Современный Театр

описание

Мы в ВК - vk.com/protheatre Обращайтесь к @the_at_re по вопросам: - Заказа рекламы - Участия в образовательных программах Академии (proact.me)

← к каналу @ct_pro

8 230

подписчиков

Охват к подписчикам

6,1%

ERR

Реакции к просмотрам

0,57%

129 на 50 постов

Пересылки к просмотрам

0,74%

167

Постов в день

16,3

всего 120

Где отзываются чаще

доля реакций к просмотрам

17:00«Режиссура — это не женская профессия, во-первых, она требует фанатизма, полной отдачи себя, исключает семью, детей. Режиссёрская профессия съедает абсолютно все. Когда я вижу на приёмных экзаменах симпатичную девочку, я понимаю, что её манит какой-то флер, иллюзия, что театр — это прекрасное место, где можно творить, летать в облаках, фантазировать. На самом деле профессия режиссёра лишь на 5 процентов состоит из творческих вещей. В основном это контроль, постоянные выяснения отношений с постановочной частью, преодоление иногда непреодолимых препятствий, решение огромного количества нетворческих проблем. То есть много вещей остается за кадром. Если ты не умеешь это преодолевать, если ты не готов этим заниматься, то ничего не получится. На одном таланте, на одной экзальтации ничего не сделаешь». Екатерина Половцева6,32%
16 авг.«Сирано де Бержерак» (2018) Режиссёр: Николай Рощин Композитор: Иван Волков Александринский театр В спектакле «Сирано де Бержерак» Николай Рощин радикально переосмысляет пьесу Эдмона Ростана. Из постановки убраны историзм, большинство хрестоматийных сцен и стихотворный текст. В основе — новая сценическая редакция по современному подстрочному переводу. Режиссёр уходит от театральной иллюстративности, чтобы исследовать анатомию протеста: от романтики и утопии до неизбежной усталости. Главный вопрос — возможен ли бескомпромиссный герой здесь и сейчас? Очищенный от декораций эпохи, классический конфликт теряет пафос, но максимально заостряет свою суть. Заглавную роль исполняет Иван Волков, выступающий в спектакле не только как актёр, но и как композитор. Евгения Тропп: «Трудно объяснить природу обаяния героя Волкова. В нём нет яркости. Этот "гасконец" скорее погружён в себя, чем темпераментен и блестящ. Он говорит отрывисто, чуть гнусаво (ну да — в нос!), в голосе — гортанные ноты. Небытовые подъёмы интонации, несмотря на то, что текст прозаический, отсылают к манере поэтов читать свои стихи. Даже, может быть, не поэтов вообще — а определённого поэта, умершего в Америке и похороненного в Венеции. Этот независимый гордец, заявляющий, что выбрал самый простой путь в жизни — быть "восхитительным всегда и во всем", на самом деле сосредоточен на собственной душевной боли. Одиночество героя чувствуется почти физически, хотя он окружён товарищами, которые пытаются сочувствовать — но понять его не могут... Актёру удается играть объём: очевидна огромная душевная сила его героя, его глубина, — но при этом в трактовке Волкова и Рощина очень существенны иронические ноты. Вызывающие асоциальные выходки Бержерака, его отрицание — и серьёзны, и одновременно нелепы. И сама нелепость протеста подкупает, трогает. Только так — с жалким молотком в руке, с дурацким наклеенным носом — и стоит выходить одному против всех. Чтобы быть раздавленным, но непобеждённым».3,24%
15 авг.Как говорится: «Каждый человек видит в Дориане Грее свои собственные грехи».2,96%
