Vintage Mag.

Notorious B.I.G. — «Sky's the Limit» По словам продюсера DJ Clark Kent, бит для «Sky's the Limit» прошел через несколько рэперов, включая Jay-Z и LL Cool J, прежде чем Notorious BIG все-таки заполучил его. «Когда он загорелся, услышав этот бит я сразу сказал, что ничего не выйдет, ведь его уже забрал Akinyele...» На что Бигги ответил: «Нет, мне нужен этот бит!». В итоге трек какими-то неведомыми нам путями все же оказался на альбоме «Life After Death». Автобиографичный трек, рассказывающий о дозвездных днях из жизни Бигги, имел скромные показатели в чартах, но запомнился креативным клипом. Режиссером видео стал небезызвестный Спайк Джонз, который позже снимет фильмы «Она», «Быть Джоном Малковичем» и «Там, где живут чудовища». Поскольку Notorious B.I.G. уже не было в живых, было принято решение, что его роль и все остальные персонажи, будут сыграны детьми. Среди камео звезд, можно заметить Busta Rhymes, с которым Биг был в дружеских отношениях, а также множество артистов лейбла Bad Boy, ну и, само собой, Паффи. Слушать альбом «Life After Death»: Spotify | VK | Apple | Звук | Яндекс

Две иконы «нео-соула» могли записать целый альбом вместе, но что-то пошло не так... Альбом «The Miseducation of Lauryn Hill» считается одним из величайших альбомов всех времен. Тексты его песен остры и прямолинейны, а звучание — яркий калейдоскоп, переливающийся всевозможными оттенками хип-хопа и R&B разных эпох. Особое место здесь занимает дуэт с D'Angelo — «Nothing Even Matters». Пожалуй, это самая трогательная и нежная композиция пластинки, рассказывающая об идеальной любви, способной превратить все ненастья вокруг в простой пустяк. Когда ты очарован взглядом любимого человека, то все остальное уходит на второй план. «Теперь даже небеса могут рухнуть, а мир кажется таким маленьким...», — поет Хилл, посвящая строки своему партнеру Рохану Марли. Вспоминая о классических соул-дуэтах прошлого, таких как Marvin Gaye & Tammi Terrell и Roberta Flack & Donny Hathaway, Ди Энджело и Хилл хотели написать что-то похожее. Они оба вышли из этой музыки, а в конце 90-х сами стали её главными новыми лицами. Это было идеальное время для совместной записи. Ди приехал к Лорин в Нью-Джерси, где она показала ему первые наброски, после чего они отправились на студию. Их творческая энергия и философии совпадали идеально, а Ди записал свою партию, буквально в течение часа. В идеальном мире, эти двое записали бы целый альбом, но этого так и не произошло. Лорин готовилась к большому сольному дебюту, а D'Angelo как-раз тогда работал над будущим альбомом «Voodoo». Дело было отложено в долгий ящик, а артисты условились встретиться для совместной записи для вышеупомянутой пластинки с магическим названием. Отталкиваясь от той же концепции, Ди и Лорен начали писать кавер на композицию Роберты Флэк — «Feel Like Makin' Love», но все пошло не плану: расписания постоянно не совпадали, да и обрушившаяся на Хилл слава внесла свои коррективы. В итоге в альбом Ди Энджело вошла сольная версия трека. Хотя бэк-вокал в нем сильно напоминал голос Лорин Хилл. факт её участия до сих пор остается официально не подтвержденным. Не смотря на то, что обоих музыкантов связывали лишь дружеские отношения, после смерти D'Angelo певица призналась, что сожалеет о столь малом времени, которое они проводили вместе: «Чистым и чувственным душам необходима защита от жестокости мира, обрести которую они могут лишь объединяясь. D'Angelo был «маяком света» для целого поколения, а его талант был не от мира сего. Надеюсь, что теперь он обрел тот долгожданный мир, в котором нет алчности, манипуляций и хаоса, посеянного кем-то с целью разделять нас».

