Jazzed!

А еще через год Билл вместе с басистом Скоттом ЛаФаро и барабанщиком Полем Моушеном организовал собственное трио. Это трио изменило представления о классическом джаз-трио (jazz trio, или piano trio). Трио Эванса стало больше, чем камерный жанр, «группа поддержки» -контрабас и ударные- стали в нем самостоятельными и каждому дали свое место и пространство для импровизации. Музыканты очень тонко чувствовали друг друга, были настроенные на одну волну. Имели огромный успех у зрителей. ЛаФаро погиб в автомобильной катастрофе. Это был страшный удар - Эванс долго не мог прийти в себя, на год ушел со сцены. Он серьезно думал совсем уйти из музыки. Sunday at the Village Vanguard session by the Bill Evans Trio, from June 25, 1961 at New York's Village Vanguard documenting Evans' first trio with bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian. Тяжело переживая смерть друга, он все же нашел силы и смог вернуться в музыку, создать новое трио и записать десятки альбомов. Bill Evans Live '64 '75 Билл Эванс однажды сказал, что музыканту нужно уметь удерживать в уме сосредоточенность на одном звуке как минимум пять минут, что бы произошла магия. Сам он играл так, что достигал почти мистического погружения в музыку-состояния глубокой, почти медитативной, чистой концентрации. В его музыке есть все: тема, мелодия, интонация, фраза, особый эвансовский звук и пространство. Этим он уникален. Nardis 1979 Сегодня хочется вспомнить Билла Эванса и послушать еще один из любимых мной альбомов: Alone (1968). В альбоме он использовал мелодии самых известных песен из репертуара Барбары Страйзанд и других звезд, создал импровизации, в которых эти мелодии звучат необычно-лиричные, утонченные. Тут я, пожалуй, остановлюсь, что бы позже снова вернуться к его жизни, его музыке…

Сегодня у нас великолепный повод тряхнуть стариной! 97 лет назад, 16 августа 1929, родился Уильям Джон Эванс(William John Evans). Билл Эванс-музыкант, композитор и аранжировщик, один из лучших и влиятельных пианистов ХХ века, тридцать один раз номинированный на "Грэмми", семь раз ее получивший. Билл Эванс внесен в джазовый пантеон славы и один из астероидов носит его имя. Родители Билла- невероятный союз людей, которые никогда бы не встретились, если бы буйные ветры революций и перемен 19 века не закинули бы их семьи из восточной Европы и Англии в Штаты. Билл родился в городе Плейнфилд штата Нью-Джерси. Он сын нежной, умной и певучей мамы Марии Сороки, карпатской русинки, и папы- грубоватого, хозяйственного, музыкального валлийца с корнями из Уэльса-Харри Эванса. Воздух семьи, в которой Билл был четвертым ребенком, наполнялся музыкальным фольклором двух культур: со стороны матери – украинскм, со стороны отца – валлийским. Билл пошел в маму- был хрупким очкариком с великолепным слухом. Семья Эвансов совсем не бедствовала- отец управлял полем для гольфа и хорошо зарабатывал. Дети получали уроки гольфа и частные уроки музыки. Невероятно, но Биллу было только семь лет, когда он освоил скрипку, а потом еще и флейту и пикколо. Но все же любимый его инструмент, дававший «кристальной чистоты звуки» - это фортепьяно. Учителей поражала легкость, с которой Билл освоил нотную грамоту и игру с листа- он с удовольствием играл польки, песни, марши и классику, влюблялся в произведения и композиторов. В колледже Эванс серьезно изучал классику: Баха, Брамса, Моцарта, Бетховена, Шумана, Рахманинова, Дебюси, Равеля. Тут же он он доводил до «белого каления»своих педагогов тем, что прекрасно владея нотной грамотой, не играл точно по нотам, а где-то рядом, немого уходя куда-то в сторону. Билла никто не учил импровизации, он делал это интуитивно. И когда он играл в школьном оркестре, то легко осваивал аранжировку и тут же добавлял что-что от себя. Как и многие дети этого поколения, он впервые услышал джаз по радио и влюбился в него со всей своей страстью к музыке. В последних классах школы Билл запустил учебу, играл только джаз, стал подрабатывать на танцах, свадьбах и вечеринках. И собрал свое первое трио с контрабасом и ударными. Он жадно искал джаз повсюду: скупал пластинки-от Коулмена Хокинса, Ёрла Хайнса и до Декстера Гордона, сбегал в Нью-Йорк, послушать знаменитые оркестры. В семнадцать лет он всерьез занялся учебой - поступил в луизианский музыкальный колледж в Хаммонде, не далеко от Нового Орлеана. Через несколько лет получил там степень пианиста и стал гастролировать с разными группами. Три года Билл служил в армии. Образование позволило ему стать участником оркестра Fifth Army Band, который был расквартирован в Чикаго. В армии подсел на наркотики. Эта зависимость мучила и лишала его сил всю жизнь. Через несколько лет произошли встречи и работа, навсегда изменившие его жизнь: работа с Майлзом Девисом, а после- трио с басистом Скоттом ЛаФаро и барабанщиком Полем Моушеном. О том, как он попал в коллектив к Майлзу Девису существует много историй. У Билла Эванса была своя версия: «Честно говоря, я никогда с ним лично не встречался, но однажды дома у меня зазвонил телефон, я снял трубку и сказал привычное «хэллоу». В ответ я услышал: - Билл, это Майлз, Майлз Дейвис. Как насчет того, чтобы сыграть уикенд в Филадельфии?» «Я почти грохнулся в обморок,- вспоминал пианист. – Я сыграл с ними уикенд в Фили и Майлз попросил меня остаться.» Билл Эванс принял участие в нескольких концертах и записях с Майлзом и покинул секстет. Поговаривали, что это было также связано с недовольством черных музыкантов тем, что белый парень «забирает их хлеб». Все может быть. Опыт этой работы для Билла был ценным и сделал его известным. Кстати, Майлз рассказывал, что именно Билл Эванс открыл для него Рахманинова и Равеля и подарил ему диск Арама Хачатуряна, который потряс трубача. Хотя Эванс не долго играл с Девисом, но и свое влияние на Майлза тоже оказал. My Funny Valentine (Album Version) · Bill Evans