21:31В Театре Панова в сезоне 2026–2027 появятся «Огород» Мулькова и «Недоросль» Шкаева Сегодня, 18 августа, в Архангельском Молодёжном театре (Театре Панова) прошёл сбор труппы. Художественный руководитель Виктор Панов и директор Анастасия Панова-Малевинская рассказали о планах театра на 51-й сезон. Хотя сезон 2026–2027 в Театре Панова откроется лишь 12 сентября, три премьеры запланированы на осень, и работа над ними началась уже сейчас. «Для нас 51-й сезон — первый после большого юбилея — станет своего рода новым началом, обращением к новым (или, по крайней мере, менее привычным для нас) театральным формам», — говорится в публикации на сайте театра. Первой премьерой станет спектакль Дмитрия Мулькова «Огород». Ученик Анатолия Праудина, один из самых востребованных сегодня молодых режиссёров, Дмитрий Мульков сотрудничает с Театром Панова впервые. Вместе со своим частым соавтором, драматургом Артёмом Казюхановым, он, как сказано в анонсе, создаёт «многоплановую историю: там и отношения человека с землёй, и с историей своей семьи, и связь поколений, и образ будущего, и надежда на спасение». Премьера в любимом Мульковым формате документального театра будет представлена архангельским зрителям 30 сентября. Параллельно с работой над «Огородом» идут репетиции пластической постановки «Весна священная». Хотя автор спектакля, артист Театра Панова Антон Чистяков, и обращается к одноимённому сочинению Стравинского как отправной точке для создания постановки, отчасти она будет перекликаться с «Огородом» как опыт исследования собственных «корней»: второй источник вдохновения авторов премьеры — «аутентичность северной деревни». «Постановка с участием наших артистов и приглашённых танцовщиков станет итогом театральной резиденции, которая состоялась в июле в деревне Чакола Пинежского района», — поясняет театр. А в октябре к популярному сегодня формату «театр в школе» обратится штатный режиссёр Архангельского Молодёжного Филипп Шкаев. «Недоросля» Фонвизина в его интерпретации будут играть для учеников 7-9 классов непосредственно в городских школах. Любопытно, что участник этой работы Илья Глущенко вернётся к своей давней роли: около тридцати лет назад он уже играл Митрофанушку в другой постановке Архангельского Молодёжного. Источник: «Театръ».2,25%
17 авг.Юрий Норштейн о фильме канадской художницы Кэролайн Лиф «Улица»: «Я не знал этого имени — Кэролайн Лиф. Для меня её фильм „Улица“ был абсолютным открытием и неожиданностью, поскольку ничего подобного в мультипликации до неё никто не делал. Это было другое мышление. Вспоминаю восторг Хитрука, когда он посмотрел этот фильм, сделанный человеком, который очень хорошо усвоил изобразительные уроки. Причём я не думаю, что Кэролайн Лиф хорошо знала русское искусство, авангард или, предположим, графику Фаворского. Она, наверное, питалась чем-то другим, но во многом сам её подход к белому экрану, к пятну, к пластической форме, к моменту разделения пространства на белое и чёрное, на белую форму и чёрную форму — это удивительно. Я не случайно об этом говорю, поскольку фильмы, предшествовавшие её, может быть, самому лучшему фильму „Улица“, были построены вот на этих чёрно-белых соотношениях. И это сделано просто потрясающе. Я могу только вспомнить Фаворского, больше никого, кто бы так тщательно работал над белым пространством. И, кроме того, Кэролайн Лиф очень внимательно прислушивается к миру. От звучащего слова до самого простого жеста. В той же самой „Улице“ — идёт мальчик, подбрасывает мяч. Какое точное видение состояния персонажа. И именно ребёнка. Вообще этот фильм, помимо того, что он открыл совершенно иные живописные качества экрана, абсолютно безупречно сделан психологически. Может быть, здесь повлияло качество литературы. Я не читал сам рассказ, но, думаю, что вполне возможно, повлияла литература, какие-то подробные психологические описания. Да это, в конце концов, не важно, чем питается автор, важно, как он усвоил эти уроки. Кэролайн Лиф — это поразительное сочетание живописных свойств экрана, открытых ею же, и способности погрузить эти свойства в точные психологические условия. Или наоборот — как хотите. Это было самым большим открытием. Во всяком случае, для меня это было самым большим впечатлением. Ну, и, кроме того, как мне кажется, она открыла в мультипликации иную психологическую стихию. Петров в