Raekwon — «Ice Cream», 1995 Третий и, пожалуй, самый известный сингл с легендарного альбома Рэйквона «Onlybuilt 4 Cuban Linx...» при участии Джонни Блэйза, Тони Старка и Каппадонны Каппачино. В песне используются различные вкусы мороженого, как метафора женщин разных рас и цветов кожи. Method Man выдал лучший свой хук, со времен «CREAM», а бит RZA основанный на гитарной партии «A Time For Love» Earl Klugh — настоящий продюсерский шедевр. Позже Лорин Хилл использовала фрагмент «Ice Cream» в своей песне «I Used to Love Him» на своем дебютном альбоме в 1998 году. Клип был снят возле торгового центра «Jamaica Colosseum Mall», в районе Ямайка, Квинс. В эпизодических ролях засветились Шахейм (участник Wu Fam и двоюродный брат Гостфейса), актер и модель Тайсон Бекфорд и Ирв Готти — будущий учредитель Murder Inc. Известия о приезде звезд и съемках клипа спровоцировали огромное столпотворение, что доставило ряд проблем режиссеру Ральф МакДэниелсу и несколько осложняло процесс. По воспоминаниям самого Рэйквона, атмосфера была довольно непринужденной: «У нас не было времени на стилистов и масштабные съемки, мы просто чилили и веселились там все вместе, ничего особенного - это и сделало картинку такой аутентичной. На следующий день мы отсняли видео для «Incarcerated Scarfaces» — так мы провели те выходные...» Этот трек появился на стороне B этого сингла и вошел в саундтрек к видеоигре «Grand Theft Auto: Liberty City Stories» в 2005 году. Если вы еще не читали наш рассказ об альбоме «Onlybuilt 4 Cuban Linx...», то обязательно сделайте это!

Классический обзор: Funkadelic — «Funkadelic», 1970 В то время Funkadelic были на одной волне с психоделическими соул-группами типа The Temptations, записавшими годом раннее свой знаковый «Cloud Nine». Только вот ни один другой коллектив не мог столь искусно совмещать в своей музыке тяжелые рок-гитары с мелодичным и проникновенным соулом. Звучание Funkadelic было очень похоже на классический саунд Motown и Stax: качающие грувы, плотные аранжировки, вокальные припевы... Только делали всё это они под раскатистый гул и скрежет электрогитар. Одноименный дебютный альбом Funkadelic — одна из лучших работ группы начала и середины 70-х. Помимо того, что пластинка включает в себя такие великолепные песни, как «I’ll Bet You» и «I Got a Thing...», здесь столько классического соул и R&B вайба 60-х, сколько вы не найдете ни на одной из последующих записей Джорджа Клинтона. Нельзя не заметить и влияние Джимми Хендрикса — оно становится очевидным в моменты, когда песни превращаются в хаотичные джемы. Помимо этого, триповые импровизации Клинтона в композициях «Mommy, What's a Funkadelic?» и «What Is Soul» решительно невозможно спутать ни с чем другим. Это тот самый P-Funk. С каждой следующей пластинкой звучание группы все больше будет смещаться в сторону рока, фанка и даже диско (особенно после того, как Берни Уоррелл займёт важную роль в коллективе). Никогда больше группа не будет так верна своим корням. Это и делает одноименный альбом невероятно искренней и уникальной записью, очертившей границу на перепутье между соулом 60-х и фанком 70-х. Spotify | VK | Apple | Звук