Большой праздник сегодня - 16 августа 1929 года родился один из величайших джазовых пианистов и композиторов Билл Эванс. Ниже сброшу пару отличных заметок о нём.

https://album.link/i/805570293

https://open.spotify.com/album/5BTwfvHHvL0oHdJKwD7Dqn?si=c4TN_jrpQrGBmFFDOr0OOg&utm_source=copy-link&sci=spotify%3Acard-config%3A1urTpUoi59YFbmTpmeMt8b

Его манера подачи материала была весьма разнообразна. Обвинять его в однообразии было бы кощунством.. К примеру пауза в его игре ценна не потому, что он больше ничего не придумал на данный момент, наоборот, она всегда была у него "вкусная".. Да, Арт Тейтум был для него всегда примером для подражания.. Почти та же пугающая техническая свобода, фантастическое владение гармонией, способность мгновенно менять фактуру и ощущение, что технической границы у инструмента практически не существует. Когда слушаешь Тейтума, временами возникает ощущение, что у него гармония постоянно растворяется и собирается заново. Но Питерсон всё-таки не Тейтум номер два. Питерсон значительно сильнее, он привязан к внутренней энергии, или, как бы ни нравилось некоторым моим коллегам данное слово, к качу..)) И вот здесь по моему и находится главное недоразумение которое создалось вокруг Питерсона. Некоторые слушают его не только ушами, но и глазами. Особенно начинающие пианисты. Но, мои дорогие лабухи, можно выучить пассаж от Питерсона, можно вообще полностью "содрать" его импровизацию, лазить возле экрана монитора с лупой, рассматривая работу его пальцев, выставить метроном на тот же темп. И.. И фигвам.. Ничего не получится.. А почему? А потому что его техника никогда не была просто "фортепианным спортом". К тому же спортивная техника заканчивается там, где упражнение уже выполнено. А у Питерсона техника только там начинается.. Но история приготовила для этой дискуссии весьма жестокий эксперимент. В 1993 году Питерсон перенёс инсульт. При этом особенно серьёзно была задета левая рука. Для человека, чья левая рука была почти продолжением его мозга, трудно придумать более страшный удар. Психологически Оскар уже почти попрощался с ремеслом пианиста, но друзья и близкие убедили его не сдаваться.. Начались долгие и мучительные сеансы физиотерапии, занятий по моторике и т. д. Примерно через четырнадцать месяцев он снова вышел играть на сцену. Естественно, что полностью прежняя функция левой руки не вернулась, и поэтому поздний Питерсон уже физически не мог пользоваться всем тем техническим арсеналом, которым располагал ранее. Критик Джон Макдоно как-то вспоминал в одной из своих статей, как на одном из концертов лишь спустя некоторое время после начала понял, что пианист практически не использует левую руку — настолько много исполнительской работы выполняла правая. И вот здесь спор можно было бы в принципе заканчивать.. Потому как судьба буквально отняла у Питерсона значительную часть того, за что его столько лет одновременно обожали и критиковали. Часть технической свободы. И что осталось? Остался Оскар Питерсон. Человек, способный выйти к фортепиано уже с ограниченными физическими возможностями и всё равно быть на высшем уровне мастерства.. Он прекрасно понимал, что играет уже не так, как ранее. Но сформулировал для себя очень простой критерий: пока оставшихся средств достаточно, чтобы выразить музыкальную мысль, разговор имеет смысл быть.. Я полагаю, это лучший ответ на претензии о "холодной машине". М-да.. Возможно, никакой "проблемы Оскара Питерсона" в действительности и не существовало. Существовала другая проблема. Наша привычка считать, что техника игры обязательно должна сопровождаться ограничением. То есть, если музыкант играет одну ноту — мы готовы искать в ней вселенную. А если играет сорок — начинаем подозревать у него отсутствие вкуса. Если техника незаметна — говорим о содержании. Ну а если техника феноменальна, но выносится на свет божий — осуждаем это.. Питерсону не повезло: его мастерство было слишком выдающимся, чтобы его можно было просто не замечать. И да — Майлз в отдельных своих претензиях вовсе не прохрипывал ерунду. Ибо Майлзу - майзлово, а Питерсону - своё.. Но в первую очередь хорошо от этого нам, ведь каждый из них понимал джаз по-своему..)) Хорошего вам дня..)) 🎶