фильме „Корова“ открыл для мультипликации Платонова. Я считаю, что это его лучший фильм, и полагаю, что он наверняка воспользовался уроками Кэролайн Лиф. Только по-другому. Своё абсолютно безупречное рисование — так в мультипликации мало кто рисует по качеству — он соединил с платоновским словом, и получился такой результат. Кэролайн Лиф не старается рисовать, как потом рисовал Петров. И не старалась. В её задачу входило сосредоточить внимание зрителя на той точке, которая нужна. Поэтому она буквально вытаскивала из экрана только то, что ей нужно. Всё остальное — так сказать, придаточное предложение, на это никто не должен обращать внимание. И она с этим, по-моему, справилась потрясающе».2,20%
09:01Театральные эскизы Ивана Билибина интересно рассматривать вблизи: ведь это почти техническая документация будущего спектакля. Работа обычно шла в два этапа. Сначала Билибин делал утилитарный набросок, определяя силуэт и устройство костюма, затем — подробный эскиз, где особенно тщательно прорабатывал крой, орнаменты, головные уборы и аксессуары. Рядом появлялись многочисленные пометки для портных и бутафоров. Художника интересовало не только, как костюм выглядит на бумаге. В специальных схемах он показывал, как тот меняется в движении, какие детали будут заметны зрителю из партера, а какие — с верхних ярусов.1,59%
16 авг.«Современный театр» ищет авторов для нашего сообщества Нам важны не просто тексты — нам нужны люди, которым есть что сказать. Про театр, про культуру, про талант. Кто умеет писать по делу и со вкусом. Что мы ждём: — сильный русский язык (без канцелярита и штампов); — умение размышлять; — готовность писать регулярно (количество смен обсуждаемо). График гибкий, локация — где угодно. 💬 Честно: мы независимы. Это значит — у нас нет гонорара, способного изменить жизнь. Оплата сдельная. Но у нас есть живое сообщество, диалог, участие в образовательных курсах, уважение к авторству и возможности роста. Если это интересно — напишите: @the_at_re Мы попросим заполнить анкету, расскажем, как устроено всё внутри. Примем тестовую смену и двинемся дальше — если совпадём.1,58%
16 авг.«На самом деле метод Станиславского – это непрерывный, бесконечный поиск живой дрожи живой материи, поиск великих секунд живой жизни живого человеческого чувства, живой человеческой мысли. Многократное повторение слова "живой" не есть стилистическое косноязычие. Это суть искусства. Обнаружение, создание, рождение новой жизни, новой реальности, более концентратной и более остро говорящей о жизни, чем сама жизнь». Лев Додин из предисловия к «Открытой педагогике» Вениамина Фильштинского Несмотря на то, какие трансформации успел претерпеть театр с того времени, как Станиславский составлял свои ключевые принципы, эти тезисы и идеи до сих пор остаются основополагающими. А метод действенного анализа — одним из рабочих инструментов современного режиссёра. Если вы хотите понять, в чём заключается принцип его работы, присоединяйтесь к новому потоку нашего курса «Застольный период методом действенного анализа».1,57%
17 авг.#мюзикл_драматичен «Пушка», «Театральный проект 27», Санкт-Петербург, режиссёры — Маша и Илья Додылины. Композитор — Илья Додылин, авторы либретто — Маша и Илья Додылины. Драматургической основой постановки стала оригинальная пьеса Маши и Ильи Додылиных, основанная на романе Юрия Тынянова «Пушкин», воспоминаниях лицеистов, творчестве Александра Пушкина и исторических анекдотах. Спектакль вырос из эскиза, показанного в 2024 году на лаборатории VII Большого Детского фестиваля в Петербурге. Что в спектакле заслуживает внимания и почему внимания заслуживает он сам: — Рэп — не чужеродный элемент, а мостик между двумя эпохами. Маша и Илья Додылины довольно давно и плотно работают с форматом рэп-театра и эстетикой хип-хоп-культуры. С одной стороны, такой смелый синтез