Суммируя все мнения в комментах из вк и телеги, по посту о «Stillmatic» итог следующий: Общее впечатление, что весь хейт обложки упирается в цвет велюрового спортивного костюма: «Ну нормальный же пацан был, а потом - как петух одеваться начал! Братва на районе не поймёт...» Прозвучало мнение о том, что лейбл заставил Насира «нарядиться» в условного Лудакриса. Все возможно, но тот факт, что в то время все одевались точно также — начиная с клана Wu-Tang и заканчивая кланом Сопрано, как-будто напрочь игнорируется. Даже если обложка была идеей лейбла, ориентированной на популярные тренды, это не исключает того, что Нас заложил в неё определенное высказывание, в чем мы и пытались разобраться. Не просто так вокруг неё столько споров и фанатский теорий. Другими словами он и «рыбку съел и... в тренды попал», творчески подойдя к поставленной задаче. И да, мы не исключаем, что Наса всё еще болтало из стороны в сторону, от «Hate Me Now..» и сотрудничества с Паффи, до игр в гэнгста на альбоме «Nastradamus». Поэтому он мог и примерить на себя еще один образ в поисках нового себя. И всё же, мысль о том, что такой неглупый парень как Nas, взял и тупо всё «сделал как лейбл ему сказал» и не заложил в это концепцию и своё видение, кажется маловероятной. Насчет голубя — уличная же тема. Кто смотрел «The Wire» и «Training Day» поймут. Еще, голуби — один из символов Нью-Йорка и, вместе с тем, символ библейский. Голуби снова появились на обложке альбома «God's Son», насчет этой взаимосвязи тоже есть теории. DMX вот собак помещал на обложки, ни у кого вопросов не было. А голубь... «ну, не по-пацански как-то», и как-будто в этом вся суть проблемы. Комменты читать было очень интересно и все это вылилось в целый пост, за что отдельная благодарность вам, друзья!

Guru's Jazzmatazz, Vol. 1 (1993) Несомненно, хип-хоп вырос именно из фанка и его грувов, однако с джазом у жанра связь особая, пусть и не столь очевидная. Как и эпоха бибопа, золотая эра хип-хопа неразрывно связана с городским нуаром, ночным Нью-Йорком и паром вырывающимся из его недр, сквозь люки колодцев. Голос же MC в своей экспрессии и полете сознания, подобен напористому звуку саксофонов Джона Колтрейна или Чарли Паркера. Джазовые сэмплы также сыграли немалую роль в хип-хопе, но идея рэпа под живую джазовую музыку не была в полной мере реализована до выхода Jazzmatazz, с участием Брэнфорда Марсалиса, Дональда Берда, Роя Эйерса, Сонни Листона и других джазменов. Подходя к созданию альбома, Гуру поставил перед собой довольно амбициозную задачу: сохранить уличный авторитет и жесткость, но показав при этом красоту музыки и глубину лирической мысли. Его характерный флоу великолепно сочетается с непринужденной и задумчивой атмосферой пронизывающей всю пластинку. Совершенно точно, что это не эталон лирики от Гуру, тем не менее он совершенно искреннен в волнующих его высказываниях на самые разные темы, и звучит это более чем органично. Первая часть квадрологии Jazzmatazz, определенно вышла самой удачной — идеальным рэп-альбомом для ценителей джаза и лёгкой точкой входа в джаз для поклонников хип-хопа. Снобы и меломаны по обе стороны баррикад, вдруг поняли, что рэп может быть интеллектуальным не потеряв в жесткости, а джаз — доступным, понятным и свежим. Сам же Гуру говорил об этой пластинке так: «Спокойные джазовые мелодии в сочетании с жесткими битами — это то, что идеально подходит моему голосу». Spotify | VK | Apple | Yandex | Звук

Лето оказалось таким дождливым, что потянуло на питерский рэп... При всей нелюбви к русскому рэпу, питерский стоит особняком — это обособленная вселенная, появившаяся благодаря кучке мечтателей и энтузиастов в начале 00-х. Музыка — вещь удивительная, подобно вкусу печенья «Мадлен» из романов Марселя Пруста, способна переносить не только в прошлое, но даже и в те места, где мы никогда не бывали. И это самое верное определение от эффекта от классических альбомов «Кара-тэ» и «Нет волшебства», которые пошли в ход первым делом. Тут стоит сказать, что альбом Смоки не разочаровывает, даже с высоты прожитых лет он кажется идеальным альбомом. Это всё тот же неожиданный удар в подбородок, после которого думаешь: «Что это, мать твою, было?». Самый сильный дебют в истории отечественного рэпа, чего нельзя сказать о «Вторжении» Krec*, что очевидно без лишних слов. А вот вторая пластинка Ассаи, Фьюза* (светлая память, Артёму) и Марата — шедевр безусловный, но не без слабых мест. Возможно это вкусовщина и придирки, но на фоне Ассаи лирика Фьюза кажется слишком уж поверхностной и приземленной. С другой стороны, они как небо и земля или инь и янь уравновешивали друг друга и в этом тоже был, как говорят нынче, «особый соус». При всем желании, группу Невский бит понять так и не удалось. Umbriaco звучали интересно лишь местами: треки «Марс» и «Ирбис» — очень крутые, но совсем про другое. В поисках той самой дождливой питерской грусти внимательно углубился в дискографию Botanique. Его «Подземелье драконов» — один из лучших треков из Питера за последние лет, этак 10. Одноименный альбом хромает местами, а вот «Кружатся диски» — куда более цельная и аутентичная пластинка. Одна только совместка с Фьюзом* чего стоит. Да и недавний его альбом с таинственным названием тоже весьма неплох. И как-будто на этом всё. Ни Крипл, который стареет достойно и держит марку, ни ранние альбомы Кажэ Обоймы (про новые молчим) — всё не то. Шутки про D. Masta — вэлком в комменты. Аргумент простой и железный: вайб не тот. А душа, как говорится, просит «рэпчины питерской, трушной» и «грусти доброй, светлой»... Возможно вы подскажете, дорогие друзья, чем еще можно разжиться на этом поле? *Krec / Фьюз — признан Минюстом РФ иноагентом