Причём эти обвинения преследовали Питерсона практически всю его карьеру. В 1969 году французский журнал Jazz Hot, признавая за ним почти все качества великого джазового музыканта, всё же упрекал Питерсона в недостатке той самой творческой глубины, которую критики находили в музыке Армстронга, Тейтума, Бада Пауэлла, Паркера или Колтрейна. Позднее Питерсону приходилось слышать про себя и ещё более жёсткую формулировку: "холодная машина". Очень странная история. Потому что если машина действительно существовала, то конструкция у неё была явно выдающаяся. У Питерсона была колоссальная независимость пальцев, исключительно ровная артикуляция, громадные аккордовые структуры и потрясающая левая рука, которая в некоторых пассажах могла двигаться почти с той же свободой, что и правая. Его импровизации иногда действительно производят впечатление непрерывного потока: одна фраза ещё не закончилась, а следующая уже стоит в дверях и спрашивает, в какой карман вам доктор положить конвертик.. (Извиняюсь, немного отошёл от темы..). К примеру, пианист Итан Айверсон очень точно отмечал важнейшие элементы его исполнительской подачи: калиброванное туше, крупные voicings, постоянное присутствие блюза и почти безостановочную фразировку. И здесь у меня возникает вопрос: А когда именно такое владение инструментом стало недостатком? Мы почему-то довольно спокойно относимся к тому, что скрипач должен безупречно владеть скрипкой, оперный певец — голосом, классический пианист — фортепиано.. Но в джазовой среде иногда появляется странная оговорка. Типа, техника, конечно, нужна. Только, пожалуйста, чтобы её было не слишком много. В нашем случае её не заметить было невозможно. У рояля 88 клавиш, и временами складывается ощущение, что Оскар считал просто невежливым оставлять значительную их часть без своего внимания и обожания (о моя дорогая си-бемоль во второй октаве..). Но всё-таки обвинять его только в количестве сыгранных нот — какое-то пигмейство.. Потому что проблемы Питерсона вовсе не в скорости. И даже не в виртуозности. Проблемы гораздо серьёзнее. Он обладал настолько мощным собственным авторитетом, что подчинял ему всё вокруг. Одним из самых известных противников эстетики Питерсона был Майлз Дэвис. (Вот ни Майлза бы корова мычала, в этом отношении).. В интервью 1958 года Майлз весьма жёстко прошёлся по его версии Joy Spring Клиффорда Брауна. Ему не нравились в игре Оскара блюзовые обороты, академические пассажи, плотность композиции и главная его претензия была в том, что Питерсон почти не оставляет пространства для ритм-секции. Для Майлза пространство было частью музыки. По-другому он просто не умел дышать и думать.. Но не одним Дэвисом, как говорится, есть и другие, к примеру, Ахмад Джамал мог сыграть только несколько нот за всю композицию, и этого для кого-то было вполне достаточно.. Ред Гарланд вообще оставлял драммеру и басисту возможность вмешиваться в построение фразы.. Типа я сейчас брякну нотку, ну а вы уж как-нибудь дальше сами.. Питерсон делал всё иначе. Он сам становился главным источником пульса. Нет, не садился поверх ритм-секции. Не ехал на ней. Он сам ею был.. И поэтому его лучшие трио иногда звучат не как разговор трёх музыкантов в привычном современном понимании, а как невероятно точно собранный механизм, где фортепиано одновременно выполняет несколько функций. Неудивительно, что иногда возникает ощущение небольшого оркестра, который почему-то поместили внутрь этого клавишного инструмента.. Кстати, знаменитая замена гитариста Херба Эллиса на драммера Эда Тигпена в 1959 году тоже имеет прямое отношение к этой истории. Сам маэстро позднее вспоминал: ему очень хотелось доказать критикам, что его длинные и быстрые линии работают не только рядом с лёгким гитарным сопровождением, но и с точной ритмической структурой, которую выдаёт драммер за его спиной. Тигпена, как драммера, он выбрал в том числе и за его деликатность в игре, прекрасную работу щётками и способность не перегружать конструкцию композиции. Короче, сидит, шуршит и много не.. ...не напрягает..))