вызывает живой интерес у подростков — непосредственно целевой аудитории «ТП 27». С другой — таким образом авторы проводят параллель между Пушкиным и современными рэперами, показывая, что по своей дерзости и энергии Александр Сергеевич, сделавший литературу поистине народной, ничуть не уступал Oxxxymiron'у* и Хаски. — Пушкин и другие лицеисты — не плоские фигуры из учебников литературы, а живые люди, испытывающие те же чувства, что и мы, живущие спустя пару столетий. Через сцены с первыми неуверенными попытками признаний в любви и тревожные размышления молодых людей о собственном будущем авторы ещё больше сократили дистанцию между нынешними тинейджерами и юношами 19-го века. И, конечно, абсолютно располагает к себе не только обаяние артистов и самих героев, но и хорошее чувство юмора: ирония точно была не чужда Пушкину и его товарищам, и в спектакле много смешного — и при этом современного, адекватного взгляду сегодняшних зрителей разных поколений. — Молодость и драйв актёров. Большая заслуга в той самой внутренней динамике истории во многом принадлежит самим артистам. Исполнителю роли Пушкина Арсению Захарову на момент премьеры было всего 17 лет, но юность вовсе не стала помехой в том, чтобы в полной мере передать всю глубину характера своего персонажа. Александрина Шаклеева: «На сцене только три школьные парты, расписанные баллончиками. Их постоянно перемещают, переворачивают, как блоки детского конструктора, создавая новые локации — то школьный кабинет, то сценический помост. Одетые в стильные костюмы с вышивками лир на спине (художник по костюмам Анна Зудина), напоминающие наряды айдолов из K-pop-групп, молодые парни читают тексты о юности, системе и будущем России. Круг тем, поднимаемых в текстах, не строится на точных совпадениях с биографией Пушкина, но строго определён его интересами и обстоятельствами жизни. Написать про юного Пушкина рэп-мюзикл кажется отличной идеей. Чем мог бы заняться горящий свободой классик, родись он в наши дни? Конечно, стать рэпером. Жанр даёт возможность показать и неуёмную юношескую энергию, и протестный дух, и нежную поэтическую ранимость, приближая забронзовевшего классика к сегодняшним подросткам. Выделить в эскизе отдельные актёрские работы невозможно: все существуют как единый организм, ни на секунду не выпадая из действия, вне зависимости от того, солируют они в данный момент или стоят в массовке». *признан минюстом РФ иноагентом.1,33%
16 авг.«Чеховъ. Ивановъ. Слова. Слова. Слова» По мотивам пьесы Антона Чехова «Иванов» Режиссёр: Сергей Женовач Художник: Александр Боровский В спектакле заняты Алексей Вертков, Андрей Шибаршин, Александр Суворов, Никита Исаченков, Юрий Горин, Татьяна Волкова, Алёна Семёнова, Анна Саркисова Студия театрального искусства Премьера состоялась 21 февраля 2026 года Спектакль завершает своеобразный диптих: сезоном ранее в СТИ вышел «Чеховъ. Вишневый садъ. Нет слов!» с Иваном Янковским и Ольгой Калашниковой в главных ролях. Оба спектакля созданы Женовачем и Боровским на основе уплотнённых текстов пьес, только в первом спектакле выразительным средством стали не слова, а говорящие паузы и тишина. Необычное название спектакля не только отсылает к шекспировскому «Гамлету», подчёркивая экзистенциальное родство героев, но и служит ключом к режиссёрскому решению. Вместе со сценографом Александром Боровским Женовач радикально перекомпоновал классический текст, превратив основное действие в предсмертный поток воспоминаний Иванова. На протяжении всего спектакля Иванов неподвижно лежит на диване в строгом фраке. Он становится безмолвным слушателем — принимает на себя нескончаемые «слова, слова, слова» окружающих, их упрёки, признания и суету. И лишь в самом финале, когда герой остается один на один со зрительным залом, он произносит свой единственный масштабный монолог, сотканный из разрозненных