отчетливо, а еще две — едва заметные, призрачные. Всего 4! Это не ошибка художника, а сознательный мистический прием. Полотно посвящено узнице Петропавловской крепости, погибшей во время наводнения. Призрачные руки — это ее «второе я», душа, уже покидающая тело. Всем отличных выходных, друзья!

Пятница — время играть в арт-игру!💡 Сегодня задание для супервнимательных! Написанное почти полтора века тому назад произведение Константина Флавицкого «Княжна Тараканова», оно и теперь волнует зрителя драматизмом сюжета и мастерством исполнения. На полотне Флавицкий изобразил каземат Петропавловской крепости, за стенами которой бушует наводнение. На кровати, спасаясь от потоков воды, прибывающей в зарешеченный оконный проем, в полуобморочном состоянии стоит, прислонившись к стене, молодая женщина. Ее поза, воскового цвета лицо, полузакрытые глаза – все говорит о том, что она вот-вот потеряет сознание и рухнет в воду. 💡Самая известная картина Флавицкого обладает удивительным секретом: при внимательном рассмотрении можно увидеть, что у княжны... ⁉️Сколько рук вы видите? ✍🏻 Пишите свои версии, даже самые, на ваш взгляд, забавные, это будет даже интересней! А уже завтра утром узнаем правильный ответ! Ставьте реакции, делитесь с друзьями, ведь вместе играть веселее! 🔥 - люблю играть вместе с вами! ❤️ - класс, всегда узнаю что-то новое! 🏛 Константин Флавицкий. Княжна Тараканова. 1863 Государственная Третьяковская галерея.

Существует расхожее мнение, что визуальное искусство южных стран непременно яркое, с сочной палитрой чистых цветов. Иногда эти представления даже распространяются на сюжеты: кажется, что в солнечной стране и рассказанные искусством сюжеты должны быть непременно счастливыми, радостными, позитивными. Латинская Америка — это обязательно буйство тропических красок, а Россия — вечные серые пейзажи и тоска? Эти стереотипы разбиваются при первом внимательном взгляде на историю искусства. Недавно мы предложили вам попытаться понять, какая из двух картин написана художником из Латинской Америки. 🤔Проверьте ход своих мыслей: Девушка с розами – это «Испанка в зеленом» Александра Головина, написанная в 1906-1907 годах и хранящаяся в Русском музее. А дама в белой шляпке – работа кубинца Рохелио Лопеса Марина, созданная в 1974-м. Она называется «В моей жизни (Портрет Буэли) и храниться в Музее изящных искусств Кубы. Как видите, по цветовой палитре и настроению модели распознать, где чья живопись невозможно. ❓Почему так? Та живопись, которую мы знаем, пришла в Латинскую Америку, как и в Россию из Европы в виде Академий художеств, где обучали по единым европейским стандартам. Поэтому в XIX веке и Императорская академия изящных искусств в Бразилии, и, например, Академия Сан-Карлос в Мексике строго следовали правилам Рима и Парижа. Латиноамериканские мастера исторической живописи писали масштабные полотна, используя глубокие тёмные фоны, коричневые лессировки и сдержанную, суровую гамму. Никакого тропического буйства — только строгий академический драматизм. 🎨Цветовая палитра в классической живописи определялась требованиями жанра и вкусом заказчика, а не климатом за окном мастерской. Откуда же взялся такой стереотип? Ожидание яркого цвета от Латинской Америки сформировали несколько условий: 🏞️Природный свет и ландшафт. В тропических и субтропических широтах инсоляция выше, а окружающая среда предлагает контрастные открытые цвета, что естественно влияет на колористическое чутье художников. 🥻Доколумбово наследие и народные традиции. В традиционном текстиле, керамике и масках исторически использовались чистые пигменты. Модернисты XX века ⚡Диего Ривера, Фрида Кало, Тарсила ду Амарал — использовали этот фольклорный цвет как инструмент поиска национальной идентичности. ☝🏻Избирательность культурного экспорта. За рубежом регион долгое время ассоциировался с мурализмом, экспрессивной фигуративностью и нативизмом. За кадром массового восприятия долго оставалось конкретное искусство Аргентины, Бразилии или Уругвая, где художники часто работали со строгой, почти монохромной палитрой. В качестве иллюстрации показываем живопись в тонкой сдержанной палитре. 🏛Аргентина - Клоринда Санна, Луч света, 1911, Национальный музей изящных искусств, Буэнос-Айрес, Аргентина 🏛Доминиканская республика – Дарио Суро, Пейзаж с дождем, 1940, Музей Беллапарт, Санто-Доминго, Доминиканская республика 🏛Уругвай – Хоакин Торрес Гарсия, Натюрморт, 1947, Национальный музей изобразительных искусств, Монтевидео, Уругвай 🏛Перу – Марио Уртеага Альварадо, Поимка скотокрада, 1940, Музей искусств, Лима, Перу