🤨 "Проблемы" Оскара Питерсона «Я хотел бы уметь делать всё, что подсказывает мне мой разум». Оскар Питерсон Сегодня Оскару Питерсону исполнился бы 101 год. И сегодня мы его обвиняем. За то что он играл слишком хорошо. Слишком быстро. Слишком чисто. Слишком много. Слишком легко. В общем, состав преступления налицо. Осталось только выслушать свидетеля обвинения..))

https://album.link/i/1832450678

https://open.spotify.com/album/0S4vkHlVK0LeSj0gY0JxBt?si=z81Q7VfIRuuCouVfrJlgEA

Помимо собственного трио, Mareille Merck участвует и в других проектах швейцарской и европейской сцены. В её концертной биографии есть важный эпизод — Autumn of Music в Монтрё, где её музыка прозвучала в программе с участием John McLaughlin, Anne Paceo, Michael League, Bill Laurance и Justin Stanton из группы Snarky Puppy. В анонсах Montreux Jazz Artists Foundation среди молодых приглашённых авторов вместе с ней указаны Afra Kane, Andrew Neil Hayes, Arthur Hnatek и Jules Martinet. Это не просто случайный фестивальный выход, а уже работа в среде музыкантов очень высокого уровня. Кроме того, Merck появлялась в составах Nicole Johänntgen, участвовала в проекте SOFIA Project & Guests, играла в Peter Schärli Young Quintet вместе с Peter Schärli, Elian Zeitel, Madlaina Küng и Samuel Schärli. Её также можно встретить в составе Nicole Johänntgen 4tett — с Nicole Johänntgen на саксофоне, Stefanie Kunckler на басу и Pius Baschnagel на ударных. Здесь уже совсем другой контекст по сравнению с её проектом LARUS: не авторское трио, а участие в коллективных европейских проектах высокого уровня. Уже сейчас можно говорить о Mareille Merck как о заметном имени европейского джаза. Её карьера развивается стремительно, и впереди у неё, вероятно, ещё главные записи и проекты. Но уже сейчас становится ясно, что она музыкант с хорошей школой, хорошим вкусом и собственным гитарным стилем. P.S. Полагаю, пройдёт пять или шесть лет — и это дарование ещё очень нас удивит. Mary Halvorson и многим другим, думаю, пора приготовиться.)) Дискография: 2021 — Fadenschlag — Mareille Merck LARUS, Mons Records / SRF 2 Kultur 2023 — Stille Wasser — Mareille Merck LARUS, Bandcamp / SRF 2 Kultur 2025 — Kaleidoskop — Mareille Merck solo, Fredboard Records, co-produced with Nik Bärtsch 🎶

Например, Louis Matute — швейцарский гитарист из Женевы.. Он также связан с новой европейской джазовой генерацией, но его музыка устроена иначе. У Matute сильнее выражены латиноамериканские, бразильские, карибские и средиземноморские влияния. Он более бэндовый и ритмичный музыкант. Его музыка воспринимается как коллективный драйв, возникающий во взаимодействии с другими музыкантами. Merck в сравнении с ним звучит строже и камернее. Её интересует не столько ритмическое расширение материала, сколько само построение композиции. Если у Matute важен общий ансамблевый размах, то у Merck всё-таки важнее индивидуальная авторская речь. Silvan Joray, ровесник Merck, — уже другой тип швейцарского гитариста. Joray одновременно связан с Базелем и Нью-Йорком, записывается с сильными музыкантами и работает в формате современного джазового трио. В его музыке заметно сильнее чувствуется связь с американской джазовой традицией и технически уверенным гитарным стилем. Joray ближе к линии современного джазового гитариста международного формата. Merck рядом с ним выглядит более камерной и мелодичной. Она не строит музыку вокруг джазовой мускулатуры. У неё меньше желания выйти вперёд и показать весь свой арсенал. Её стиль мягче, но в то же время не слабее: она больше работает с формой, тембром и внутренним содержанием. Для контраста можно вспомнить и Dave Gisler. Он старше — родился в 83 году, поэтому это уже не совсем одно поколение. Но для понимания швейцарской гитарной сцены он важен. Gisler связан с Люцерном и Цюрихом, работает на стыке bebop, free jazz, noise, blues, ambient, rock и grunge. Это уже отдельная линия швейцарской гитарной сцены. На фоне Gisler Mareille Merck звучит гораздо спокойнее. У Gisler больше резкости, свободной импровизации, драйва и электрической грубости. Merck же чаще держит материал под контролем. Ей не нужно разрушать форму, чтобы показать свободу. Это не вопрос "кто лучше". Это просто разные темпераменты. Если собрать всю эту картину вместе, получается интересная расстановка. Louis Matute идёт в сторону ритма, бэнда и латиноамериканских влияний. Silvan Joray развивает линию современной джазовой гитары с сильной школой, техникой и международной, чаще североамериканской ориентацией. Dave Gisler представляет более свободную, почти джаз-роковую сторону швейцарской сцены. А Mareille Merck занимает более камерную позицию: она работает и сольно с гитарой, и в составе трио; её интересуют чистота джазовой формы, экспериментальное звучание, разнообразие музыкальных решений и авторская выразительность, которая сразу цепляет слушателя.