Обложка «Stillmatic» до сих пор считается одной из самых неудачных и безвкусных в истории хип-хопа? На ней Nas предстал в непривычном для себя образе: он одет в пёстрый велюровый костюм, на голове бейсболка «New Era», на шее увесистые цепи, а на руках «Ролекс» и браслеты. В общем всё по последней моде блинг-эры 00-х. А где же тот уличный пацан на фоне мрачных пейзажей гетто с прошлых обложек? Голубь, сидящий рядом стал отдельным поводом для шуток. Всё это выглядело нелепым набором клише и противоречило сложившемуся в глазах общественности образу Насира Джонса. Давайте разберемся, так ли она плоха и других заблуждениях относительно этого альбома. Во-первых, обложка вполне себе хороша с точки зрения привлечения внимания на прилавках с однотипными и безликими визуалами коллег по цеху, а реакция общественности также стимулировала ее продажи. Во-вторых, стилистически она заигрывает то ли с ренессансом, то ли с барокко, походя на фреску, что знаменует новую эру в карьере Наса. С этого момента его обложки станут «заявлениями другого уровня» (так например, он переосмыслит «Тайную вечерю» Леонардо да Винчи спустя несколько лет на «Street’s Disciple»), а фанаты начнут строить целые теории вокруг них. В-третьих, продолжи Насир штамповать обложки в прежнем концепте, то неизвестно к каким бы нелепостям это привело в дальнейшем. Визуальное оформление «I am...» уже вызывало вопросы. Никому и мысль не закрадывается в голову о том, что в обложке нашлось место одновременно тонкой иронии и горькой печали. Nas предстает перед нами заложником «блинг-эры» с невозмутимым лицом — этакий «Герцог Боуи», только, простите за каламбур, черный а не белый. Люди троллят обложку, на которой он троллит их самих, да и всю эпоху. Это не истина в последней инстанции, а просто одна из теорий. Отсылка же к альбому «The Great Adventures of Slick Rick», о которой часто упоминают различные источники, кажется самой неинтересной и притянутой за уши деталью этого пазла. Она действительно звучит как попытка оправдать провал обложки задним числом. И вот теперь самое нелепое. В отличие от обложки, музыкальное наполнение альбома принято считать выдающимся. Просто потому, что он спас карьеру Насира. Главным образом это связано с победой над Jay-Z в их многолетнем бифе, достигшем тогда своего пика. Будем честны: проиграй Насир эту битву, то «Stillmatic» вспоминали бы как однозначный проходняк. Справедливости ради, скажем, что так оно и есть в контексте всей дискографии автора. Тем не менее, в моменте, это была важнейшая пластинка, ставшая первым этапом возрождения легенды. Абстрагируясь от всего вышесказанного, мы имеем очень неровный альбом-винегрет со множеством спорных моментов, о которых принято умалчивать. Так, например, главный антагонист блинг-эры и ее амбассадора в лице Jay-Z, записывает абсолютную безвкусицу в духе времени — «Braveheart Party», с кринжовым припевом Mary J. Blidge. Все участники этого «торжества» откровенно не в своей тарелке, но отыгрывают этот номер, после чего трек удаляется по просьбе певицы со всех последующих изданий альбома, и сейчас на стримингах он тоже отсутствует. Тот случай, когда убираешь задним числом провальный трек и пластинка сразу становится немного сильнее. Лирика высочайшего класса по прежнему остается главным оружием Наса, но проблема в том, что соседствует она здесь со стиркой грязного белья коллег по цеху (помимо Jay-Z досталось Prodigy из Mobb Deep и Cormega) и крайне неоднородным, а местами и просто провальным продакшеном. Здесь есть и жемчужины, типа «One Mic» и «You're da Man», к которым не придраться, но в целом альбом решительно невозможно слушать без «перемотки». Как-будто именно обложка альбома — то единственное, что объединяет все это буйство звуков, вопреки всему тому, что говорят о ней разочарованные фанаты и плоская музыкальная журналистика. И всё же На контрасте с предыдущими работами Наса «I Am...» и «Nastradamus», где он уходил в поп-ориентированные песни, то пытался играть в гангстера, «Stillmatic» в определенной степени реабилитировал утраченный авторитет. В то же время звучит он, как чуть более улучшенная версия вышеназванных предшественников и поиск своего места в новой «гламурной» эпохе рэпа. Рано или поздно, Насир 100% реанимировал бы карьеру и без этого альбома, просто благодаря своим таланту и рассудительности, но на это потребовалось гораздо больше времени. Его главный оппонент сам расстелил красную ковровую дорожку и Нас с удовольствием прошелся по ним обоим. Spotify | VK | Apple | Звук