реплик. Критик Дарья Шанина о сценографии в спектакле: «Главный соавтор Женовача, художник Александр Боровский, проделывает в "Иванове" любопытный визуальный трюк. Пространство спектакля, как всегда у Боровского, лаконично, эстетично и символично. Чёрный космос, огромные двери благородного бордового дерева справа и слева, а по центру — печь с диваном, "облачённые" в ласковый молочный. И точь-в-точь в такие же молочный, бордовый, чёрный (вечная триада "жизнь — любовь — смерть") облачены герои. Они настолько цветово сопряжены с пространством, что кажется, уже неотделимы от него. Отделимы, выпуклы, буквально осязаемы здесь только… слова».1,27%
17 авг.«Профессия режиссёра состоит из ряда всем известных этапов, начиная с работы над текстом. Когда мы учились у Завадского, он как-то позвал нас с сокурсником домой и три часа разбирал две строчки сцены Смердякова и Ивана из "Братьев Карамазовых". Это оказалось самой сильной и серьезной учебой, я получил больше, чем за все годы, было полное впечатление, что ты слепец, который начинает чувствовать сперва строчки, а потом то, что за ними. Законы композиции, пространства - это правила, их надо знать. Тем более если индивидуальность режиссёра такова, что он собирается эти правила нарушать. Никакой Пикассо и Кандинский не были бы собой, если бы не прошли каторгу школы. У нас в ГИТИСе был прекрасный педагог Левертов, тоже нарушитель правил. И он всегда говорил: "Школа должна быть консервативной". Мне кажется, что сейчас утрачен интерес к этому консервативному процессу, к проникновению в произведение. У меня есть, например, собственные "приколы", я знаю, что лично мне надо много на что ответить, прежде чем начать "щупать" спектакль. При этом интуицию свою я не убиваю, она идет параллельно. Вообще любая система нужна только для того, чтобы начала работать интуиция» Алексей Бородин 21 сентября начнём учиться задавать вопросы самому себе под руководством Ивана Стависского на пятом потоке курса «Застольный период методом действенного анализа». Приходите прокачивать свою интуицию!1,24%
12:26Александр Пушкин видел Екатерину Семёнову на сцене и особенно ценил в ней свободу игры, ясность и «благородство одушевлённых движений». При этом Семёнова вовсе не была актрисой, игравшей исключительно на вдохновении: она внимательно работала с голосом, интонацией, жестами, брав всё лучшее у своей соперницы мадемуазель Жорж, постепенно формируя из этого собственную манеру игры. Современники говорили о её умении жить внутри образа. В «Танкреде» Вольтера даже тщательно выстроенная Николаем Гнедичем музыкальность стиха становилась у Семёновой частью живого переживания: её голос мог переходить от шёпота к угрозе, движения хоть и оставались мягкими, но внутреннее напряжение героини нарастало от сцены к сцене. Она заставляла зрителя сопереживать — и это было важнее эффектной декламации. К изданному Гнедичем переводу «Танкреда» им же был послан портрет Семёновой с восторженным мадригалом: Любимица бессмертной Мельпомены! В России первая успела ты открыть Искусство тайное, как сердцу говорить; Твои черты — потомству драгоценны. То же происходило и в «Ифигении в Авлиде», переведённой на русский язык близким приятелем Гнедича Михаилом Лобановым. Играя Клитемнестру, Семёнова превращала величественную царицу прежде всего в страдающую мать — так, что даже один жест, протянутые к уводимой на казнь дочери руки, воспринимался современниками как «живое изображение природы». Пушкин же отмечал, что актриса «одарённая талантом, красотою, чувством живым и верным <...> одушевила измеренные строки Лобанова». В устах Пушкина, воспевавшего «душой исполненный полёт» в русском искусстве, это звучало как высшая похвала. О Екатерине Семёновой и других великих артистах Александр Платунов рассказывает в курсе «Люди и страсти русской сцены». Подробнее о курсе.1,08%