В 2018 году она основала своё трио Mareille Merck LARUS. Вместе с ней играют Florian Bolliger на контрабасе и Janic Haller на ударных. В 2021 году трио было номинировано на ZKB Jazzpreis. О них стали писать в джазовых изданиях, их начали приглашать на фестивали, в том числе уровня Montreux. В проекте LARUS Merck показывает себя не только как исполнитель, но и как автор. При этом нет ощущения, что группа существует только ради длинных гитарных импровизаций. Здесь гитара встроена в общую музыкальную палитру, а композиции держатся на взаимодействии трёх музыкантов. В этой музыке есть современный европейский джаз, элементы fingerstyle, иногда более плотное электрическое звучание. Но всё это не превращается в демонстрацию технических приёмов. Особенно интересен её сольный альбом Kaleidoskop. Это уже не трио, а проект для одной гитары, сделанный в сотрудничестве с продюсером Nik Bärtsch. Формат solo guitar всегда очень показателен. В данном случае Merck использует флажолеты, открытые струны, fingerstyle, иногда нестандартные настройки гитары и дополнительные звуковые приёмы с помощью "примочек", но она не делает из этого цирковой номер. При этом её музыка не требует от слушателя специальной подготовки. Участие Nik Bärtsch здесь определённо имеет большое значение. Bärtsch — выдающийся музыкант и композитор, который всегда очень внимательно относится к структуре композиции и весьма скрупулёзен в студийной работе. Сам факт его участия в продюсировании этого альбома уже можно считать серьёзным признанием Merck как музыканта. Поэтому Kaleidoskop воспринимается не просто как набор пьес для гитары, а как цельная программа. В ней важны последовательность, развитие разных жанровых решений и соотношение простого и сложного. Но чтобы лучше понять Mareille Merck, полезно сравнить её и с другими гитаристами современной швейцарской сцены. Так будет легче увидеть более полную картину развития джазовой гитары в этой среде.

Перед тем как перейти к рассказу о Mareille Merck, я настоятельно рекомендую вам начать с видео, размещённого выше. В нём она исполняет собственное произведение вместе с John McLaughlin. Это редкая возможность сразу услышать и увидеть главное: её манеру, её звук и то, как естественно она существует внутри композиции. Mareille Merck — джазовая гитаристка и композитор. Она родилась в 1996 году в немецком городе Штральзунде, выросла на острове Рюген, а сегодня живёт в Цюрихе. Формально она не швейцарка по происхождению, но по своей музыкальной биографии уже давно связана именно со швейцарской сценой. Училась в Веймаре, Люцерне и Цюрихе; среди её педагогов были Lionel Loueke, Wolfgang Muthspiel, Frank Möbus, Kalle Kalima и Roberto Bossard. Уже только по этому преподавательскому списку понятно, что её формировали не только как гитаристку, для которой техника является самоцелью, а как музыканта, думающего о звуке, форме и о том, что играть надо не только технично, но и вкусно. В детстве занималась фортепиано, позже пришла к гитаре, участвовала в конкурсах и постепенно вошла в профессиональную среду. Важная деталь: Merck не тот человек, который случайно оказался на сцене. За её игрой чувствуется академическая школа, но при этом она не пытается всё время доказывать, что "умеет шпилить". Она просто играет с таким ощущением, будто это было дано ей априори: сразу всё — слушай, наслаждайся и твори. Это дар — то ли Божий, то ли природный. Редкость, но ей он определённо дан.