Если бы Бигги и Тупак дожили до сегодняшних дней, их бы точно отменили. А при чем тут Jay-Z? Предыдущий пост о Jay-Z вызвал некоторую полемику в комментах. Внимательно прочитав ваши мнения, появились некоторые мысли о культуре отмены, судебных исках подающихся задним числом и желтых инфоповодов. Судя по всему Jay-Z не самый любимый рэпер наших подписчиков. Да и не наш тоже. Однако, говоря объективно, Джей — единственный артист из поколения Бигги и Пака, доживший достойно до наших дней. Его карьера — самая ровная, относительно современников, равно как и репутация. У него бывали черные полосы в личной жизни, как и у каждого из нас, но он всегда шел на диалог с обществом и сми, публично признавая свои грехи и извиняясь за ошибки. Что же касается музыки, то каждый его альбом — культурное событие мирового масштаба до сих пор. В свои 56 его рэп не теряет актуальности, чего нельзя сказать о его земляках: при всей любви к Wu Tang и уважении к Nas — это артисты другого масштаба. Поэтому именно Jay-Z считается королём Нью-Йорка. И вот глядя на то, что пишут люди о нем в комментах, возникает вопрос: если бы Бигги и Тупак были бы сейчас живы, что бы писали о них? Сколько информационных вбросов, судебных исков и темных историй всплыло бы на поверхность из мутных и бурлящих вод девяностых, на фоне которых Джей выглядел бы просто мальчиком-зайчиком. Во-первых, Бигги также бы проходил по делу Шона Комбса, и кто знает, какие там скелеты в шкафу. Джея с Комбсом связывали исключительно профессиональные отношения, а вот Биг был настоящим другом Паффи, и вся его публичная жизнь и карьера были неразрывно связаны с Шоном Комбсом. 2pac в принципе был фигурой противоречивой, а в последние годы жизни вообще стал дикарем с потекшей от славы крышей, и, кто знает, каких бы он дел еще натворил и сколько бы сроков отсидел. Про его продюсера комментарии излишни. Во-вторых, очевидно, что половину культа с обоих персонажей сдуло бы ветром, ведь великими их делает именно то, что они погибли при трагических обстоятельствах. Плюс к этому, мы не знаем, как сложилась бы их дальнейшая музыкальная карьера. Сколько провальных альбомов они бы выпустили, в какие бы тапки переобувались в следующие 30 лет и как это всё отразилось бы на фанатской любви. Будем объективны: у Бигги и Пака было всего 3 года прайма, против 30 лет доминирования Jay-Z. И последнее. У Jay-Z не было продюсера. Ни Шуга Найта, ни Пафф Дэдди, которые несли полную ответственность за своих протеже. Во многом и с этим связана инфантильность Пака и Бигги, приведшая к печальным последствиям для обоих. У Jay-Z была своя голова на плечах, он сам принимал все решения с хладнокровностью бизнесмена, инвестировал свои деньги, а любая ошибка — стоила бы ему карьеры. Это совсем другой уровень мышления и ответственности, рядом с которыми две иконы хип-хопа кажутся детишками, заигравшимися в гангстеров. Только вот в гангстеров их «нарядили» продюсеры, продали это миллионам людей по всему миру, после чего связь с реальностью у обоих артистов была окончательно потеряна. Справедливости ради, Бигги это касается в меньшей степени. Поп-культура делает «священных коров» из обычных, а зачастую не самых приятных в жизни людей. В подавляющем большинстве это самовлюбленные, эгоистичные и недалекие люди с нарциссическим расстройством, питающиеся слепой любовью фанатов, как вампиры кровью своих жертв. Все они шли по головам к своей славе и были готовы на все ради нее. Без этого не обходится ни одна большая карьера. Родись эти люди в современном мире, они готовы были бы продать душу за лайки и охваты, пусть и на один день. Вспомните пожалуйста пляшущего Тупака в группе Digital Underground и танцующего Паффа рядом с Бигги. Это цена, которую оба заплатили на пути к славе, в итоге их убившей. Jay-Z шел своим путем, который также не обходился без жертв, но делал это достойно, с расчетливостью настоящего Макиавелли и без лишних теорий типа «The 7 Day Theory».