Сегодня предлагаем вам мысленный эксперимент! Перед вами две картины. Как вам кажется, какая из них написана русским живописцем, а какая латиноамериканцем? Это не загадка, а просто возможность проследить, как работает наше восприятие искусства. 💡Ответ и интересный рассказ – буквально через несколько часов.

Сегодня, 12 августа, Россия отмечает День Военно-воздушных сил — профессиональный праздник всех, кто связан с военной авиацией. ✈️ Александр Дейнека не просто писал самолёты — он бредил небом. Он называл свою эпоху «временем любви к авиации» и признавался, что полёт навсегда изменил его оптику. Зимой 1920 года под Курском, поднявшись на «Фармане», он вдруг увидел родные снежные поля не как плоский пейзаж, а как грандиозную панораму, залитую солнцем. Этот переворот в сознании заставил его переписать законы пространства в искусстве. С тех пор небо стало его главной мастерской. Гидропланы, стремительные силуэты истребителей, лица лётчиков, смотрящих ввысь, — Дейнека создал свой собственный воздушный пантеон, который бережно сохранен для вас в собраниях ведущих музеях страны. И когда наши двери откроются, вы увидите это своими глазами. В экспозиции «Дейнека!» — целый раздел, посвящённый авиационной теме. Мы собрали самые яркие произведения, где Дейнека исследует небо как стихию: от кабины пилота до высоты птичьего полёта. Среди них — «Самолеты над городом», «Истребители», «Самолеты над морем», «Гидропланы» и другие. Его работы — не просто хроника авиации. Это попытка запечатлеть само чувство полёта: головокружительную свободу, холод стратосферы и восторг перед бескрайним простором. Мы покажем их в нашем новом пространстве Российской галереи искусств — там, где небо и море встречаются так же естественно, как на полотнах Дейнеки. Сегодня мы отдаём дань уважения тем, кто сегодня охраняет небесные рубежи. Лётчики, штурманы, инженеры, техники, ветераны. Пусть ваша высота всегда будет покорена, а небо — мирным. С праздником, друзья! 🏛 Самолеты над городом. 1940. 🏛 Истребители. 🏛 Гидропланы. 1934. 🏛 Гидропланы над кораблями. 1934. Курская картинная галерея им. А. А. Дейнеки.

#настроениедня «Адриатическое море» кисти Ивана Титова из нашего собрания.🌊 Летом всех нас неизменно тянет к морю. И не только для того, чтобы покупаться и позагорать, подышать морским воздухом. Но и для того, чтобы глаза отдохнули от городского пейзажа, любуясь безграничным морским пространством.🌊 Именно такое настроение передаёт картина Ивана Титова «Адриатическое море» из нашей коллекции. Иван Титов — художник-пейзажист, один из тех, кто стоял у истоков советской маринистики. Он учился в Академии художеств у знаменитых мастеров — Петрова-Водкина, Тырсы, Конашевича. Но море полюбил ещё раньше: в 1921 году, совсем молодым, он пришёл добровольцем на Балтийский флот, служил в Кронштадте и там впервые по-настоящему увидел море. Флот заметил его талант и помог поступить в Академию — эту благодарность художник пронёс через всю жизнь. Море стало главной музой художника. Его привлекала вечная изменчивость волн, их движение, бесконечное разнообразие. В своих работах он создал настоящий гимн и флоту, и морской стихии: батальные сцены, походы кораблей, но больше всего — чистые морские пейзажи. 🖼 «Адриатическое море» (1977) — одно из таких проникновенных произведений. Здесь небо и вода почти сливаются, перекликаясь оттенками. Волны с шумом набегают на берег, ветер доносит свежесть. Художник не использует звуков, он говорит красками — и мы словно слышим прибой. Интересно, как построен цвет: изумрудно-зелёные волны плавно переходят в сиреневые, а небо — голубое, с белесой дымкой — контрастирует с морем. Природа будто заставляет нас гадать: будет дождь или скоро выглянет солнце? Эта недосказанность и есть главное очарование картины. 🏛 Иван Титов. Адриатическое море. 1977. Российская галерея искусств.