🤨 "Я рад, что мне довелось встретить такого талантливого человека, как Mareille Merck. Она умна, образованна и безгранично одарена природным даром — существовать в одной гармонии с музыкой". John McLaughlin Есть музыканты, которых легко найти в любом джазовом клубе: они всегда где-то рядом со сценой, в общих компаниях, в привычном кругу фестивальной жизни. С Mareille Merck всё иначе. Она не производит впечатления человека из тусовки. Её редко увидишь там, где музыки уже нет. Она не стремится к публичности, не любит хайпа, не строит вокруг собственной персоны пиар-акций. Ей гораздо ближе студия, инструмент, работа над материалом, творчество, запись — всё то, где музыка важнее всего. Когда я пытался расспросить о ней знакомых джазовых музыкантов, многие только недоумённо разводили руками. Да, имя знают. Да, встречались на фестивалях. Да, слышали, что она очень сильный музыкант. Но близко знакомы с ней немногие. И это, пожалуй, многое о ней говорит. Mareille Merck словно существует немного в стороне от привычного джазового круга. Не из-за холодности или высокомерия, а, скорее, из-за внутренней сосредоточенности на том, чему она посвятила свою жизнь. Вот такая она, Mareille Merck: умная, образованная, одарённая и при этом удивительно непубличная. Поэтому особенно интересно попробовать приоткрыть дверь к её музыке и понять, почему в последнее время к её творчеству столько внимания.

81. Pat Metheny, Side-Eye III+ (Uniquity Music) 5.3 (3) → 82. Ben Allison - Steve Cardenas - Ted Nash, Triological (Sunnyside) 5.2 (3) → 83. Florian Arbenz - Bill Frisell - Greg Osby, Quiet Lights (Conversation Lab) 5 (3) → 84. Harry Skoler, Echoes (Red Brick Hill) 5 (3) → 85. Anthony Joseph, The Ark (Heavenly Sweetness) 4.9 (3) → 86. Ben Wolfe, Any Time After Now (Resident Arts) 4.9 (3) → 87. John Beasley & SWR Big Band, Invisible Piano (O-Tone Music) 4.8 (3) → 88. Carlos Henríquez, Monk Con Clave (self-released) 4.7 (3) → 89. Mark Lomax II & the Urban Art Ensemble, The Unity Suite (CFG Multimedia) 4.5 (3) → 90. Catherine Russell, Live at Jazz at Lincoln Center (Dot Time) 4.4 (3) → 91. Zu, Ferrum Sidereum (House of Mythology) 4.4 (3) → 92. Kris Davis and the Lutoslawski Quartet, The Solastalgia Suite (Pyroclastic) 4 (3) → 93. Asher Gamedze, A Semblance: Of Return (Northern Spy) 4 (3) → 94. Christian Lillinger, Open Form for Society II (Plaist) 4 (3) → 95. Vera Morais, Eupnea (Porta Jazz) 3.8 (3) → 96. Pat Thomas & XT, Strata, Act (Joy Contemporary) (We Jazz) 3.7 (3) → 97. John Butcher, Away, I Was (Relative Pitch) 3.4 (3) → 98. The Outskirts, Orbital (Aerophonic) 3.3 (3) → 99. Kalia Vandever, Mana (International Anthem) 3.1 (3) → 100. Julia Hülsmann Octet, While I Was Away (ECM) 3 (3) →