Willie Hutch — «Season For Love», 1970 Написав большой хит «I'll Be There» для Jackson 5, Уилли Хатч стал одним из штатных продюсеров Motown и впоследствии приложил руку к песням Marvin Gaye, Smokey Robinson, The Miracles и других артистов лейбла. Однако, сольное его творчество, так и не снискало народной любви. Несмотря на весь свой талант и многогранность, он оставался «человеком за кулисами», меркнущим в лучах чужой славы. И все же, это был огромный успех, которому предшествовали годы, проведенные на лейбле RCA, и это были не лучшие времена. Его дебютная пластинка «Soul Portrait» (признанная классикой спустя время) оказалась коммерческим провалом в момент выпуска, после чего, вместе с продюсером Джоном Флоресом они записали «Season For Love», в надежде зайти на рынок «белой поп-музыки». Альбом богат на пышные аранжировки: фантастические струнные и размашистые духовые партии, которые станут неотъемлимой частью дальнейшего творчества артиста присутствуют здесь в избытке, что не может не радовать. Еще здесь чувствуется большое влияние Сэма Кука, и все вместе это неплохо работает. Хотя «Season For Love» всё еще не раскрывает уникальность Уилли в полной мере, эти песни полны какой-то неистовой энергии, что делает их особенными в каталоге автора. Spotify | VK | Apple | Звук

Прежде чем были заработаны миллиарды и воздвигнута целая империя... Просто рэпер из Бруклина фотографируется на крыше нью-йоркской многоэтажки. В те времена ни один лейбл не хотел подписывать контракт с Шоном Картером, в том числе и Def Jam. А спустя 10 лет он стал его президентом. Прежде чем это случилось, он был вынужден продавать свои записи прямо на улице, разъезжая по городу с полным багажником дисков и кассет. Дэнни Хастингс сделал эти снимки накануне выхода «Reasonable Doubt» — дебютной пластинки Jay-Z. На этих фото прекрасно видно, что взгляд Джея уже тогда был устремлен в будущее, в котором он видел себя хип-хоп магнатом. Сам себе на уме, спокойный и расчетливый, он готовился покорить Нью-Йорк, а после — весь мир.