Мало им годовых итогов джазового года - теперь уже и полу-годовые стали трендом - некоторые критики и издания начали публикации своих лучших списков джазовых альбомов года по итогам первого полугодия. Ну что же, теперь лишний раз можно поспорить с критиками по поводу того или иного распределения мест в топах, хотя это совершенно и бессмысленно, но чем бы дитя ни тешилось... :) Ниже сброшу итоги первого полугодия одного из самых авторитетных и масштабных в мире ежегодных опросов джазовых критиков, определяющий лучшие джазовые альбомы и музыкальные открытия года - Francis Davis Jazz Critics Poll - у них своя собственная система ранжирования с начислением балов, которые проставляются многочисленными джазовыми критиками и журналистами со всего мира ( где-то около 150 человек принимают участие в опросе). Полный набор альбомов, попавших в этот список, смотрите по ссылке: https://hullworks.net/jazzpoll/26my/totals-new.php сюда я сброшу лишь первые 100, а всего же в списке около 500 альбомов - всё это послушать конечно же не возможно, но, вероятно, здесь и кроется какая-то польза всех этих опросов и списков - они служат каким-никаким компасом в океане джаза. Мои впечатления: первая десятка практически бесспорна, дальше уже идёт полный набор на все вкусы. Бросилось в глаза удивительно низкое место отличных альбомов Ндудузо Махатини, Джоеля Росса и Крис Дэвис с Лютославски квартетом, дуэт Патриции Бреннан с Сильви Курвуазье тоже недооценён, также хотелось бы видеть повыше альбомы Дейва Адевуми и Мерилин Криспелл в дуэте с Андерсом Йормином. Шабака в своей новой ипостаси не нашёл, я смотрю, много приверженцев - его альбом где-то в седьмом десятке, ну и альбом уважаемого всеми Пэта Метени расположили также далеко. И лично бы я поменял местами первое и второе место в этом списке - уж очень хорош альбом Томеки Рид. Что же, в этом году очень много хорошей, интересной и небанальной музыки - есть из чего выбирать, и этот опрос, возможно, вам поможет с поиском нового джаза. The 21st Annual Francis Davis Jazz Critics Poll: 2026 Mid-Year Итоги середины 2026 года: новые джазовые альбомы В этой категории представлены новые альбомы с новой музыкой, выпущенные в 2026 году (или в 2025 году, но обнаруженные в 2026 году), состоящие из композиций, которым менее 10 лет (записанных до или после 1 января 2017 года). Переиздания и новые альбомы со старой музыкой см. в разделе Rara Avis. Критиков попросили составить список из 10 альбомов в порядке убывания или без ранжирования (желательно в алфавитном порядке по именам исполнителей). Альбомам в списках без ранжирования присваивается по 1 баллу. Альбомам в рейтинговых списках присваиваются баллы в зависимости от места: 1: 3,0; 2: 2,4; 3: 2,0; 4: 1,8; 5: 1,6; 6: 1,4; 7: 1,3; 8: 1,2; 9: 1,1; 10: 1,0. Список отсортирован по количеству голосов (в скобках в конце строки), при этом в случае равенства голосов решающим фактором являются баллы (предшествующее число). 1. Tyshawn Sorey, Members . . . Don't! (Pi) 78.8 (45) → 2. The Tomeka Reid Quartet, Dance! Skip! Hop! (Out of Your Head) 75.1 (44) → 3. Adam O'Farrill, Elephant (Out of Your Head) 45.2 (30) → 4. Ahmed, Play Monk 40.9 (20) → 5. Ambrose Akinmusire & Mary Halvorson, Slo-Mo Neon Luminate Hoverings (Nonesuch) 32 (18) → 6. Bill Frisell, In My Dreams (Blue Note) 27 (18) → 7. Immanuel Wilkins Quartet, Live at the Village Vanguard (Blue Note) 30.5 (17) → 8. Angelika Niescier, Chicago Tapes (Intakt) 25.3 (16) → 9. Jeff Parker ETA IVtet, Happy Today (International Anthem/Nonesuch) 24.6 (15) → 10. Mark Turner, Patternmaster (ECM) 20.8 (14) → 11. Marta Sanchez, For the Space You Left (Out of Your Head) 20.7 (14) → 12. James Brandon Lewis Quartet, Omni (Intakt) 23.2 (13) → 13. Craig Taborn, Dream Archives (ECM) 22.5 (13) → 14. Joe Lovano, Paramount Quartet (ECM) 18.5 (13) → 15. The Messthetics & James Brandon Lewis, Deface the Currency (Impulse!) 17.5 (13) → 16.Dave Douglas, Transcend (Greenleaf Music) 15.9 (13) → 17. Melissa Aldana, Filin (Blue Note) 22.5 (12) → 18. Harriet Tubman & Georgia Muldrow, Electrical Field of Love (Pi) 21.9 (12) → 19. Miles Okazaki, Boomtown (Pi) 18.3 (12) → 20. Ben Wendel, Barcode (Edition) 17.6 (12) → 21. Jason Moran, Plays Duke Ellington (Yes) 22.3 (11) → 22. Michael Formanek, New Digs (Intakt) 18.1 (11) → 23. Rodrigo Amado This Is Our Language Quartet, Wailers (European Echoes) 16.9 (11) → 24. Irreversible Entanglements, Future Present Past (Impulse!) 