Freddie Gibbs, Madlib — «Bandana» «Брат получил две пули в мозг, которые, по Божьей воле, пролетели мимо меня. Всё было как вчера, я никогда не забуду...» Второй коллаб бескомпромиссного хастлера и загадочного продюсера полон подобных флешбэков и мрачных откровений Фредди. Нашлось место и воспоминаниям о заключении в австрийской тюрьме, сожалении о изменах и неправедной жизни. Даже «Дядя Грэг», регулярно фигурирующий в альбомах Гиббса, как комичный персонаж, предстает здесь отнюдь не смешным, а трагичным героем с окровавленным ножом, невольно повлиявшим на судьбу автора. На фоне того, как Фредди все глубже погружается во внутренний мрак, Мэдлиб, на удивление, открывает двери своей мастерской звука, навстречу современным веяниям. Он по прежнему погружен в эксперименты и верен винилу, но неожиданно заигрывает то с трэпом, то с жесткими гитарными рифами, ловко укладывая это в концепцию «Банданы», где историческая борьба чернокожих за свободу и эстетика «Blaxploitation» играют ключевые роли. Фредди всегда имел репутацию MC, способного уничтожить своими техничными рифмами абсолютно любой бит, вне зависимости от жанра. Встретившись наконец с Мэдлибом вживую и работая вместе на студии, они, глубоко погрузившись в миры друг друга, решили отойти от консерватизма «Пинаты» и довериться интуиции. Благодаря этому и удалось создать новый мир — «Bandana», который зиждился на устоявшихся традициях, но и не боялся их нарушать. Пластинку смело можно назвать экватором, перейдя который, их сотрудничество переросло в нечто большее, выйдя на новый уровень взаимопонимания и синергии. Spotify | VK | Apple | Звук

6 августа 1973 года, по дороге со своего концерта, Стиви Уандер заснул на пассажирском сидении автомобиля. Проснулся он спустя несколько дней в больничной койке — всё это время музыкант находился в коме... Машина, за рулем которой был его двоюродный брат Джон Харрис, врезалась в затормозивший прямо перед ними грузовик с лесоматериалами. При столкновении бревна разлетелись в разные стороны, а одно из них пробило лобовое стекло, попав прямо в голову Стиви. Когда его вытащили из разбитой машины, он был весь в крови, а голова распухла до неузнаваемых размеров. Водитель отделался более легкими повреждениями. «Когда я приехал в больницу, то просто не мог узнать его», — вспоминал друг и тур-менеджер музыканта, Айра Такер, — «он ни на что и на кого не реагировал. Это получилось не с первой попытки, но когда я напевал «Higher Ground», склонившись прямо к его уху, Стиви вдруг начал шевелить пальцами в такт песне». Спустя несколько дней, Уандер пришел в себя, обнаружив, что его обоняние полностью пропало. И все же это не было главной проблемой, ведь вся его жизнь была в музыке, но сможет ли он заниматься ей теперь — вот что пугало по-настоящему. Айра и друзья, принесли в больницу один из любимых инструментов Стиви — клавинет.Какое-то время он не прикасался к нему, просто сидел и молчал. Было видно, что боялся того, что не сможет больше играть из-за полученных повреждений. Когда, набравшись храбрости, он наконец сделал это, то радость на его лице осветила всю комнату! Реабилитация была долгой и мучительной: целый год он провел на медикаментах, страдая от жутких головных болей. Обоняние частично восстановилось, а уже весной 1974 Стиви вышел на сцену «Мэдисон Сквэр-Гарден» со словами благодарности Всевышнему и сыграл свой первый концерт после происшествия. Когда Уандер писал композицию «Higher Ground», в которой пел о счастье получить второй шанс и прожить лучшую жизнь, он и представить себе не мог, что именно она вернет его на землю прямо из преисподней. Для Стиви произошедшее было не просто «аварией», а испытанием посланным свыше, которое он предчувствовал и благодаря которому по-настоящему обрел Бога. С тех пор, каждый концерт для него стал возможностью делиться верой и духовным опытом с людьми, наполняя светом их жизни и мир вокруг. Светом, которого сам он, не видел никогда, оставаясь при этом неиссякаемым его источником.