15.9 (11) → 25. Julian Lage, Scenes From Above (Blue Note) 14.9 (11) → 26. Chris Potter, Alive With Ghosts Today (Edition) 15.4 (10) → 27. Alexander Hawkins, No Nation but Imagination (Intakt) 13.8 (10) → 28. Columbia Icefield [Nate Wooley], A Silence Opens (Out of Your Head) 15.2 (9) → 29. Virginia MacDonald, In Search Of . . . (Cellar) 11.4 (9) → 30. Cécile McLorin Salvant, With Every Breath I Take (Nonesuch) 16 (8) → 31. Maria Schneider Orchestra, American Crow (ArtistShare) 14.5 (8) → 32. DoYeon Kim, Wellspring (TAO Forms) 12.1 (8) → 33. Gregory Hutchinson, Kind of Now: The Pulse of Miles Davis (Warner) 10.7 (8) → 34.Steven Bernstein/Scotty Hard, ResoNation Trio/Ultra Resonance (Royal Potato Family) 10.2 (8) → 35. Sylvie Courvoisier Trio, Éclats - Live in Europe (Intakt) 12.2 (7) → 36. Lakecia Benjamin, We Dream (Artwork) 12 (7) → 37. Meg Okura & Pan Asian Chamber Jazz Ensemble, Isaiah (Adhyâropa) 11 (7) → 38.Martin Wind, Stars (Newvelle) 10.9 (7) → 39. Jon Irabagon, Focus Out (Irrabagast) 10.8 (7) → 40. Myra Melford & Satoko Fujii, Katarahi (RogueArt) 9.4 (7) → 41. Caroline Davis, Fallows (Ropeadope) 8.8 (7) → 42. Jason Moran - BlankFor.ms - Marcus Gilmore, Shards (Red Hook) 7.9 (7) → 43. Joel Ross, Gospel Music (Blue Note) 10 (6) → 44. Yvonne Rogers, The Button Jar (Pyroclastic) 9 (6) → 45. Phillip Golub, Partisan Ship (Berthold) 8.6 (6) → 46. Walter Smith III, Twio Vol. 2 (Blue Note) 7.9 (6) → 47. James Brandon Lewis & Lutosławski Quartet, These Are Soulful Days (2021, TAO Forms) 9.9 (5) *[Includes 1 (1) from Rara Avis] → 48. Marilyn Crispell & Anders Jormin, Memento (ECM) 8.4 (5) → 49. Ivo Perelman - Matthew Shipp - William Parker - Bobby Kapp, Synesthesia (Defkaz) 8.2 (5) → 50. Helen Sung Big Band, Oracles (Sunnyside) 8.1 (5) → 51. Charles Downs Quartet, Inner (ESP-Disk') 8 (5) → 52. Alden Hellmuth, Tether (Leiter) 8 (5) → 53. Brian Lynch, Torch Bearers (Holistic MusicWorks) 7.9 (5) → 54. Nduduzo Makhathini, The Myth We Choose (Blue Note) 7.6 (5) → 55. Emmet Cohen, Universal Truth (Mack Avenue) 7.1 (5) → 56. Brandon Seabrook, Hellbent Daydream (Pyroclastic) 7.1 (5) → 57. Dave Stryker, Blue Fire: The Van Gelder Session (Strikezone) 6.4 (5) → 58. Alan Braufman, Anthem for Peace (The Control Group/Valley of Search) 5.4 (5) → 59. Work Money Death, A Portal to Here (ATA) 8.8 (4) → 60. Amalie Dahl's Dafnie Extended, Live at Moldejazz (Sonic Transmissions) 7.6 (4) → 61. Micah Thomas, Lucid (Birdwatcher) 7.6 (4) → 62. Patricia Brennan & Sylvie Courvoisier, Talamanti (Antlia) 7.4 (4) → 63. Simon Moullier, Ceiba (Simon Moullier Music) 6.8 (4) → 64. The Phoenix Trio, Tomorrow Is Today (Giant Step Arts) 6.4 (4) → 65. Steve Swallow, Winter Songs (ECM) 6.2 (4) → 66. Joel Futterman & William Parker, Transcendent Universe (Burning Ambulance) 6 (4) → 67. Ran Blake & Dominique Eade, Roots & Byways (Sunnyside) 5.8 (4) → 68. Caleb Wheeler Curtis, Ritual (Chill Tone) 5.8 (4) → 69. Kaja Draksler Octet, Bare, Unfolding (Zavod Sploh/Clean Feed) 5.6 (4) → 70. Simon Hanes, Gargantua (Pyroclastic) 5.6 (4) → 71. Chuck Bergeron, Bass & Face: Duets With Ten Premier Vocalists (Summit) 5.4 (4) → 72. Marta Warelis, Still Life With Lemons (Relative Pitch) 4.9 (4) → 73. SML, Spontaneous Music Live (International Anthem) 7 (3) → 74. Ingrid Jensen, Landings (Newvelle) 6.8 (3) → 75. Nicolas Leirtrø's Action Now!, Entrance (Sauajazz) 6.8 (3) → 76. Dave Adewumi, The Flame Beneath the Silence (Giant Step Arts) 6.1 (3) → 77. Shabaka, Of the Earth (Shabaka) 5.8 (3) → 78. Gabrielle Cavassa, Diavola (Blue Note) 5.6 (3) → 79. Josh Berman Trio, Everybody Else's Life Too (Corbett vs. Dempsey) 5.4 (3) → 80. Terry Waldo & the Gotham City Band, Treasury Volume 3 (Turtle Bay) 5.4 (3) →

"Giant Steps" - Ravi Coltrane Sextet (2025) | Live at Keystone Korner Baltimore https://www.youtube.com/watch?v=8QhscRpcwfc Ravi Coltrane, saxophones Robin Eubanks, trombone Jonathan Finlayson, trumpet Davis Whitfield, piano Noah Garabedian, bass Kush Abadey, drums