Рэпер без передних зубов и с внешностью гопника, чей никнейм отсылает к википедии и его альбом о жизни «маленького человека» в Нью-Йорке... Wiki — «Ancient History», 2026 Wiki — не самая заметная фигура Нью-Йоркской рэп-сцены, но важная часть ее андеграунда. Начав карьеру в составе авангардной группы Ratking, просуществовавшей всего несколько лет, он ушел в сольное плавание, успев за это время поработать, как с ветеранами Madlib, The Alchemist и Ghostface Killah, так и c героями новой волны альтернативного хип-хопа — Earl Sweatshirt, MIKE и Navy Blue. Его хип-хоп всегда был оторван от всякого рода романтизации и показывал обратную, негламурную сторону жизни рэпера. Так, например, его дебютный альбом рассказывал о том, что концертные гастроли это не только овации зрителей, но и жизнь в фургоне, дешевая еда из бензозаправочных кафешек и неадекватные фанаты. Важной и неизменной частью его творчества всегда оставался Нью-Йорк — город, в котором он родился и провел всю жизнь, а Центральный Парк на Манхэттене — его любимое место для прогулок. Cедьмой сольный альбом артиста — «Ancient History», продолжает следовать всё той же линии, сплетающей воедино контрасты Большого Яблока, глубокий самоанализ и преданность корням. Автор ностальгирует не только по золотой эре хип-хопа, но и по эре «желтых такси». Он наблюдает за пафосными яппи из окон дешевой забегаловки, борется с собственным алкоголизмом и болеет за «Knicks» всем сердцем. В городе, где все стремительно меняется каждую секунду, одно остается неизменным — Wiki и его хип-хоп. Об этом, во многом, и альбом «Ancient History», полный нонконформизма, любви и ненависти к родному городу, а также уважения к культуре. Spotify | VK | Apple | Звук

«Мы были просто двумя подростками, которые услышали хип-хоп по радио и захотели сделать лучше», — так, в ретроспективе, комментировал альбом «Strictly Business» сам Эрик Сермон. Везде, где бы вы не оказались летом 1988 года, EPMD звучали «изо всех утюгов». Эти юные парни из пригорода Нью-Йорка покорили всех своим гипнотическим фанковым звуком, а их дебют «Strictly Business» получил 5 микрофонов The Source сразу после выхода. Что еще более удивительно, записан он был всего за один месяц! Эрик и Пэриш делали деньги (так расшифровывается аббревиатура EPMD) не просто на словах, а в реальной жизни: «Strictly Business» достиг золотого статуса уже спустя месяц после премьеры. Простые, а местами даже и тупые, рифмы, шепелявость Эрика из-за которой некоторых слов просто было не разобрать оказывали магический эффект на слушателя. Еще один фактор успеха заключался в нестандартных, по тем временам, сэмплах: они выбирали не Джеймса Брауна, а Эрика Клэптона. Всё это невероятно конрастировало с рэпом той эпохи — техничным, быстрым и агрессивным. Пока MC вокруг, бились друг с другом в бесконечной схватке за право стать «королем микрофона», EPMD просто не парились и делали рэп на чилле и расслабоне, глядя на них, как на дураков. Их ленивый и пофигистический флоу бросал вызов всему комьюнити своей простотой, мол: "...а мы вообще не заморачивались, и плевать, что вы об этом думаете. Мы здесь просто чтобы срубить деньжат." Песня с говорящим названием «You Gots To Chill» (тебе нужно расслабиться) стала главным хитом альбома и определила творческий вектор EPMD на годы вперед, чье уникальной звучание невозможно было спутать с кем-либо еще. Здесь есть и фирменный продакшен и легендарная вступительная строчка «Relax your mind, let your conscience be free and get down to the sounds of EPMD...», а сам трек стал одним из самых цитируемых в истории жанра. Это тот самый пример, когда первый альбом определяет всю дальнейшую карьеру группы. Ведь Эрик и Пэриш оставались верными себе своему звуку вплоть до самого распада EPMD в 1993 году, после чего вновь воссоединились в 1997 году всего на два года (вероятно, лишь для того, чтобы сделать еще немного деньжат). Все годы существования проекта их музыка постоянно развивалась, а Sermon и PMD совершенствовали свое персональное мастерство. «Strictly Business» — основа всего того, что они создали в следующие годы: начиная с дискографии EPMD и сольных альбомов, заканчивая запуском карьеры Redman'a. EPMD — «Strictly Business», 1988 Spotify | VK | Apple | Звук | Yandex